Il y a 64 finalistes, donc si je n’en parle que de quelques-uns, ce n’est pas une réflexion sur la multitude qui manque. Il existe tellement de types de dessins qu’il est difficile de faire des comparaisons significatives. C’est peut-être la raison pour laquelle les juges ont choisi Jane Grealy Jardin de Maria, Schéma Cen tant que gagnant, car il fait deux choses différentes dans le même cadre.
Sur une représentation dense et réaliste de plantes et d’échafaudages, Grealy a superposé un mince contour blanc d’un bâtiment proposé. L’œuvre se rapporte à son métier antérieur d’illustratrice d’architecture, mais implique également une réflexion mélancolique sur le temps et le changement. Grealy est conscient que le jardin que Maria a entretenu pendant tant d’années sera un jour englouti par de nouveaux développements suburbains. Ceux d’entre nous qui vivent en petite couronne voient ce scénario se jouer dans nos rues avec une rapidité croissante.
Grealy a tenté de faire entrer le passé, le présent et le futur dans une œuvre d’une grande dextérité technique. Avec certaines compétitions, il est clair que les juges sont entrés avec un ordre du jour qui l’emporte sur un examen attentif des finalistes et de leurs mérites. Ici, c’est le contraire qui s’applique, car on peut apprécier la logique d’une décision qui récompense à la fois la forme et le contenu.
Peggy de Tasmin Ainslie.
C’est la dimension philosophique qui distingue le travail de Grealy de celui de nombreux autres prétendants. Jean Bokor Deux pièces, par exemple, est un dessin fort dans un style qui doit beaucoup à Matisse et à des artistes britanniques tels que Leon Kossoff et Frank Auerbach. Les principaux objets de la composition ont été soulignés avec force, avec des taches suggestives de charbon de bois donnant une impression de profondeur et de marques antérieures plus provisoires. On peut sentir comment l’image commence dans l’incertitude et se termine dans un épanouissement déterminé, donnant une agréable impression de résolution.
Parmi les œuvres les plus expérimentales, je ne peux passer sous silence l’exploit héroïque de Julie Rrap, à l’âge de 73 ans, de se tortiller nue sur une grande feuille de papier traçant des parties de son corps au fusain. C’est un processus désordonné qui souligne la nature hautement physique et tactile du dessin. Essentiellement une performance captée sur vidéo, c’est une œuvre dans laquelle l’artiste non seulement produit un dessin mais devient une partie du dessin.
Autre œuvre non conventionnelle, celle de Jayanto Tan Cascade dans le jardin de la lune, est un produit de processus et de patience. Tan a créé trois longues tentures en cousant ensemble des sachets de thé usagés. L’effet est délicat et étrangement de bon goût, le beige-brun pâle des sachets de thé donnant l’impression d’un paysage patiné, tout en évoquant les nombreuses heures de thé et de conversation qui se cachent derrière ce trésor.
La pièce la plus délicate de l’exposition est peut-être celle de Sandra Kiris Devenir, qui n’est rien d’autre qu’un ensemble de lignes entrelacées dessinées avec une précision presque incroyable au pastel à la craie sur un fond sombre. C’est méditatif à la manière d’un tableau de Rothko, demandant au spectateur d’immerger sa conscience dans le jeu de la forme, comme si chaque ligne ondulée était un chemin vers l’infini.
Scientifica I de Floria Tosca.
Les lignes éthérées de Kiris trouvent une réponse terreuse dans Claire Tozer À partir de 33 000 pieds – un exercice de marquage soutenu, dans lequel la surface cicatrisée de l’image évoque la croûte rugueuse et texturée de la planète vue du ciel. Bien qu’il soit présenté comme un paysage, le pouvoir du dessin réside dans sa pure matérialité, car l’artiste a travaillé encore et encore sur la surface.
Je ne sais rien de la vie privée de Sue Field, mais lorsqu’un artiste fait un dessin d’eau qui coule à travers des portes ouvertes, un téléphone rouge au mur et la partition de Schönberg Verklärte Nacht au premier plan, une sorte de crise semble probable. La Verklärte Nacht (ALIAS. Nuit transfigurée) (1899), était le morceau de musique expressionniste que Schönberg a écrit lorsqu’il a rencontré sa future épouse, Mathilde Von Zemlinsky. Ce serait une relation intense et tendue qui a conduit à l’un des fin de siècle Les grandes histoires d’adultère, de scandale et de suicide de Vienne. J’espère que Sue Field passe un moment plus calme.
Enfin, deux dessins qui me sont restés en tête pour des raisons différentes sont ceux de SC Grennan Les couches sont pour les perdants (Rococo Vanitas), et de Teo Treloar La Peste, Penguin Books Edition, Australie.
Le premier est l’une des œuvres les plus originales de la série, même si je ne peux pas prétendre savoir de quoi il s’agit. Dans un dessin tremblant apparemment réalisé en tenant deux crayons ensemble, Grennan a représenté un somptueux intérieur rococo habité par deux squelettes. Par son style et son contenu, l’œuvre rappelle les dessins de James Ensor. L’énoncé théorique de l’artiste ne fait qu’ajouter de la confusion à ce qui est essentiellement un memento mori – une réflexion sur la vanité de toutes ces incrustations de culture par lesquelles nous essayons de nous définir et de créer un écran de fumée contre la mort.
Kalypto d’Yvette Tziallas.
Treloar’s La peste est l’un des dessins les plus simples et les plus petits exposés, mais il a beaucoup de poids. Pendant les fermetures de COVID-19, de nombreuses personnes, y compris elles-mêmes, ont sorti le grand roman de Camus de 1947 de l’étagère. Treloar dit qu’il a acquis 35 éditions distinctes. L’un d’eux doit être le même que mon exemplaire, avec la jaquette sinistre de Michael Ayrton, mais il était important pour ce travail que l’artiste dessine l’édition ancienne de Penguin. Ce dessin soigné d’un livre de poche usé, sur un fond gris densément hachuré, transmet un sentiment d’isolement, comme beaucoup de gens l’ont ressenti pendant les fermetures. Une source de soulagement était la lecture, en particulier des livres tels que La peste qui semblait se rapporter de manière très profonde à nos expériences contemporaines. En lecture comme en dessin, semble dire Treloar, il existe un antidote à l’état de distraction chronique dans lequel la plupart d’entre nous vivons notre vie quotidienne.
Le Prix de Dessin Dobell 2023 est à la Galerie de l’École nationale des beaux-arts jusqu’au 10 juin.
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