THÉÂTRE
Porte Ouest ★★★
Melbourne Theatre Company, Southbank Theatre, jusqu’au 18 avril
De nos jours, l’imposante structure monolithique qui relie l’est et l’ouest de Melbourne est synonyme d’embouteillages et de caravanes surdimensionnées, mais il y a plus de 50 ans, la porte ouest a été le site de la catastrophe industrielle la plus meurtrière d’Australie, lorsque l’effondrement soudain du pont a entraîné la mort de 35 hommes.
Les événements fatidiques qui ont abouti à cette tragédie et ses conséquences émotionnelles sont romancés dans la pièce de Dennis McIntosh, informés par une vérité glanée lors de rencontres avec les familles des défunts et des années de recherche assidue.
Au coeur de Porte Ouest est le fier migrant italien Vittorio (Steve Bastoni), un soudeur qui est une sorte de figure paternelle pour les ouvriers, en particulier pour le jeune « Scrapper » sans but (Darcy Kent) – un homme venteux qui masque sa vulnérabilité avec une bravade feinte et un vernis de racisme occasionnel. Nous rencontrons le contremaître et représentant syndical Pat (Rohan Nichol), dont l’engagement envers l’équité et les règles entre en conflit avec les propres réflexions de l’aimable BJ (Simon Maiden) sur la sécurité au travail.
Il y a une démarcation claire dans Porte Ouest entre les cols bleus, les travailleurs migrants qui construisent le pont et les cadres supérieurs de la classe moyenne, qui débattent du caractère sacré de leur vie à une distance que seuls la hiérarchie et les privilèges peuvent offrir. Ce mépris impitoyable et cet orgueil familier à quiconque se souvient du Titanic sont extériorisés par un trio d’ingénieurs : Stevenson (Paul English), McAlister (Peter Houghton) et Cooper (Ben Walter).
Il devient rapidement évident que quelque chose ne va pas dans le projet West Gate. Les principaux ingénieurs qui ont conçu le pont se sont enfuis ; un pont à poutres-caissons de conception similaire au Pays de Galles s’est effondré quelques semaines auparavant ; les spécifications clés manquent et les instructions de la société anglaise principale ne sont pas disponibles. Pendant ce temps, le temps presse et les délais doivent être respectés.
Le diable est dans les détails (parfois excessifs), mais McIntosh est moins préoccupé par les détails de qui a fait quoi, et plus obsédé par l’abrogation de la responsabilité qui a abouti à une tragédie qui aurait pu être évitée de toutes les manières.
Lorsque l’inévitable se produit, c’est un spectacle cataclysmique d’une ampleur horrible englouti par le vacarme déconcerté d’hommes effrayés – il vaut mieux le laisser intact pour ceux d’entre nous qui n’ont pas encore vu cette pièce. C’est une mise en scène à son meilleur, une reconstitution époustouflante du moment qui a laissé de nombreux hommes ensevelis sous les décombres, jetés à terre, brûlés par l’explosion du carburant diesel.
La pièce est divisée en deux par l’effondrement du pont, soulignée par le changement de scénographie de Christina Smith, passant des écrous et boulons au personnel. Lorsque la scène est à nouveau éclairée, nous sommes transportés dans le royaume domestique où Francesca (Daniela Farinacci), l’épouse de Vittorio, pleure, confinée dans une cuisine écrasée sous des poutres évasées et du béton. Farinacci est une intervention indispensable contre le casting entièrement masculin du premier acte, mais ses prouesses d’actrice dépassent les limites de son personnage écrit.
Si le premier acte comporte des dialogues éculés par parties, la seconde moitié souffre d’un certain sentiment d’inertie alors que les personnages tentent de se frayer un chemin parmi leur chagrin et leur perte. Il y a des moments touchants de camaraderie et de camaraderie qui se terminent par une fin émouvante, mais les retombées émotionnelles sont supportées presque seule par Francesca, et les caractérisations minces de Pat et BJ deviennent plus évidentes lorsqu’ils se transforment en chiffres pour des sentiments et des mouvements plus grands que ce que leurs récits personnels peuvent transmettre.
La réponse de la direction au désastre et à la Commission royale qui a suivi est prévisible et criminellement négligente, mais même cette révélation semble éloignée ; le personnage de Stevenson ressemble plus à un méchant de dessin animé qu’à un homme dont les actions ont eu des conséquences de grande envergure pour les générations à venir.
Où Porte Ouest excelle dans sa mise en scène exquise et sa plate-forme de voix traditionnellement considérées comme antithétiques à l’artifice haut de gamme du théâtre. Sous la direction experte de Iain Sinclair, la conception sonore inquiétante de Kelly Ryall, associée au décor minimaliste de Smith et à la conception lumineuse extrêmement efficace de Niklas Pajanti, constitue le prisme à travers lequel nous vivons cette histoire de la classe ouvrière et ce moment décisif de l’histoire de Melbourne.
