Kooza du Cirque du Soleil; Rétrograde au MTC

CIRQUE
Kooza, Cirque du Soleil
Hippodrome de Flemington, vousjusqu’au 19 juillet
★★★★★

La précarité est une réalité dans les arts de la scène, même pour des noms connus comme le Cirque du Soleil, et c’est formidable de les revoir en plein essor.

Le poids lourd du cirque canadien a connu un atterrissage brutal à Melbourne au cours des années de pandémie. Son spectacle a été interrompu par le premier confinement lié au COVID, quelques jours seulement après le début de la saison, et la société a déposé une demande de mise en faillite peu de temps après.

Le service international a depuis repris. Un nouveau spectacle a fait une tournée en Australie en 2024, mais parmi tous les Cirque du Soleil auxquels j’ai assisté au fil des ans, il reste mon préféré et celui que j’emmènerais voir les enfants.

Il possède toutes les qualités que vous associez au Cirque du Soleil. Concours et costumes. Musique du monde éclectique. Des valeurs de production extrêmement élevées. Des acrobaties de classe mondiale que vous ne trouverez nulle part ailleurs.

La plupart des spectacles du Cirque du Soleil peuvent les cocher sur une liste. Ici, ils se fondent dans une fantaisie fluide et irrésistiblement charmante, s’appuyant sur les archétypes de la commedia dell’arte pour livrer une odyssée clownesque qui ressemble à un livre illustré pour enfants prenant vie.

Un mystérieux colis arrive alors qu’une figurine de Pierrot (Alexander Yudintsev) – un clown innocent vêtu de jolis vêtements de nuit – tente de faire voler un cerf-volant. Surgit une figurine d’Arlequin, un farceur farfelu (Kevin Beverley), qui emmène les innocents dans un voyage onirique qui oscille entre des exploits défiant la gravité et les pitreries animées d’un royaume de clowns gouverné par un roi des clowns (Mark Gindick).

(À un moment donné, il y a un coup de clown – avec l’acteur australien Shane Jacobson choisi parmi le public pour s’emparer de la couronne lors de la soirée d’ouverture – bien que ce soit le seul élément majeur de la participation du public à la bouffonnerie qui soit divertissant mais aussi pratique, gagnant du temps pour installer de nouveaux appareils entre des démonstrations à couper le souffle de prouesses acrobatiques.)

Les acrobates sont étonnants. Tous les cirques parlent le langage de l’émerveillement, mais il est rare de rencontrer un facteur d’émerveillement si constamment élevé que vous devez sans cesse vous rappeler de fermer la bouche.

Les aériens sont bien représentés : une routine aérienne vertigineuse (Mizuki Shinagawa), un ensemble de planches à bascule comprenant des backflips sur des échasses, un incroyable numéro de highwire dans lequel rouler à vélo sur une corde raide n’est que le début.

Et bien sûr, la Roue de la Mort. Même un spectacle de jazz massif avec des showgirls squelettes (invoquées par des innocents dans un moment « d’apprenti sorcier ») ne peut rivaliser avec le frisson de regarder des acrobates se précipiter sur une gigantesque roue de hamster tournante pour deux.

Il existe de nombreuses prouesses physiques surnaturelles sur le terrain. Vous n’oublierez jamais la flexibilité et l’équilibre exquis du trio contorsionniste mongol (Sunderiya Jargalsaikhan, Ninjin Altankhuyag et Sender Enkhtur), ou du duo ukrainien de monocycles Anastasiia Shkandybina et Dmytro Dudnyk, ou le moment où la figure de Pierrot s’essaye au cirque sur la roue Cyr.

C’est un cirque magique capable de laisser pétiller de plaisir tous les yeux, sauf les plus blasés, et si vous n’avez jamais vu le Cirque du Soleil, c’est une entrée idéale.
Évalué par Cameron Woodhead

THÉÂTRE
Rétrograde ★★★★
Arts Centre Melbourne, Fairfax Studio jusqu’au 27 juin

Le titan du cinéma Sidney Poitier est transposé sur scène dans la pièce à trois de Ryan Calais Cameron Rétrogradeune confrontation claustrophobe d’idéologies et de valeurs concurrentes qui se déroule en temps réel pendant 90 minutes.

