Parmi les œuvres de Paul Gauguin, Pablo Picasso et Henri Matisse, prêtées à Sydney par le Musée de l’Ermitage de Saint-Pétersbourg en 2019, Kandinsky a connu un succès retentissant auprès des visiteurs des galeries.
« Ils nous ont dit que c’était un artiste qu’ils voulaient revoir », a déclaré Dunn.
Pourquoi, après 100 ans, son œuvre continue-t-elle de trouver un écho auprès du public moderne ? «Je pense que c’est parce que les toiles elles-mêmes semblent si vibrantes et fraîches», explique Megan Fontanella, l’experte mondiale de Kandinsky au Guggenheim. « Il y a une réelle énergie, une joie qu’ils dégagent, mais aussi un courant sous-jacent : sa croyance dans le pouvoir transformateur de l’art. »
La couleur, écrivait Kandinsky dans l’un de ses manifestes clés, était le clavier, les yeux les marteaux, et l’âme était le piano aux nombreuses cordes.
Kandinsky voyait rouge lorsqu’il entendait un violon, jaune pour le son d’une trompette et bleu pour un violoncelle. En blanc et noir, il a entendu le silence, ou du moins une absence de son, note Dunn.
« Il a vu une résonance spirituelle dans un bleu profond. Clairement, il maîtrisait sa synesthésie, elle ne dominait pas sa vie, mais il a ces moments où il raconte cette réponse viscérale qu’il a à la musique et cela devient une idée génératrice, un fil conducteur, qui influence sa pratique – que pourrais-je entendez si je me tenais devant ce jaune plutôt que quelque chose qui l’a affecté physiquement.
Dunn a déclaré que Kandinsky avait développé sa théorie de la couleur avant l’invention de la roue chromatique. Le vert était la couleur de la nature et une marque du quotidien. Il l’utilisait rarement. Les couleurs ont changé de signification et de nuance tout au long de sa carrière, explique Fontanella, fan d’une tranche particulière de rouge tomate utilisée par Kandinsky.
Vasily Kandinsky avec son œuvre Courbe dominante à Paris, 1936.Crédit: Boris Lipnitzki/Roger-Viollet
Né à Moscou en 1866, Kandinsky était un avocat prospère avant de se lancer dans la peinture à l’âge relativement tardif de 30 ans.
Cette année-là, il se retrouve nez à nez avec le peintre de Claude Monet. Meule de foin. « C’était une sorte de moment aha pour lui », dit Fontanella. Peu de temps après avoir vu l’opéra de Wagner Lohengrinjouant à l’époque au Théâtre Bolchoï, abandonna brusquement son travail juridique et partit à Munich pour étudier la peinture, où il trouva sa place en tant qu’artiste.
Puis, en 1911, Kandinsky assista à un concert du compositeur autrichien Arnold Schoenberg et de cette soirée sortit Impression III (Concert)considéré comme l’un des exemples les plus anciens et les plus frappants de ses efforts pour fusionner la couleur et le son sur une seule toile.
Au cours de sa vie, Kandinsky a travaillé sur deux séries artistiques principales, qu’il a nommées compositions et improvisations, suggérant leur généalogie musicale. Avec ses aplats de couleurs géométriques et aplatis, Composition VIII (1923) est un moment fort de l’exposition Kandinsky et une pièce complémentaire à son œuvre la plus célèbre Composition VII.
Une décennie plus tard, l’école du Bauhaus où enseignait l’artiste ferma volontairement sous la pression des nazis. Lorsque Adolf Hitler a pris le pouvoir, les peintures de Kandinsky ont été qualifiées d’art dégénéré.
Après sa mort dans le Paris occupé, Kandinsky est devenu le père de l’art abstrait.
La redécouverte des œuvres de l’artiste suédoise Hilma af Klint, avec qui il partageait un intérêt pour la théosophie et le spiritualisme, l’a conduit à réévaluer sa place d’innovateur influent plutôt que de fondateur.
« L’une des raisons pour lesquelles il est connu comme un leader et un innovateur dans le domaine de l’abstraction est qu’il a fait un effort conscient et concerté pour théoriser et analyser ce que signifie l’abstraction », explique Fontanella.
Kandinsky aurait inspiré le mouvement expressionniste abstrait, qui a pris son essor dans le New York d’après-guerre. Pendant un certain temps, Jackson Pollock a travaillé comme agent d’entretien au Guggenheim où étaient accrochés de nombreux Kandinsky. « C’est à ce bref instant, en 1941 ou 1942, que Pollock a peint son œuvre monumentale pour Peggy Guggenheim », explique Fontanella. « Vous pouvez faire votre propre corrélation. »
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