La complexité fascinante émerge grâce à la dynamique du pouvoir à pointe nue. Kenny est sans ambiguïté hideux – une brute qui se vautre dans sa propre victihalité perçue, mais pas sans humour de potence – et pourtant il est aussi une victime.
La Fiona de Mignon exerce tranquillement mais fermement la seule arme qu'elle a – consciente qu'elle ne peut pas le contrôler et que ses soi-disant défenseurs sont aussi toxiques que son agresseur. Quand elle dit que ce qu'elle attend le plus avec impatience, c'est «un repos», sa fatigue persiste.
La misogynie flagrante imprègne ce monde. Les personnages féminins y sont «habitués», et l'attitude à deux faces envers les femmes est illustrée par Simmonds, qui s'adresse à Salt Kate alors qu'il se prépare à battre Kenny et à se sentir chevaleresque.
Peut-être qu'il y a de la place pour Ross de McKenna – le seul personnage masculin qui commence relativement sans soucis – d'être plus ensoleillé et plus idéaliste au début, bien que l'intensité de sa corruption soit clouée à la maison. La tristement célèbre scène finale est un spectacle épouvantable à assister à Live.
Le jeu aurait-il pu terminer autrement? Pas vraiment. La psychologie de la violence et la mauvaise foi exposées, et la nature même du pouvoir non gagné maltraité, déclenche une spirale de paranoïa qui continue d'affliger la façon dont les garçons et les hommes sont socialisés. Le fait que Williamson ait vu la brûlure si clairement et ait osé écrire à ce sujet d'une manière qui implique directement le public australien, rend sa satire aussi troublante et importante maintenant qu'en 1971.
Examiné par Cameron Woodhead
THÉÂTRE
Garçons sur le bord des larmes ★★★★
Par Sam Grabiner, quarantonfivewowstairs, jusqu'au 30 mars
Se mettre entièrement dans une toilette masculine, Garçons au bord des larmes serait un excellent spectacle à voir à côté Les déménageurs au MTC. Le récent Hit West End traite des mêmes questions sur la masculinité que ce classique australien, bien que ce soit des hommes britanniques en procès ici, et le brillant comique est plus manifeste et absurde, la dramaturgie et les pierres de touche culturelles plus contemporaines.
Les garçons au bord des larmes sont entièrement placés dans une salle de bain masculine.Crédit: Ben Andrews
Les dunnies publiques sont du terrain zéro pour faire face à la merde de genre. Nous sommes séparés par des relations sexuelles attribuées à partir du moment où nous sommes entraînés aux toilettes, et la scène d'ouverture joue avec juste ce scénario – un père harcelé en instruisant son jeune fils, caché dans une cabine, à pisser comme un adulte.
La pièce est vaguement structurée autour de la psychologie du développement.Crédit: Ben Andrews
Lorsque le numéro un se transforme en numéro deux, papa ne parvient pas à gérer la situation et c'est à maman de sauver la journée.
C'est un moment symbolique dans une pièce qui est vaguement structurée autour de la psychologie du développement. Cette production diffuse des scènes les unes dans les autres avec une urgence propulsive, un choix de réalisateur de Keegan Bragg qui prête la force de flux libre à la tragicody de la socialisation masculine.
Deux garçons prépubères en résumé d'une fête d'anniversaire pour enfants et se relayent à tour de rôle des couteaux à leurs Willies. Les écoliers privés rivalisent et se conforment – incitant mutuellement à des plaisanteries misogynes, sentant leurs doigts et racontant des blagues de viol – avant que l'un d'eux ne révèle comment il a perdu sa virginité, ignorant que son histoire «romantique» pourrait bien être une confession d'agression sexuelle.
La séquence la plus longue est en quelque sorte une pièce de passion du 21e siècle, bien qu'elle tire son pouvoir hallucinatoire de l'ombre des dramaturges en face tels que Philip Ridley et Sarah Kane.
