La danse et la musique (les rythmes entraînants de Byron Scullin) crescendo, et le public suit les interprètes de scène en scène avec une joie visible. La nuit tombe et des projections dansantes (créées par Katie Sfetkidis) illuminent l’Opéra. Enfants, personnes âgées et tout le monde bougent au rythme, guidés par les danseurs.
Un danseur prend le micro et raconte l’histoire de la création de la rivière Murrumbidgee. « Je veux te raconter une histoire! » » commence-t-il, et la foule rugit d’approbation comme à un concert de rock.
À la fin, tout le monde danse toute la nuit dans une célébration du rythme et de la communauté partagés. Entouré par la beauté du port, de l’Opéra et du pont, le tout sous un ciel nocturne d’été parfait : il est difficile d’imaginer quelque chose de mieux.
DANSE
Garrigarrang Badu
Opéra de Sydney, théâtre dramatique
9 au 10 janvier
Commenté par CHANTAL NGUYEN
★★★
Avertissement : Cet avis contient le nom d’une personne autochtone décédée.
Le Jannawi Dance Clan, entièrement féminin, monte sur scène pour le festival de Sydney de cette année avec. Le titre signifie « eau salée/eau douce » et est la première pièce de Jannawi à être interprétée entièrement dans la langue Dharug.
Chorégraphié par la directrice artistique de Jannawi et ancienne danseuse Bangarra Peta Strachan, une femme Dharug du clan Boorooberongal, est une célébration amoureuse de la nation Dharug et du pays Dharug – une vaste région s’étendant du port de Sydney aux Blue Mountains et allant de Broken Bay jusqu’aux Southern Highlands.
Garrigarang Badu est une célébration amoureuse de la nation Dharug et du pays Dharug. Crédit: Stephen Wilson Barker
Il est structuré en vignettes composées de 14 chansons en langue Dharug, avec les danseurs se déplaçant à travers la brousse et l’eau, portant parfois des torches, des filets, des nawi (canoës), des coolamons (récipients de stockage), des sacs d’aneth et des bâtons à creuser.
En termes d’éléments de production, il n’y a aucun défaut. Le décor et les accessoires (Govinda Webster et Pink Cactus Props) sont magnifiques. Cinq carrés de tissu ressemblant à de la soie ornent la scène, flottant au gré de la brise, contenant les projections atmosphériques d’arbres, d’étoiles et de fumée de Samuel James. L’éclairage de Paul Osborne et Catapult Creative est tout aussi évocateur, capturant les taches de soleil à travers les feuilles sur un ciel nocturne pivotant, et la magie du clair de lune scintillant sur l’eau. La musique, composée par DYAGULA avec le langage et le chant de Matthew Doyle et du regretté linguiste du Dharug Richard Green, est à la fois un profond acte de partage culturel et séduira également largement un public non autochtone.
Les danseurs Jannawi ont voyagé à travers le pays pour se produire. Crédit: Stephen Wilson Barker
Étonnamment, la danse n’est pas aussi forte que ces autres éléments, avec une structure narrative qui semble plus plate – moins variée en pics et en creux émotionnels – qu’elle ne devrait peut-être l’être. Cela ralentit la durée d’exécution de 100 minutes. La pièce atteint un joli point culminant avec la scène du canoë, mais cela semble trop peu, trop tard.
Les danseurs Jannawi ont voyagé à travers le pays pour se produire et démontrent une unité impressionnante dans ces circonstances. Le public ne doit pas s’attendre à un niveau stratosphérique de complexité chorégraphique ou de technique de danse (les segments ayant une influence de danse moderne peuvent être assez exposés et se situer entre la fin du lycée et le début du niveau pré-professionnel). Mais pour ceux qui sont peu exposés à la danse des Premières Nations, cela peut constituer un point d’entrée précieux.
DANSE
Express post-orientaliste
Théâtre Roslyn Packer
8 au 10 janvier
Commenté par CHANTAL NGUYEN
★★★★★
La Corée est une puissance connue de la danse – et la chorégraphe coréenne Eun-Me Ahn est une force de la nature connue. Coqueluche de la scène des festivals internationaux, ses projets vont de la cérémonie d’ouverture de la Coupe du Monde de la FIFA 2002 à un duo avec un poulet vivant. Sa satire visuellement époustouflante se précipite comme un arc-en-ciel dans un tourbillon chevauchant un dragon et ouvre le festival de Sydney de cette année.
Bénéficiant de plus de 90 costumes lumineux (les créations d’Ahn), d’un paysage sonore techno extraordinaire (la composition de Young-gyu Jang) et de huit interprètes capables de tout faire, des sauts périlleux à la satire mordante et à la sérénité divine, ce n’est pas tant une pièce de danse qu’un monde entier, à couper le souffle dans son énergie panoramique.
Le panda chancelant était l’un des favoris du public. Crédit:
Son fil conducteur est un commentaire satirique sur l’exotisme occidental de « l’Orient ». Les critiques de danse européens décrivent Ahn comme « la Pina Bausch de l’Asie », mais on sort de ce spectacle en pensant qu’en réalité, Pina Bausch devrait simplement être appelée « l’Eun-Me Ahn de l’Europe ».
