DiDO et Aeneas et PJ Harvey: Concerts de Sydney en revue

Gillian Gilbert sur Keys est allée à la Pet Shop Boys School de Standing et n'a pas été intéressé; Stephen Morris est une force énergique sur les tambours; Et les nouveaux arrivants relatifs Phil Cunningham (guitare) et Tom Chapman (basse) semblaient chez eux.

Avant la Joy Division de la Joy-Division des fans, un trio des plus grands succès a été le point culminant. Est-ce que le nouvel ordre dans leur plus impérieux, l'aliment de synthés et de crochets est indéniable toutes ces décennies plus tard, et s'est avérée difficile à résister.

Il y avait de nombreux avantages et des points bonus pour s'en tenir aux coups et ne pas se faufiler, même si elle n'a pas été spectaculaire.

OPÉRA
Dido et Énée
Opera Australia, Opera Queensland, Circa
Opéra, 13 mars.
Examiné par Peter McCallum
★★★★

Cette combinaison d'art musical et de cirque crée une traction jumelle sur son attention, les deux volets fonctionnant parfois harmonieusement, parfois en tension et parfois dans une subversion intestinale.

Premièrement, il y a la séduction musicale et la clarté de la grande partition de Purcell, aussi fraîche aujourd'hui qu'elle le fait depuis plus de 300 ans, menée avec un discernement musical raffiné par Erin Helyard de l'Opéra de Pinchgut.

L'étoile montante Anna Dowsley joue à la fois le rôle de Dido et celui de la sorcière qui, dans une touche réfléchie, est construit comme le double négatif de la personnalité de Dido («Risen Star» pourrait être plus exact pour Dowsley, mais elle continue de croître en stature à chaque fois qu'elle apparaît).

Parallèlement à cette élégante réalisation musicale, le réalisateur Yaron Lifschitz place les compétences et la force étonnantes de l'ensemble Circa. Bien que Lifschitz ajoute de la grâce et du geste expressif à leur mouvement, l'essence de l'attrait de Circa réside toujours dans leur audace acrobatique provoquant des halètements, et l'angoisse voyeuriste de regarder les artistes marcher et grimper sur les épines des autres, et qui volent des tours d'acrobates empilés à trois sommets, chacun sur les têtes et les épaules de ceux en dessous.

Les halètements étaient assez bien assis avec quelques moments, notamment la chanson et le refrain des marins, pleins de fanfaronnage en état d'ébriété. Ils étaient en décalage, cependant, avec le numéro instrumental interpolé juste avant lui, où les exploits de cirque étaient dissonants avec l'humeur réfléchissante de Dido, et le contrepoint complexe de la musique.

Avant que le rideau Rose, une série d'aphorismes et de citations, certains de l'opéra, certains stimulants, d'autres prétentieux, furent défilés sur des écrans contre le bruit spectral et les harmonies très éloignées de Purcell. La production ajoute un prologue et des numéros musicaux supplémentaires dans un style musical compatible pour accueillir des routines de cirque / danse supplémentaires.

Le prologue s'est développé comme une œuvre abstraite de danse contemporaine avec de la musique baroque et a été légèrement surpassé, mais cela s'est rapidement évaporé lorsque le drame musical de Purcell et Nahum Tate a pris les rênes de l'acte I.

Le chant de Dowsley était chargé de couleur expressive profonde, de mélodiosité magnifiquement sculptée et de férocité clignotante en tant que Dido, et elle a trouvé un ton pénétrant plus sinistre pour la sorcière. Laissée seule, dépouillée de Garb Regal et d'équilibre statute à la fin, elle a façonné les gradations expressives d'un point culminant tragique lourd, le G culminant ouvrant un monde de couleur et de douleur.

Jane Ede a chanté sa prétente Belinda avec un ton brillant et souvent passionnant, une projection croustillante et une aura brillante. En tant qu'Éneas, Nicholas Jones avait une voix jeune fraîchement attrayante, pas encore aussi puissante que celle de Dowsley (bien qu'elle ne soit pas radicalement inappropriée que, vocalement, elle le mange vivant).

Sian Sharp a chanté la deuxième dame avec une clarté arrondi, et Angela Hogan et Keara Donohoe ont chanté les sorcières en duos avec spiritueux et équilibre finement bordé. La voix de Cathy-Di Zhang en tant que Mercury brillait et lisse, tandis que Gregory Brown a mené le chœur du marin avec un fanfaron d'agrandissement.

Bien que leur pain quotidien soit la résonance de couleur vibrato de l'opéra du XIXe siècle, le chœur Opera Australia s'est adapté aux besoins de la transparence baroque avec la finesse, éliminant la projection énergique pour créer une chaleur de sons et un équilibre bien discipliné des galeries pendant le chœur final. De même, l'Opera Australia Orchestra a mis l'accent sur la discrétion tonale délicate et la couleur naturelle. Malgré ses tensions intérieures, la plupart trouveront quelque chose (pas nécessairement la même chose) pour rendre l'expérience absorbante et agréable.

MUSIQUE
PJ Harvey
Opera House Forecourt, 13 mars
Examiné par Bernard Zuel
★★★★ ½

Les couleurs nous ont dit, avant même les notes.

Lors de ses dernières tournées, alors que les chambres grossissaient, PJ Harvey a progressivement réduit la palette. Les tenues audacieusement motivées et coupées d'autrefois se sont tournées vers la simplicité victorienne en blanc, puis le costume fonctionnel des ouvriers, les mauvaises herbes de la veuve et les lumières de plus en plus serrées, culminant en elle et son groupe dans de graves liens en noir et en cuir dans une présentation presque militariste.

Cette fois, les couleurs sur les hommes étaient plus automnales et le sol de la forêt et Harvey était dans une robe quasi blanc avec arbres esquissé dessus. Il y aurait des péchés, de la mort et du sexe d'une provenance douteuse, mais il y avait beaucoup plus d'histoire à raconter que cela, à commencer par la création folklorique des années 2023.

Joué en séquence et en entier pour commencer la nuit, un album qui avait divisé les fans encore plus que le reportage hérissé de son prédécesseur, est devenu une pièce de théâtre passionnante. C'était un mélange de mise en scène de set (PJ était assis à un bureau ou accroupi devant lui), a contribué du bruit (hâtières et hurlements d'animaux; l'irritant gratter d'une réverbération), et la voix plus ferme, plus terreux et magnifiquement mixte qu'elle propose maintenant.

Et il a été porté par un groupe – le batteur Jean-Marc Butty, les multi-instrumentistes John Parish, James Johnston et Giovanni Ferrario et Harvey occasionnellement sur Autoharp, harmonica, guitare électrique et acoustique – qui, même lorsqu'ils sont visités et agités dans les chansons et ont vécu l'invocation dans, « Love Me Tend, Tending Love ».

Si le spectacle était divisé en deux – le nouvel album en entier; Variété à l'échelle de la carrière – elle n'a pas été séparée par approche. La théâtralité, la physicalité et les mouvements exagérées, sont restés, tout comme la clarté de la palette sonore. était le tendon et l'os, une peau tendue étirée presque à la transparence; Basse électrique scellée comme un blues pressant coupé par le violon; était une expérience correctement sinueuse, de son rythme aux contre-vocaux de la paroisse.

Et puis, fermant la nuit et fermant le cercle avec les voix du village du Dorset de la première mi-temps, tenues fermes dans son fantôme, désespéré mais pas abandonné, couleurs diffusées plutôt que Stark.