Lorsqu'il est mis dans une rave, il tourbillonne autour d'un jeune homme (Akeel Purmanund) qui est battu et se réfugiant dans les toilettes. Des étrangers entrent et sortent avec une vitesse déconcertante, y compris une infirmière masculine qui pourrait essayer de le sentir ou pourrait vraiment essayer d'aider; Deux drag queens, un ouvertement dédaigneux, celui qui écoute son histoire; Divers RAVERS BRIMBLY COSTUMÉS qui ignorent ou ont peur et repoussés par lui.
Il se termine par l'apparat ambigu et diaboliquement masqué, avant de s'effondrer dans une scène presque silencieuse dans laquelle une paire de nettoyeurs laconiques ne se connecte pas pendant qu'ils épongeaient les sols.
Pendant la coda, un mourant dans une tenue du Père Noël change son sac de colostomie, se débrouillant et dispensant des conseils de vie alors que son beau-fils grinçait; L'ambiance sentimentale se transforme en élan de Spotlit lorsque ces personnages disparaissent et qu'un jeune garçon émerge pour se laver les mains seuls, dans un rappel obsédant que personne n'est né un homme.
L'ensemble adulte à cinq personnes – Purmanund, Ben Walter, Karl Richmond, Justin Hosking et Damon Baudin – donnent des performances terriblement polyvalentes et engageantes.
Chaque type de névrose masculine est esquissé avec précision, et la conception est également réalisée, du score atmosphérique à la crasse et l'ordure exquises des toilettes répliques.
Produit par la pile peut-être, ce qui nous a également donné Trophy Boysc'est une première exceptionnelle d'une nouvelle pièce convaincante, parmi le meilleur théâtre indépendant de Melbourne.
Examiné par Cameron Woodhead
MUSIQUE
Splendeur polychorale ★★★★
Polyphonic Voices, St Patrick's Cathedral, 14 mars
La cathédrale de St Patrick était le cadre idéal pour cet impressionnant programme de musique sacrée, où l'architecture et l'art musical étaient destinés à faire de l'harmonie ravie. Accompagnés principalement d'instruments d'époque, les 16 jeunes chanteurs de voix polyphoniques ont présenté des œuvres en huit ou 12 parties dans le style polychoral qui a prospéré à la fin de la Renaissance et aux premières époques baroques.
Les voix polyphoniques effectuent une splendeur polychorale à la cathédrale St Patrick le 14 mars.Crédit: Tim Wiebusch
La structuration de la musique dans des groupes ou des «chœurs» discrets a trouvé sa genèse dans l'architecture de St Mark's, Venise où ses nombreuses galeries latérales permettaient une forme précoce de «son surround». Exportée à travers l'Europe et le Nouveau Monde, ce style a trouvé la faveur des compositeurs de prêtres espagnols Tomás Luis de Victoria, Francisco Guerrero et Antonio Juanas, ce dernier qui a beaucoup travaillé au Mexique.
Depuis les profondeurs éloignées du sanctuaire de la cathédrale, le programme a commencé avec deux paramètres de huit voix non accompagnés de Ave Maria. Radiant la dévotion calme et intense que les chanteurs ont apporté une clarté éthérée aux conceptions magistrales mais contrastées de Victoria et Guerrero.
D'autres variétés s'ensuivirent lorsque les chanteurs ont rejoint les instrumentistes à l'avant de la nef pour un support d'œuvres de Victoria. Un compte rendu de huit voix Salve Reginadans lequel une petite chorale solo alternée avec un ensemble plus grand, était une excellente feuille de la gaieté rythmique de Lauda sion. Un psaume à 12 voix, Somme laetatus Arrangé en trois chœurs accompagnés d'un vent et des cordes ont apporté une grandeur supplémentaire.
Écrivant plus d'un siècle après ses compatriotes, des extraits de Juanas ' Huit réponses pour les Matines de la Sainte Trinité a révélé une richesse d'invention musicale.
Deux puissantes œuvres à 12 voix ont couronné cette impressionnante offre. Guerrero Duo séraphim Et Victoria Magnificat sur le sixième ton Tous deux ont apporté des aperçus de gloire céleste aidés par la peinture de mots colorée.
Sous la direction enthousiaste de Michael Fulcher, cette musique brillante et rarement interprétée a été vivante à la vie. Plus, s'il vous plaît!
Examiné par Tony Way