Vous prenez place et réalisez que la pièce a déjà commencé : des animations de peintures de l’école d’art « orientaliste » européenne du XIXe siècle sont projetées sur le rideau (conception vidéo de Taeseok Lee). Viennent ensuite les danseurs, glissant et sautant à la perche sur la scène dans les ravissants dessins d’Ahn. Il y a des bateaux qui glissent sur les lacs ; une théière géante pleine de brume ; un dragon d’or brodé sur velours noir ; des structures surréalistes de dentelles, de pompons et de ballons ; bottes à plateforme vertigineuses; des protège-dents clignotants et des bâtons lumineux ; et même un panda chancelant.
L’énergie inépuisable des sept danseurs est une merveille. Crédit:
Débutant comme une série surréaliste et hypnotique de tableaux hyper-stylisés (représentant peut-être le regard occidental), la danse se détend progressivement, crescendo dans une explosion de couleurs et de vie. Il n’y a pas d’intervalle pour interrompre l’élan galopant. Ahn elle-même est une présence narrative récurrente – telle une fée marraine, elle entre et sort avec des solos énergiques si charmants que le public applaudit.
La chorégraphie ne ressemble jamais à un mimétisme de camp. Crédit:
Ses sept danseurs aux pieds rapides sont une merveille : ils sautent et tournent sans effort dans un nuage d’athlétisme serpentin, ressemblant davantage à un casting de dizaines. Malgré ces prouesses, ils évoluent avec une humilité rafraîchissante, une dignité tranquille et un humour d’autodérision. Cela empêche la chorégraphie de ressembler à un mimétisme de camp et prouve qu’une prétention inaccessible ne doit jamais être confondue avec une bonne danse moderne.
L’ovation debout à la fin a été rapide et délicieusement bruyante – certains spectateurs ont même fait des signes de cœur avec leurs mains.
THÉÂTRE
Burgerz
Travaux de carrosserie, 8 janvier
Jusqu’au 18 janvier
Évalué par HARRIET CUNNINGHAM
★★★★
Quand un burger n’est-il pas un burger ? Est-ce que ça doit être du bœuf ? Est-ce qu’il faut du fromage ? Est-ce un burger s’il n’y a pas de cornichons ? Le chignon doit-il être plus épais en haut ou en bas ? Et faut-il qu’il soit rond ?
Ce sont des questions que Travis Alabanza s’est posées, et nous pose maintenant, dans leur spectacle tour à tour anarchique, hilarant et extrêmement touchant. Burgerz, qui ouvre le premier Trans Theatre Festival d’Australie. (Au fait, Alabanza dit oui, le chignon doit être rond, sinon ce spectacle pourrait s’appeler Hotdogz.)
Quand un burger n’est-il pas un burger ? Travis Alabanza soulève quelques questions. Crédit:
Burgerz » est la réponse d’Alabanza à son expérience d’un crime de haine il y a une dizaine d’années, quand, un matin sur le Waterloo Bridge à Londres, un homme a crié « transsexuelle » et a lancé un hamburger sur Alabanza, éclaboussant sa robe de mayonnaise et de viande hachée.
Ce n’était peut-être rien qu’une peau épaisse et un peu de liquide de nettoyage à sec ne pouvaient réparer, mais pour Alabanza, le véritable impact était que personne dans cette rue animée n’a réagi. Personne n’a aidé. Tout le monde détourna le regard et continua son chemin.
La piste 8 de Carriageworks est pleine de gens prêts à aider le premier soir de Burgerz. Lorsqu’Alabanza émerge d’une grande caisse d’emballage, vêtue d’une salopette bleue, par une nuit extrêmement chaude, elle est accueillie par une foule de compagnons de voyage. Lorsqu’ils appellent un volontaire, les mains se lèvent. Mais quand ils demandent un volontaire qui est un homme cis-blanc, tout se calme.
Dieu merci, Andy, un économiste norvégien, a accepté l’invitation et passe la majeure partie du spectacle sur scène vêtu d’un tablier orange vif. Andy devient sous-chef et homme hétéro pour un interrogatoire parfois brutal sur la fabrication d’un hamburger.
Il y a beaucoup de rires : grosses giclées et petites giclées, viande hachée et petits pains. Il y a aussi des conversations difficiles. Pouvons-nous parler de race ? Oui, nous pouvons et nous le ferons. Les moments les plus marquants sont ceux où Alabanza abandonne le personnage de cabaret et parle franchement du désespoir, de la blessure et de la confusion de leur existence quotidienne. Andy devient un Everyman, un témoin silencieux, tandis que le burger devient une métaphore de la brutalité insensée de la norme.
La notion de Burgerz est inspiré et la prestation est sans faille. Lors de la soirée d’ouverture, le résultat a perdu une partie de son impact à cause d’une chaleur étouffante, de microphones peu coopératifs et d’Andy imparable, mais il se renforcera à mesure qu’Alabanza prendra la mesure d’une foule de Sydney.
Pour l’essentiel, Alabanza se contente du chaos volatile de la participation du public. Ils ont une série impressionnante de retours pour toutes les occasions et gèrent facilement la différence culturelle. Ils sont doux mais insistants dans leurs tentatives pour obtenir une réaction d’Andy, au point que cela se transforme parfois en une bataille de volontés inconfortable.
Mais à la fin, le burger est préparé et on apprend. À propos d’Alabanza, des hamburgers et de nous-mêmes.