Cigarettes après des relations sexuelles à Rod Laver Arena; PJ Harvey à Plénie; Womadelaide 2025; Trois soeurs aux travaux de théâtre

Le groupe défie le cadre du stade, offrant la même intensité, la même intimité, comme s'ils jouaient un club brumeux au milieu de nulle part. Pendant Opérala dernière chanson de la soirée, les lumières téléphoniques se présentent une par une, remplissant la pièce de mille lucioles. La fumée roule sur la scène. Nous sommes détenus, envahissants, jusqu'à ce que la note finale disparaisse.
Examiné par Nadia Bailey

MUSIQUE
PJ Harvey ★★★★
Melbourne Plenary, 11 mars

Un concert de PJ Harvey sur cette tournée est, pour emprunter un peu de langage sportif, un jeu de deux moitiés.

La première moitié est entièrement dédiée à son dernier album, Je suis à l'intérieur de la vieille année en train de mourirqu'elle et ses quatre camarades de groupe jouent en entier et en séquence. La seconde moitié offre un bon échantillon du vaste catalogue arrière de Polly Jean, avec suffisamment de rock pour compenser les penchants folkys du premier, et laisser la foule heureuse et en vouloir plus.

Le théâtre pourrait cependant être le point de comparaison le plus approprié. C'est plus que le concert, quelque chose à regarder plutôt que de faire partie. Harvey entre dans la scène avec quelque chose entre une cape et un évêque Chasuble; En forme, il pourrait être Navajo, il pourrait être druide, ce pourrait être Portobello Road. Il est embelli d'un motif qui semble tirer de la nature – des arbres d'hiver sans feuilles, peut-être, ou sont-ils les formes tordues d'hommes anciens qui atteignent le ciel?

La toile de fond projetée renforce le thème et la confusion. Il est à la fois abstrait et en béton, un réseau de lignes déchiquetées – des fissures dans le sol, des racines d'arbres enchevêtrées, une forêt la nuit, des foudre clignotant dans le ciel nocturne, de la peinture et de l'écaillage et du soulèvement d'un mur rendu dans un bâtiment abandonné. Cela pourrait être n'importe lequel, ou tout.

C'est tout un seul avec l'ambiance de Harvey de Pagan Earth Walker et Spirit Chaler. She skits across the stage, dancing in a manner that can't help but bring Kate Bush to mind, seeming to summon the spirits of the land, the sky, the forest, the hills of her native West Country as she and her superb four-piece band – long-time collaborator John Parish on guitar, Jean-Marc Butty on drums and Giovanni Ferrario and James Johnston on a host of instruments – glide through this suite of songs.

I à l'intérieur est vaguement folk Orlam Collection de poèmes), païen et sexy. C'est, a-t-elle dit, à propos d'une jeune fille à l'aube de l'âge adulte; Il palpite de désir, de perte et du désir de vivre l'amour. C'est un beau disque, et encore plus riche dans un cadre en direct. Mais ce n'est pas exactement un matériau à pied.

Le changement se produit alors que Harvey quitte brièvement la scène et que les hommes jouent (et chantent) La couleur de la terreune chanson folky sur les expériences horribles d'un soldat à Gallipoli.

Quand elle revient, ils jouent La terre glorieuseun autre morceau de l'album 2011 Laisser Angleterre trembler qui chevauche le folk et le rock, avec son envoi de catastrophe Enviro-Catastrophe «Quel est le fruit glorieux de notre terre? Son fruit est des enfants déformés ». Quelques chansons plus tard, elle attire la plus grande joie jusqu'à ce que le groupe se lance dans les sales blues de 50 pieds Queenie.

Taille de l'homme, Au bord de l'eau, Pour t'apporter mon amour Suivez et dessinez tous des réponses ravies. PJ est peut-être venu ici pour jouer le nouvel album – et à juste titre; C'est formidable – mais la plupart des 5300 personnes dans la salle sont venues en espérant entendre son rock.

Harvey est un artiste puissant, mais pas terriblement communicatif. Elle fascine avec ses rôdis et ses pansements sur scène, mais elle ne parle même pas à la foule avant la chanson finale.

