Certains dans la foule sont plus facilement convaincus, cependant, avec un fan jaillissant continuellement que Cabello « sait ce qui se passe » tout en claquant des doigts.
L'énergie dans l'arène ne se réchauffe correctement qu'une fois que Cabello revient sur les pistes dont la plupart de ses fans sont tombés amoureux d'elle – la poussée latine optimiste de Bam Bam et le son inspiré de Salsa sensuel de Havane. Ici, la foule se soulève d'excitation, tout le monde balance ses hanches à l'unisson presque parfait.
Camila Cabello n'a pas joué en Australie depuis son ouverture pour Taylor Swift lors de la tournée de réputation.Crédit: Richard Clifford
C'est pendant ces moments, lorsque Cabello a essentiellement la foule qui mange de sa main, qu'elle semble elle-même s'amuser le plus. Pendant la piste pop nu-disco Calmeelle implore même le public de devenir complètement silencieux – un exploit rare pour un concert de l'arène – avant de reprendre leur applaudure à son propre commandement.
« J'ai fourré mon visage avec Tim Tams. J'ai même fait un Tim Tam Slam. J'espère que nous retournerons en Australie. Nous avons fait voler nos mégots ici, et vous avez été la meilleure foule de tous les temps. Je l'aime.
Cabello a déclaré que sa nouvelle ère visait à adopter la transformation et le changement. Pourtant, les meilleures parties de sa tournée sont lorsqu'elle revient au son même qui a valu à ses nominations de Grammy en 2019. En fin de compte, Cabello a plus d'aide que Swagger, mais nous devons peut-être accepter qu'elle « ne sera jamais la même » qu'auparavant.
Examiné par Nell Geraets
DANSE
Scénarios et copie de la copie ★★★★
Dancehouse, Carlton, jusqu'au 30 août
Les deux œuvres se présentant actuellement à Dancehouse se font cercle autour des problèmes de réplication et d'imitation. Ce sont des fascinations durables pour les chorégraphes, mais ce qui rend ce soir intéressant, c'est le contraste: un travail médite sur la similitude, tandis que l'autre insiste sur la différence.
Les scénarios sont ludiques mais aussi intimes.Crédit: Takeshi Kondo
Scénarioscréé et interprété par Benjamin Hurley et Scott Elstermann, joue comme un duo queer d'auto-fascination. Chacun se comporte comme si l'autre était un miroir, une copie sans gestes originaux et doublant jusqu'à ce que la ressemblance se donne une sorte d'hallucination rêveuse.
Leur identité partagée est vraiment une sensibilité partagée. Une sorte de dandyisme Rococo en double. Les mouvements sont verticaux, mesurés et de façon impeccable. C'est une danse disciplinée, avec des symétries, des synchronicités et des phrases longues travaillées obsessionnellement qui se développent avec des vocalisations délicates.
Ils parcourent de nombreuses images ou scénarios. Un texte bien choisi laisse entendre le frisson de vous voir comme un autre, tandis qu'une vignette plus sombre évoque le doppelgänger déterminé à l'auto-annihilation. Pourtant, l'ambiance reste ludique – même un peu vissée – tout au long de ces transformations.
La copie de la copie est intéressée par la façon dont la danse passe du corps en corps, de l'enseignant à l'élève.Crédit: Tiffany Garvie
C'est mignon mais aussi intime. En fin de compte, le public lui-même devient un support réfléchissant, placé devant les jumeaux comme l'un des miroirs qui organisent l'espace, comme si leurs identités doublées nous obligent à être la surface finale dans laquelle leur ressemblance était enregistrée.
Priya srinivasan, en revanche, dans Copie de la copieest moins préoccupé par les réflexions étranges que par la façon dont la danse passe du corps en corps, de l'enseignant à l'élève. Dans ce transfert, les copies ne sont jamais exactes: quelque chose est perdu et quelque chose d'autre est gagné.
Son travail est résolument théâtral, combinant la danse, la vidéo, l'interaction du public et même un peu de cuisine. Les registres sont également multiples – comiques, sérieux, savants, confessionnels – et ils changent continuellement. L'effet est d'une enquête en couches, mettant en scène la transmission elle-même comme un processus complexe et instable.
Au cœur de la performance se trouve la propre lignée de danse de Srinivasan: ses professeurs et les professeurs qui leur ont enseigné. Alors que le travail se termine, cependant, nous obtenons une cartographie plus vaste des connexions, une série de noms délibérément écrasants s'étendant du présent à la fin du XVIIIe siècle, sillonnant les continents, les empires et les colonies.
Au fur et à mesure que les noms s'accumulent, les distinctions se brouillent: quelles connexions étaient des rencontres éphémères et lesquelles ont été nourries au cours de nombreuses années? Oui, nous avons une idée de la densité du trafic interculturel, mais le concept de la copie devient un peu vague et sous-définie.
Enfin, bien qu'il y ait beaucoup à penser dans cette production, son succès en tant que spectacle repose carrément avec les musiciens – Hari Sivanesan, Pirashanna Thevarajah et Ranjitha Suresh – dont la présence en direct aux côtés de Srinivasan donne à l'œuvre sa vitalité spéciale.
Examiné par Andrew Fuhrmann