Ailleurs dans le programme, qui s'étend de la danse au numérique, en passant par le théâtre, les conférences et les œuvres photographiques, le photographe Jamie James puise dans ses immenses archives personnelles relatant la culture des performances queer et kink de Sydney dans les années 1990 et 2000. En collaboration avec l'interprète et dramaturge Victoria Spence, l'œuvre explore des milliers de photos analogiques pour créer une rétrospective visuelle sans limites.
« Il s'agit d'une performance hybride du pouls photographique de mes 20 ans en environ 700 images », explique James. « Tout a commencé quand j'avais 21 ans, et j'ai commencé à créer consciemment des images dans les scènes queer, perverses et fétichistes de Sydney.
«Cela m'a conduit de plus en plus à une documentation sociale, sur les performances queer, la culture underground et l'incarnation corporelle extrême, ainsi qu'à une époque autour du VIH et du SIDA, de ma propre jeunesse et de ma passion pour la photographie.»
Réunir des éléments de film, de narration, de narration collaborative et de clips audio de personnes et d'artistes partageant des histoires de l'époque est un voyage dans l'histoire personnelle et partagée.
« Il existe d’autres photographes queer extraordinaires qui ont documenté des événements et des personnes », explique James. « William Yang et C. Moore Hardy et Mazz Image, mais les gays mainstream ou les gays du Mardi Gras ou les drag, c'était un peu plus leur domaine.
« Le mien était beaucoup plus fétichiste underground, à l'époque du Hellfire Club. Il y avait un mélange de performances autour de la façon dont vous utilisiez votre corps et de ce avec quoi nous pouvions nous en sortir.
« Rien ne me semble vraiment très extrême maintenant, même si je suis tout à fait conscient que la plupart de ce que vous y verrez ne serait pas vraiment autorisé. Les évaluations des risques ne passeraient pas. Fluides corporels, sang, suspendus aux plafonds, machines, tout ce genre de choses. «
« Je pense qu'il est temps maintenant d'honorer cette période de ma propre vie et aussi d'honorer beaucoup de personnes qui étaient là et en partie et beaucoup de gens qui ne sont pas là maintenant. »
Tommy Misa présentera son spectacle Working Class Clown au Liveworks. Crédit: Jessica Hromás
L'écrivain, interprète et artiste samoan/australien Tommy Misa se tourne également vers le passé avec son travail. S'inspirant du clown, du tissage et de l'architecture samoans, le one-man show explore le chagrin, la tradition samoane de satire politique de Fale Aitu ainsi que l'humour et la sagesse du défunt père de Tommy, Mefiposeta Misa.
« Le spectacle lui-même met en scène un clown fictif appelé Pepe Toa, qui signifie bébé guerrier, qui navigue dans une ville en ruine, Sydney ou toute sorte de ville post-industrielle mondiale, tout en traversant un chagrin personnel », explique Misa.
« Tout au long de la série, il observe et est présent dans ces moments de chute de l'empire.
« J'ai perdu mon père il y a quelques années, et j'étais très en colère et bouleversé, et j'essayais de placer cette colère quelque part. Le blâme, essentiellement. J'essayais de savoir qui blâmer. Avec cette série, je ne voulais pas regarder des personnes en particulier, je voulais regarder les structures de pouvoir et, dans un sens physique, comment l'espace peut créer ces règles sur la façon dont nous pleurons.
Le spectacle de Misa célèbre la tradition samoane de la satire politique de Fale Aitu et l'humour de son père. Crédit: Jessica Hromás
« Mon père était un clown, un vrai clown, au sens propre du terme. Donc, parmi tout cela, ce spectacle est une histoire de joie et de chagrin et de la façon dont ils se tiennent simultanément. Comment il faut l'un pour avoir l'autre. »
L'année prochaine, Liveworks passera d'annuel à biennal, le prochain festival live étant organisé en 2027. La directrice artistique Kate Britton affirme que le financement joue un rôle dans cette décision, ainsi que la volonté de soutenir les artistes dans le développement de leur travail et de les mettre en contact avec des opportunités dans des salles et festivals australiens et internationaux.
« Cela semble être un grand aveuglement dans notre secteur à l'heure actuelle, et bien souvent aussi dans la politique, que les gens veulent des œuvres incroyables, prêtes à tourner à l'international, pour les grandes scènes et les festivals, mais ils semblent oublier d'où ils viennent en réalité », dit-elle. «Même pour les artistes qui finissent par travailler dans un espace plus, dirons-nous, commercial ou axé sur une discipline, les terrains de jeux des espaces expérimentaux représentent toujours une très grande partie de leurs années de formation.
« C’est souvent grâce à eux qu’ils développent les compétences nécessaires pour finalement devenir les artistes qu’ils sont lorsque le public apprend à mieux les connaître.
« En tant qu'organisation, nous essayons vraiment de nous appuyer sur cette idée de ce qui arrive à ces œuvres après Liveworks. »