Évalué par Sonia Nair
MUSIQUE
Anna Lapwood ★★★★
Hôtel de ville de Melbourne, 13 mars
Source de divertissement et d’éducation, les orgues des mairies jouissaient au XIXe et au début du XXe siècle d’une énorme popularité. La vivacité irrépressible d’Anna Lapwood a conquis une nouvelle génération aux possibilités sonores de ces instruments extraordinaires, exploitant vigoureusement le pouvoir des médias sociaux pour y parvenir. Soyez témoin de sa base de fans extraordinairement diversifiée qui a vendu deux concerts à l’hôtel de ville de Melbourne.
Lapwood n’a pas peur d’apporter un enthousiasme enfantin à sa tâche, ainsi que la passion d’un conférencier motivateur et l’audace d’un artiste chevronné. Grande cinéphile, elle mélange habilement les mondes de l’organiste classique et de l’organiste de théâtre en un amalgame personnel très populaire, doté d’une dextérité enviable des mains et des pieds.
Tirant une palette de couleurs imaginative du grand orgue de l’Hôtel de Ville, elle n’a pas déçu ses fans, les excitant avec l’intrigue dramatique de Le Da Vinci Codele camp du courage de Pirates des Caraïbes et la course poignante pour découvrir de nouveaux mondes Interstellaire. De toutes ces partitions de Hans Zimmer, Interstellaire est responsable de faire de l’organe un phénomène viral.
Le minimaliste de Ludovico Einaudi Expérience était contrasté par celui de Rachel Portman Vol. Une technique admirable et claire était également exposée dans le film de John Williams. Duel des Destins depuis Guerres des étoiles; voyages spatiaux approfondis dans Limina Luminis par Olivia Belli.
Lapwood est substantiel Le Seigneur des Anneaux la symphonie pour orgue a démontré sa capacité à raconter des histoires organiques. Peut-être qu’accompagner l’intégralité du film pourrait être la prochaine étape ?
Compte tenu de l’accueil chaleureux réservé à la Toccata par l’organiste français du XIXe siècle Eugène Gigout, il était dommage que Lapwood ait perdu l’opportunité éducative d’élargir les horizons de ses fans en n’ajoutant pas d’autres classiques reconnaissables.
Malgré cela, dans une ville où il y a une pénurie d’organistes depuis des décennies, nous espérons que Lapwood inspirera de jeunes passionnés à se lancer dans le roi des instruments.
Évalué par Tony Way
MUSIQUE
Le violon du diable ★★★★
Orchestre de chambre australien, Melbourne Recital Centre, 14 mars
Cela était immédiatement apparent : le son unique du violon Guarneri del Gesù de 1743 joué par le virtuose d’origine russe Ilya Gringolts. Chaleureuse, intensément lyrique mais aussi d’une qualité intrigante et douce, voici une voix musicale qui ne pouvait être ignorée.
Connu de l’Australian Chamber Orchestra et de son public, Gringolts a débuté avec le Imitation de cloches de Johann Paul von Westhoff, qui réapparaît en ouverture du Concerto pour violon en ré mineur RV237 de Vivaldi. Le matériel source brillant a conduit à un récit fervent et engagé du concerto dans lequel la voix solo agile contrepointait subtilement le son poli de l’impressionnante gamme d’instruments historiques de l’ACO.
En contraste saisissant avec la splendeur du baroque vénitien, un arrangement du Quatuor à cordes n°2 de la compositrice soviétique Sofia Gubaidulina a révélé un monde sonore totalement différent.
Témoignant de la polyvalence des meilleurs instruments sur scène, un modernisme aussi sévère s’est transformé en douceur en l’une des œuvres pour violon les plus célèbres du XVIIIe siècle, le Trille du Diable par Tartini. La sonate originale a été conçue après que le compositeur ait rêvé qu’il avait vendu son âme au diable, qui jouait alors une œuvre fantastique sur son violon. Il n’est pas surprenant que Gringolts et l’ACO aient apprécié ce défi diabolique.
L’éthéré de Mieczyslaw Weinberg Aria a donné aux auditeurs un petit avant-goût des gloires du dernier instrument acquis par l’ACO, un alto Maggini 1610, joué par la principale Stefanie Farrands.
Satu Vänskä, violon solo, avec son Stradivarius 1728/29, s’est ensuite battue en duel avec Gringolts dans le Concerto pour deux violons en do majeur de Vivaldi, RV507, pour le plus grand plaisir de toutes les personnes présentes. C’était un plaisir rare de savourer les différences entre deux superbes instruments.
Nouvellement commandé, celui de Paul Stanhope Céder du terrain était une réflexion réfléchie et bien conçue sur la basse ground qui sous-tend le célèbre thème de La Follia ; La version fleurie de Geminiani offrant une finale exubérante.
Évalué par Tony Way
Sonia Nair contribue à The Age et Good Food.