Dans un lieu de cette taille, sans écrans vidéo pour la rapprocher, cela la maintient à un enlever. Ces chansons sont intimes, mais le lieu – bien qu'acoustiquement formidable – ne l'est pas.
Examiné par Karl Quinn

MUSIQUE
Femme
Parc botanique, Adélaïde, du 7 au 10 mars

Je pense que j'ai peut-être été une batte dans une vie antérieure.

L'observation des chauves-souris des fruits dans le parc botanique d'Adélaïde – 40 000 partagent leur maison avec Womadelaide chaque année – j'ai ressenti un sentiment distinct de parenté pendant le long week-end du festival. Avec des températures dans les high 30s par jour, les chauves-souris stressées par la chaleur battaient leurs ailes follement et ont fait de leur mieux pour rester au frais. Les participants du festival ont fait de même, se déplaçant et cherchant des endroits ombragés.

Au cours de deux des quatre jours du festival, des températures élevées ont nécessité la fermeture d'une scène musicale en heures claires, avec plusieurs spectacles relocalisés ou reprogrammés. Les sprinklers au-dessus ont donné aux clients du festival (et aux chauves-souris de fruits) une brume bienvenue, mais je me sentais pour les artistes qui se sont produites sous le soleil de mi-retour en milieu d'après-midi. L'auteur-compositeur-interprète américain John Grant s'est émerveillé de la chaleur que les clés noires de son piano étaient devenues, bien qu'il les ait frappés avec conviction de correspondre au poids dramatique de sa voix.

Certains actes ont accueilli la chaleur extrême: le duo de l'Estonie, Ruut, avait échappé à des températures inférieures à zéro à la maison, et a animé un public soporifique l'après-midi avec leur utilisation merveilleusement imaginative d'un nœud de zones estonien (joué de manière nettement non traditionnelle, en utilisant un arc de violon, des tambour et des mains nues pour créer une richesse et des effets riches).

Le Bala Desejo du Brésil a adouci comme par magie l'éblouissement du soleil dans une brise tropicale séduisante, amadalisant le public hors de l'ombre avec leurs rythmes afro-latin flottants. Et le groupe vocal sud-africain, la joie a fourni exactement cela – la joie – alors que leurs harmonies luxuriantes en cinq parties dérivaient jusqu'aux pins imposants au-dessus.

Alors que le soleil se couchait le soir, Twilight a apporté un soulagement instantané et un renouveau. Les chauves-souris ont émergé de leur torpeur pour prendre un vol nocturne et sur tout le site du festival, l'énergie a augmenté.

PJ Harvey a parcouru la scène comme un sprite éthéré, ses robes fluides amplifiant l'effet théâtral et presque rituel de sa musique alors qu'elle flottait entre les ballades obsédantes et le rocher à la distorsion.

Ana Carla Maza a transformé son ensemble d'une femme en une fête cubaine avec juste sa voix et un violoncelle, transformant son public avide en une masse de corps ondulés. Le trio écossais Talisk a également fait en sorte que la foule a lancé la poussière et sautant de plaisir avec des airs celtiques contagieux.

Après leur invitation à se produire à Womadelaide 2024, a été annulée de manière controversée, le groupe palestinien 47Soul s'est vu offrir un créneau de choix sur la plus grande scène, où la foule accueillante et soutenue vocalement a embrassé leurs rythmes de shamstep grisants et les paroles arabes et anglaises infusées par le hip-hop – certains poétiques, certains en point de vue.

Ane Ta Abia (Une collaboration entre l'Orchestre d'art australien et le Tatana Village Choir) a été aussi stimulant que cela affectait, mélangeant des chansons traditionnelles de Motuan Prophète avec du jazz aventureux et contemporain pour refléter les complexités de la vie en Papouasie post-indépendance Nouvelle-Guinée.

Quelle que soit votre humeur, il y avait de la musique pour le refléter. La voix saisissante de Mariza était là pour hypnotiser et séduire, tout comme les flûtes indigènes mystiques et indulgentes de Shabaka.

