Une tempête se prépare. Nous faisons le tour du drain. Les étagères sont vides. Les fissures sont masquées. Tout est en ébullition. L’ours vient de sortir sa dernière saison et les métaphores visuelles de ces nouveaux épisodes sont douloureusement peu subtiles. Mais ils offrent des parallèles intéressants avec la série elle-même.
Ce qui était autrefois l’émission la plus animée à la télévision a été largement abandonnée par son public après deux saisons ternes qualifiées de « sans but » et « insuffisamment cuites ». Bien que la série ait toujours ses défenseurs, il s’agit d’un déclin culturel comme celui avec lequel j’ai à peine une comparaison au cours de ma dernière décennie de couverture télévisée. Au moins, malgré la mauvaise rédaction, les gens étaient impatients de conclure Game of Thrones.
Aujourd’hui, le créateur Christopher Storer et son équipe sont confrontés à la même question que Richie (Ebon Moss-Bachrach) debout à la porte du prestigieux restaurant pour lequel il a travaillé si dur pour construire : les gens viendront-ils pour une dernière portion ?
Faut-il regarder la saison cinq ? Une critique honnête
Si vous avez quitté la série parce que les deux dernières saisons étaient trop lentes ou trop contemplatives, vous serez agréablement surpris par ce dernier volet. Nous sommes replongés dans le genre d’action maniaque qui a caractérisé la première saison, la cinquième saison entière couvrant un changement chaotique.
Le compte à rebours de l’oncle Jimmy jusqu’à la ruine financière s’est arrêté, les cartes de crédit ne fonctionnent plus, les livraisons ont été refusées et le restaurant est littéralement submergé par une averse torrentielle qui noie Chicago. À travers tout cela, Syd (Ayo Edebiri) et Carmy (Jeremy Allen White) sont également en désaccord glacial, l’histoire reprenant le matin après que le chef Carmy a décidé de se retirer du restaurant pour lequel il a travaillé si dur.
L’ours est souvent comparé à Le Pitt pour son « porno de compétence » – deux émissions caractérisées par des gens qui travaillent dur et accomplissent des choses difficiles. Ce plaisir est au premier plan ici, alors que les chances sont soigneusement mises contre nos outsiders talentueux et tourmentés et que les enjeux sont augmentés avec une étoile Michelin en jeu (oui, «l’homme star» est officiellement dans la maison). Mais c’est la première fois que la série partage également la structure en temps réel du drame médical, qui procure un sentiment d’élan et de cohésion narrative indispensable.
« Nous n’avons pas d’argent », dit Richie au personnel dans un discours passionnant avant l’entrée en service. « Nous avons à peine de la putain de nourriture. Et nous sommes en sous-effectif – et nous sommes ensemble, vous savez ? Nous nous sommes rencontrés en ce moment. »
Même si ce genre de sentimentalité franche aurait pu auparavant être accueilli par des regards affectueux sur un morceau traînant de Wilco (pas d’ombre, j’aime aussi papa rock), nous avons plutôt coupé les personnages comme s’ils étaient des super-héros – le tout sur une bande sonore propulsive chargée de synthétiseur de Hans Zimmer (oui, le compositeur lauréat d’un Oscar derrière Dune, Interstellaire et Création) qui oscille efficacement entre peur et joie.
C’est également la première fois que la série fait vraiment jouer le modèle de frénésie en sa faveur. Ce sont des épisodes qu’il vaut mieux regarder en succession rapide plutôt que de les savourer lentement, et – si vous êtes toujours émotionnellement investi dans ce voyage – vous vous retrouverez à appuyer sur le bouton de l’épisode suivant pour voir ce qui se passe ensuite.
