DANSE
Festival Maintenant ou Jamais | Temps restant ★★
Chunky Move, hôtel de ville de Melbourne, jusqu’au 20 août
J’avoue que je suis déconcerté par le discours d’Antony Hamilton Temps restant. De quoi est censé parler ce spectacle fou, sombre et totalement peu dramatique ? Et que font exactement ces pauvres danseurs dans leurs costumes démodés ?
Le programme n’est d’aucune aide. Il nous apprend que le spectacle « explore l’intégration technique des lasers scéniques dans le spectacle vivant ». Intégration technique ? Vraiment? S’agit-il alors d’un exercice d’ingénierie système ? Pas de chorégraphie mais de logistique ?
Eh bien, la danse et le spectacle laser sont peut-être intégrés techniquement, mais ils ne le sont pas de manière plus significative. Temps restant c’est comme deux représentations distinctes occupant accidentellement le même lieu – même si aucune ne parvient à remplir l’espace.
La production est creuse dans le sens précis où elle manque de contenu. Dans la vaste caverne de l’Hôtel de Ville, tout semble lointain et inefficace, surtout vu depuis les sièges du balcon : une poignée de silhouettes sombres se précipitant à travers les lumières ou attendant simplement.
Il y a quatre unités laser montées sur des supports suspendus au plafond. De fins faisceaux violets traversent la salle, lentement et de manière répétitive, produisant d’étranges reflets bleus sur ses murs. L’arrangement est austère et simple et aurait pu constituer une installation de galerie intéressante.
La précision des lasers contraste fortement avec l’inutilité des danseurs. Vêtus d’une panoplie gothique d’objets théâtraux d’occasion, ils se tordent au ralenti sur la scène surélevée ou gambadent dans la salle comme des enfants hurlants.
Il y a de la danse, mais elle est si volontairement appauvrie qu’on est obligé de se demander si cette production est réellement un rejet du spectacle vivant – notamment du travail de chorégraphie des corps humains.
Quelle que soit la fascination de ce spectacle, celle-ci appartient aux lasers : l’ordre et la constance des faisceaux, leur intensité innée, leur capacité à traverser l’obscurité et la précision avec laquelle ils peuvent être chorégraphiés.
À côté d’eux, les danseurs semblent presque superflus : désordonnés, obsolètes et absurdement démodés. Que font-ils là-bas ? Ils disparaissent.
Évalué par Andrew Fuhrmann
MUSIQUE
Stravinsky, Mills et Chostakovitch ★★★★★
Orchestre mondial australien, Salle Hamer, le 19 août
Célébrant désormais son 50e anniversaire, le rituel annuel consistant à réunir les meilleurs musiciens d’orchestre d’Australie sous la bannière de l’Australian World Orchestra est devenu à juste titre un événement très attendu dans le calendrier musical du pays.
Une narration musicale experte a caractérisé le programme de cette année, dans lequel un curieux ensemble de fables australiennes était complété par deux classiques russes.
Vraiment un concerto pour orchestre, le ballet de Stravinsky Petrouchka (présenté dans la version révisée de 1947) a permis à de nombreux acteurs talentueux de l’AWO de se retrouver brièvement sous les feux de la rampe alors que l’histoire de la marionnette Petrouchka prenant vie se déroulait.
Le chef d’orchestre Alexander Briger a donné une touche légère et appropriée au mélange drôle et fantaisiste de Stravinsky de musique folklorique vigoureuse et de fausse tragédie, suscitant une précision rythmique semblable à celle d’un laser de ses forces.
Commandé par l’AWO pour cette tournée, Jonathan Mills’ Chansons pour l’étranger s’inspire et complète le matériel de son opéra Eucalyptusbasé sur le roman de Murray Bail et interprété sous forme poétique par Meredith Oakes.
Le ténor Michael Petruccelli, qui a joué dans l’opéra, a apporté une diction minutieuse et une communication musicale très engagée à cet ensemble de cinq contes décalés, écrits principalement par Mills dans un monde sourd et sombre de cordes graves, souvent auréolées de percussions réverbérantes.
Crépitante d’électricité collaborative, la Symphonie n°10 de Chostakovitch est devenue une puissance de dynamisme musical depuis les vastes étendues de l’ouverture jusqu’à l’Allegro propulsé par un avion à réaction, et de là jusqu’au délire passionné du troisième mouvement dans lequel le compositeur avoue sans doute son engouement pour un étudiant. Dans une œuvre peut-être motivée par la mort récente de Staline, le finale était tout aussi sans vergogne, bien que ponctué de quelques solos de vent superlatifs.
Malgré des changements de personnel de dernière minute, l’AWO, tant individuellement que collectivement, a apporté une musicalité de classe mondiale à un programme généreux et exigeant. C’est sûrement une tenue musicale dont nous pouvons tous être fiers.
Évalué par Tony Way