Bangarra Dance Theatre's La lumière à l'intérieur Hommet avec une intensité tranquille, bien que j'étais plus ému par le théâtre de danse agité, dont le spectacle court mais profond Voir à travers l'obscurité exploré doucement les perceptions du handicap par le mouvement, le geste et le jeu de l'ombre.

Si c'était l'euphorie que vous recherchiez, il y avait Goran Bregovic avec sa bande de mariage et de funérailles irrésistiblement folle – ou Nils Frahm, se précipitant comme un scientifique possédé parmi les banques de claviers pour concocter un cosmos pullante et multicouche de dimensions célestes.

Alors que je me dirigeais vers la sortie lundi soir, fatigué mais rassasié, un ballon d'hélium géant et illuminé s'est levé lentement dans les airs.

Un seul acrobate chatoyant a été suspendu juste en dessous du ballon, sautant et glissant au-dessus d'une mer de visages inclinés vers le haut de joie.

C'était une image qui a parfaitement encapsulé le sentiment d'émerveillement, de communauté et de convivialité que Womadelaide capture si bien – une oasis de calme et de contentement dans un monde compliqué.

Goran Bregovic se produit jeudi à Hamer Hall. Nils Frahm se produit vendredi et samedi, également à Hamer Hall.

Remarque: aucune note d'étoile n'a été appliquée à l'examen ci-dessus

Examiné par Jessica Nicholas

THÉÂTRE
Trois soeurs ★
Œuvres de théâtre, jusqu'au 22 mars

est sans doute le plus difficile des principales pièces d'Anton Tchekhov pour mettre en scène aujourd'hui.

Il est tissé sur le même métier à tisser que les autres, mais ses fils délicats de fragilité humaine possèdent des problèmes plus évidents et, en l'absence de performances d'ensemble subtiles et engagées, de grossièreté et de risque de mélodrame écrasant la tragicomeme.

Malheureusement, ils dominent et déraignent cette production indépendante.

Tchekhov savait certainement une chose ou deux sur la futilité de l'existence et la perversité de la nature humaine. Cependant, en regardant son travail effectué, il n'est pas censé vous remplir de misanthropie ou vous faire sentir exilé du royaume de l'art, tout comme les sœurs titulaires sont pour toujours vouées à une vie déprimante dans les bâtons, jamais à Moscou.

Il faut dire que le réalisateur Greg Carroll joue à partir de la périphérie de l'interprétation chékhovienne contemporaine, qui tend vers un minimalisme presque absurde et des hyper-focaux sur les minuties de l'action. Cette tactique a été extrêmement réussie – Simon Stone pour le MTC en 2013 (sur une étendue stérile et douloureusement blanche centidé par Astroturf), ou la production acclamée en 2022 de Jamie Lloyd de Jamie, avec des chaises en plastique et un dos de cartouche pour comparer avec Emilia Clarke et Indira Varma.

Le drame des costumes n'est pas nécessairement un rupture, mais sans agir de qualité, il est inutile de donner au spectacle tous les signes extérieurs d'une pièce de musée, en le faisant dans un costume édouardien sous des candélabres ternies. En effet, le choix de conception crée une malheureuse ressemblance avec la pantomime, ou aux enfants jouant à des déguisements.

La représentation des sœurs exposent un potentiel gaspillé – Olga pensive et assiégée de Mia Landgren retrace la performance complexe, Masha de Joanna Halliday et les ombres d'Irina Chase de Stella Carroll de possibilité étouffée. Et Natasha de Belle Hansen est un méchant plus narcissique et dérangé que la télé-réalité ne pourrait le livrer, mais a perdamment surévalué, tandis que le Chebutykin ivre de Chris Connelly n'est pas loin derrière.

Le reste de la grande distribution a leurs moments – la Vershinine romantique et la Solyony sociopathe de la Solyony sociopathique de la rivière de Gabriel, Solyony – mais Chekhov s'appuie complètement sur le drame d'ensemble désintéressé, et il y a toutes sortes de notes, y compris les notes thématiques, cette production n'est pas trop non raffinée à frapper.

Vous savez que la pièce a raté quand vous partez en vous demandant, comme les sœurs elles-mêmes, pourquoi vous êtes toujours en vie. Si seulement nous le savions.
Examiné par Cameron Woodhead