Les fans de longue date sont récompensés par de jolis clins d’œil en cours de route. Un client du restaurant invité dans la cuisine fait office de bref remplaçant pour le public, devenant à un moment donné trop enthousiaste avec le désormais emblématique slogan « oui, chef » ; les « théories » persistantes d’une romance Syd/Carmy reçoivent un cri entendu ; et l’ouverture de la saison présente notre moment le plus absurde de Paul Rudd à ce jour via une découpe en carton de l’acteur comique (les fans courent après des œufs de Pâques à propos de Rudd depuis qu’il semble avoir une voix non créditée en tant que personnage de jeu vidéo halluciné dans la première saison).
Ceux qui ont écouté Garycependant, sera surpris de voir que la fin choc de cet épisode autonome semble n’avoir littéralement aucun effet sur l’intrigue (jusqu’au moins jusqu’au dernier épisode de la série, qui n’a pas été fourni en avant-première). Si cela reste vrai jusqu’à la fin, c’est une astuce très bon marché pour attirer les téléspectateurs vers le dernier épisode.
Mais devriez-vous donner une dernière chance ? Ce n’est pas une télévision incontournable. Il n’atteint pas les sommets de la série à son apogée. Mais c’est une balade amusante avec de vieux amis. Et l’avantage de la stase interminable des personnages des deux dernières saisons est qu’il est assez facile de revenir sans perdre un instant.
Se souvenir L’ours
Les défenseurs de cette série acclamée par la critique penseront que je suis beaucoup trop méchant. Selon l’argumentation, les saisons trois et quatre sont délibérément lentes et répétitives. L’histoire est centrée sur des personnes coincées – entre le passé et le présent, entre des versions d’elles-mêmes, entre des cycles de traumatismes qui semblent destinés à se répéter. Le spectacle représente ce blocage, donnant astucieusement de l’espace à l’intériorité de chaque personnage avant de tout assembler dans un portrait de famille finement ciselé.
Je comprends ça. Mais cela ne le rend pas divertissant ni, après un certain point, intéressant. Certains critiques ont fait croire au public que « la seconde moitié de la saison quatre est comme une longue séance de thérapie » est une bonne chose. Ce n’est tout simplement pas une bonne narration si tous vos personnages – les travailleurs de l’hospo de Chicago, rien de moins – parlent maintenant avec de sérieux aphorismes, tous blottis sous la plus grande table du monde lors d’un mariage.
Mais c’est particulièrement frustrant parce que nous savons à quel point cette série peut livrer ces mêmes vérités émotionnelles. Souviens-toi Fourchettes? Cet épisode de 32 minutes de la saison deux – où Richie travaillait chez Ever et épluchait des champignons avec Olivia Colman – a apporté plus de développement de personnage et de clarté au manager de salle grossier que Syd, par exemple, n’en avait accordé dans toute la série.
Nous avons implicitement compris comment les événements de cet épisode l’ont changé, non pas parce qu’il a habilement articulé des vérités profondes sur son personnage, mais à cause de la façon joyeuse dont il a crié le message de Taylor Swift. Histoire d’amour dans sa voiture.
Je pense que quand nous y repensons L’oursnous nous en souviendrons au mieux. Il y a une raison pour laquelle nous connaissons certains épisodes par leur nom : Poissons et Serviettes me viennent également à l’esprit (ce dernier étant un rare remarquable de la saison trois). Mais je ne lui reproche pas non plus le pire.
Comme l’a dit Moss-Bachrach dans une récente interview : L’ours On ne s’attendait jamais à ce qu’il soit un succès. L’ensemble du casting et de l’équipe a été surpris lorsque le monde est tombé follement amoureux de cet « étrange beau-fils roux et bouilli d’une série… sur des gens essayant de faire des sandwichs ensemble ».
J’aime le fait qu’il y ait encore de la place dans notre paysage télévisuel pour que ce genre de surprises nous trouvent – et suffisamment de liberté créative pour qu’elles trouvent (et perdent) leur place.
L’ours est maintenant diffusé sur Disney+.
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Meg Watson est rédactrice TV adjointe pour The Age et Sydney Morning HeraldConnectez-vous via X ou e-mail.