Nous sommes en 1957 et Bobby (Josh McConville), inspiré du scénariste Robert Alan Aurthur, a choisi son ami Poitier (Donné Ngabo) dans son dernier film. L’avocat de NBC, M. Parks (Alan Dale), invite Poitier dans son bureau sous prétexte de finaliser son contrat. Mais ce qui se passe est quelque chose de bien plus sinistre et tendu, basé sur une rencontre réelle que Poitier a eue.

L’ensemble de Zoe Rouse est contenu dans une pièce ornée qui se transforme en une distillation de préoccupations plus larges se déroulant dans le monde plus vaste. La pièce de Cameron matérialise superbement une époque où le maccarthysme était endémique, les espaces personnels étaient surveillés, les manifestations manifestes de racisme étaient monnaie courante et Hollywood était utilisé comme site de propagande secrète.

C’est un climat politique qui ressemble étrangement à celui d’aujourd’hui, dans lequel la rhétorique anti-guerre et anti-génocide est saluée comme « radicale » et les personnes de conscience qui refusent d’adhérer aux « valeurs américaines » sont sommairement punies.

Les va-et-vient incessants de la pièce entre la question de savoir si Poitier succombera ou non à ce qui lui est demandé confèrent à la pièce sa structure globale. La tension est maintenue partout malgré le cadre répétitif.

Mais ce à quoi on ne s’attendrait pas dans une pièce aussi lourde, c’est à quel point elle est drôle. Presque chaque déclaration qui sort de la bouche de M. Parks est un aphorisme plein d’esprit ou une insulte pointue qui, bien que fortement ancrée dans son époque, confère de la complexité à un homme franchement méprisable.

Loin d’être un méchant unidimensionnel, M. Parks, pleurnicheur et menaçant, est un digne adversaire qui reflète la nature onctueuse du show business – aussi fascinant dans la façon dont il utilise le langage comme arme que caustique et manipulateur. Bobby, le multiforme de McConville, est un allié insaisissable alors qu’il oscille entre les manifestations de solidarité et son intérêt personnel démesuré.

Sous la direction de Bert LaBonté, la théâtralité de Poitier s’exprime dans des segments éclairés par des projecteurs ponctués d’un roulement de tambour jazzy où Ngabo s’affranchit des contraintes de sa sublimation dans le bureau de M. Parks et raconte sa vie. Un panneau rouge clignotant « applaudissements » convoquant un studio de télévision intègre le public dans l’action qui se déroule.

Rouse s’inspire complètement de la mode masculine des années 1950 avec des costumes de style sac, des bretelles et des brogues bicolores à bout d’aile. Sidney et Bobby portent des nuances complémentaires de marron, jaune et bordeaux, mais M. Parks est en gris terne, s’éloignant presque dans la vue des gratte-ciel qui toilent de fond son bureau. À juste titre, il symbolise une relique d’une époque révolue qui se bat bec et ongles pour conserver sa domination dans un monde qui évolue plus vite que son cerveau au foie de lys ne peut le comprendre.

Chaque acteur est brillant dans son rôle respectif, mais le nœud émotionnel de la pièce repose sur Ngabo et il relève admirablement le défi. D’un faisceau étroitement enroulé de nerfs à peine réprimés à une source d’énergie et de ressentiment débordant face à l’injustice de tout cela, Ngabo n’a pas seulement une étrange ressemblance avec Poitier.

Malgré tout ce dont Poitier est synonyme, sa voix reste l’une de ses caractéristiques. La cadence délibérée, le rythme mélodieux et le timbre riche de son discours – largement dépouillé, en fin de compte, de son accent bahaméen d’enfance alors qu’il tentait de se faire une place dans les cercles d’acteurs blanchis à la chaux – sont magistralement reproduits par Ngabo. À tel point que lorsque nous entendons la vraie voix de Poitier à un moment clé, il est presque impossible de faire la différence. C’est un dénouement incroyablement émouvant vers un microcosme opportun de répression politique et d’intégrité personnelle.
Évalué par Sonia Nair

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