Critiques du Festival de Sydney


DANSE
KATMA
Le résumé de Neilson, 16 janvier
Jusqu'au 19 janvier
Commenté par CHANTAL NGUYEN
★★★★

Vous ne faites pas la queue dans une file d'attente tamisée pour . Vous vous pressez dans le vestibule du Neilson Nutshell, les huissiers dirigeant la foule excitée comme des videurs. Un rythme étouffé de DJ « doof doof doof » (musique de Jack Prest) s'échappe de derrière les portes closes.

Ceux-ci s'ouvrent et le Nutshell ne ressemble plus à un théâtre shakespearien mais à un entrepôt post-industriel transformé en club. Seuls quelques hauts tabourets bordent les bords de la pièce, alors nous nous étendons et nous levons, certains bougeant au rythme de la musique tandis que les downlights forment de petits puits de luminosité. La chose la plus tangible est ce rythme. Puis la danse commence.

La salle est transformée en un entrepôt post-industriel transformé en club.Crédit: Wendell Teodoro

est la création de l'artiste de danse et éducateur soudanais Azzam Mohamed, alias Shazam, et de la compagnie artistique PYT Fairfield où Mohamed est artiste en résidence. Il n'a jamais étudié la danse formellement mais s'est formé dans les lieux qui constituent le cœur battant de la danse de rue : la scène underground et communautaire.

Apporter cette énergie, cette profondeur et cette culture à Walsh Bay, l'épicentre d'un festival grand public, déborde d'une authenticité brute et euphorique, contagieuse et culturellement riche. Cela fait immédiatement disparaître tout art moderne prétentieux que vous avez pu voir récemment.

est immersif : le public devient partie intégrante de la scène de danse tandis que Mohamed et ses six danseurs se déplacent dans la salle. Le public suit avec enthousiasme, criant et applaudissant à chaque nouvelle improvisation. Cela culmine lorsque les danseurs mènent le public désormais insatiable dans une danse.

est présenté comme une fusion de styles street et club : break, hip-hop, krump, waacking, lock, house et danses afro. Lors de la soirée d'ouverture, la house était dominée, mettant l'accent sur le freestyle et la vibration et, comme dans toute œuvre improvisée, variant en énergie et en intérêt. Tous les danseurs sont transcendantaux, mais gardez un œil particulier sur Angelica Osuji et Naethiel Lumbra.

Depuis sa base de l'ouest de Sydney, PYT Fairfield met l'accent sur l'inclusivité. À cet égard, c'est remarquable. Pour beaucoup dans la foule habituelle du centre de Sydney, il y a peu d'opportunités de découvrir la richesse de la scène de la danse de rue à moins de connaître les bons danseurs ou de évoluer dans certaines communautés multiculturelles.

brise ces barrières socio-économiques, révélant le tissu multiculturel riche et joyeux du grand Sydney. À tout le moins, dans le sillage effrayant de Raygun, c'est un rappel de l'authentique scène de danse de rue australienne. Au point qu’après le spectacle, quelques spectateurs en extase haletaient : « C’était incroyable, encore mieux qu’une thérapie ! »


DANSE
LES CHRONIQUES
Théâtre Roslyn Packer, 17 janvier
Jusqu'au 19 janvier
Commenté par CHANTAL NGUYEN
★★★

Stephanie Lake se décrit comme « Plus qu'un simple spectacle… (une) catharsis, un moment de prise de conscience et, finalement, une réflexion sur l'espoir. »

Après un prologue évoquant la naissance, démarre sur les chapeaux de roue avec une douzaine de danseurs de la Stephanie Lake Company explosant dans des mouvements exaltants. Cette première section est empreinte d'un élan palpitant, les danseurs galopant et glissant sur les plans horizontaux de la scène comme pris dans un élan irrésistible.

Il met en valeur le talent exceptionnel de la compagnie : les danseurs ont une confiance physique et théâtrale exceptionnelle, et un appétit pour le risque qui enlace leur danse avec une audace brute. Ils sont vêtus de vêtements streetwear aux teintes vertes (les costumes d'Harriet Oxley) qui donnent à leur athlétisme une touche sale et sale alors qu'ils courent sur la scène, cheveux et vêtements volants, sur la partition électro-acoustique de Robin Fox.

Vient ensuite un changement de ton soudain : un chœur d'enfants serein apparaît (l'excellent Sydney Children's Choir), portant des lanternes, vêtus de longues blouses blanches, debout sur un ensemble d'herbes hautes sur une scène surélevée (conception de Charles Davis). Ils chantent la chanson folklorique. L’ambiance est désormais méditative et pseudo-liturgique, mais de manière inexplicable. Le décalage et la disjonction avec les éléments de production créent une confusion tonale dont on ne se remet jamais.

Des segments changeants suivent. Les enfants pratiquent des percussions buccales. Les danseurs se changent en jupes longues et flamboyantes, éclairées de manière grisante par un éclairage stroboscopique. À un moment donné, ils crient après le public. Il y a une joyeuse bataille de bottes de foin qui se transforme d'une manière ou d'une autre en une concentration plus inquiétante sur un danseur. Dans une longue section finale, le baryton-basse Oliver Mann chante magnifiquement alors que des fleurs blanches apparaissent sur la verdure au fond de la scène. La coda finale évoque la mort.

Chaque section est visuellement saisissante et il y a des moments de forte créativité chorégraphique. Mais sans lien convaincant entre les sections, il est fragmenté et confus quant à son propre message, donnant l'impression écrasante de plusieurs pièces de danse distinctes regroupées en une seule. Chaque changement soudain ressemble presque à une dissociation d’identité, nécessitant un ajustement pour passer à la scène suivante. À la fin, l’effet de configuration et de réinitialisation rend un peu difficile l’engagement complet.