Romy Vager et son nouveau groupe sont en feu (au sens figuré) dans la Supper Room du troisième étage lorsque le détecteur de fumée commence à retentir à l’hôtel de ville de Melbourne.
C’est un léger cri en arrière-plan au début, à peine détectable sous les accords puissants de ses superbes chansons d’amour raté et de doute de soi, mais dans l’intervalle entre les morceaux, il n’y a aucun doute. Et lorsque le personnel de sécurité commence à guider le public vers les sorties, on ne peut s’empêcher de craindre que ce que nous pensions être le résultat d’une machine à fumée qui travaille dur puisse en réalité être la réalité.
Heureusement, ce n’est pas le cas. Un idiot est simplement sorti par une porte qu’il n’aurait pas dû avoir, déclenchant le système d’alarme. Une demi-heure plus tard, après que les pompiers ont confirmé que tout va bien, tout le monde revient pour les gros titres que nous craignons brièvement de ne pas voir.
Il est 18 heures lorsque l’alarme retentit, et le festival-dans-un-festival de Rising, le Day Tripper, événement musical de huit heures et multi-sites organisé samedi, atteint son apogée.
Cela commence à midi, avec le groupe japonais Hugen qui interprète un set techno-folk émouvant dans la salle principale, peu peuplée. Vers 13 heures, Adrian Sherwood est sur les ponts du portique surplombant Swanston Street, les platines installées entre les colonnes corinthiennes, alors que le soleil perce la bruine.
Il joue une série de morceaux imprégnés de reggae pour une petite foule – limitée à 120 personnes à la fois, rigoureusement appliquées par le personnel de comptoir à la porte – qui a fait la queue pour avoir un aperçu du légendaire producteur de dub en action.
Le défi de Day Tripper, qui en est maintenant à sa troisième année, consiste à déterminer où se trouver à un moment donné. Vingt-six actes répartis dans six espaces – dont Max Watts dans Swanston et cinq salles de l’hôtel de ville – signifient qu’il est presque impossible de tout saisir. Mais je m’y lance à fond.
UV Race, un sept musicien formé dans le Gippsland, se mêle au punk, à l’électro New Wave et à l’ironie en s’identifiant aux étrangers dans le court-pointu-pointu et en débitant les noms de banlieue de la ville encore exotique de . Jazmine Mary, qui représente la génération actuelle d’artistes du label indépendant néo-zélandais Flying Nun, joue une sorte d’indie folk émouvant avec une teinte de jazz – grâce aux saxophones et aux touches de son groupe (uniformement vêtus de polos crème) et à son propre travail de guitare doux – dans la Supper Room.
Plus tard, cet espace accueille Ruth Parker, 69 ans, une ancienne Australienne de l’Ouest vivant désormais dans la banlieue ouest qui a sorti son premier album en 2019 et son deuxième, écrit pendant le confinement, l’année dernière. Ses chansons folk nostalgiques et éthérées – remarquables, avec son refrain de « J’ai besoin d’éteindre le monde ce soir, il n’a pas besoin de savoir que j’ai été ici/S’il m’appelle, dis-lui simplement que je suis autrement occupé » – sont étoffées par quelques choristes, banjo, guitare et violon.
Elle est une présence douce sur scène, avec un chapeau en forme de tarte au porc et une voix qui dépasse à peine le murmure, mais l’art-thérapeute et agent de santé mentale savoure clairement ce moment tardif sous les projecteurs, et le public – assis les jambes croisées sur le sol, écoutant attentivement – le savoure aussi.
De l’autre côté du couloir, dans la salle Yarra, la situation ne pourrait guère être plus différente. Une œuvre de danse de la chorégraphe de Belfast Oona Doherty, une idée simple, tendue jusqu’au point de rupture et exécutée à la perfection : dans une pièce jonchée des détritus d’une fête à la maison – vides, boîtes de pizza, chips froides – un raver (en fait un danseur torse nu) glisse lentement dans le K-hole de l’oubli, son corps secoué et glissant au ralenti atroce du canapé et sur le sol tandis que la bande-son passe de la hard house à à peine des pulsations. battement de coeur.
Puis il se relève alors que les cris des écoliers signalent le début d’un nouveau jour. Désorienté, il trébuche dans le monde, boit une cigarette et titube, étourdi et confus, face à ce qui va suivre, alors que la musique house recommence. Rave, récupère, rince, répète. C’est drôle, un peu effrayant et tout à fait génial.
Le génie de la programmation de la commissaire musicale Hayley Percy est qu’elle offre quelque chose pour tout le monde tout en cédant à peine aux noms connus. Vous êtes tout aussi susceptible d’être époustouflé par l’assaut obscur des nouveaux venus de Sydney, Xiao Xiao, avec leur son de guitare fuzz néo-punk psych-rock, que par des artistes de plusieurs décennies et de nombreux genres supprimés.
Regardez attentivement et vous pourrez discerner les liens qui relient Sherwood, par exemple, aux Congos, le trio de reggae jamaïcain dont les membres les plus âgés ont 79 ans (et les plus jeunes 76), qui jouent ici avec un groupe de sept musiciens locaux.
Je ne sais pas s’il y a des points reliant l’un ou l’autre de ces deux-là à Kahil El’Zabar, mais le set du percussionniste de jazz américain et chef d’orchestre est un moment fort.
Passant du piano à pouces aux percussions à main en passant par la batterie et les cloches de cheville, il mène son quatuor – trompette, saxophone et violoncelle – à travers une série de reprises qui commence par une interprétation libre du vieux chant spirituel. Le monde entier (avec sa contribution au chant) et comprend un mouvement du morceau mélodique de John Coltrane et Miles Davis
Chanel Beads est le nom de scène du New-Yorkais Shane Lavers, qui se produit au Max Watts avec un groupe complet à ses côtés et qui chante dans une salle pleine à craquer l’hymne électro-indie-pop.
Les têtes d’affiche de la salle underground sont les Néo-Zélandais The Bats, vétérans des débuts de Flying Nun et toujours aussi forts. Ils ravissent la foule avec leur marque de pop indie mélodique et jonglante, pas si éloignée du style de leurs contemporains The Clean et The Chills, mais qui sonne toujours fraîche et pertinente.
A la mairie, la foule revient après la fausse alerte de l’acte principal, Kae Tempest. Le rappeur, poète, dramaturge et romancier anglais est précédé d’une brève apparition de l’artiste américain Saul Williams, qui exhorte le public à pirater toutes les normes perçues qui existent, et encore une fois, il y a du tissu conjonctif là-bas si vous voulez le chercher.
Tempest est un interprète passionné dont le décor confine parfois à une expérience religieuse. Tour à tour saisi par l’agonie et l’extase, Tempest implore la foule d’embrasser l’amour par-dessus tout. Il n’y a aucune mention de Dieu, mais cela constitue une expérience transcendante qui laisse la foule ravie.
«La musique est le feu», avait promis Day Tripper. « La musique est le baume. »
Au final, il n’y a même pas de fumée. Mais là où cela compte, il a été efficace. Un grand moment.