Constantine Costi n’a pas de petits rêves. Il veut mettre fin à l’empiètement hideux de la technologie sur nos vies, tout en défendant l’humanité et l’art. Comment? En dirigeant la nouvelle production d’Opera Australia de la pièce bien-aimée de Puccini La Bohème comme s’il avait été imaginé par les bohèmes très parisiens qui peuplent l’histoire.
Son enthousiasme est contagieux lorsqu’il explique que lui et son équipe créative ont cherché à voir le monde à travers les yeux du poète Rodolfo, du peintre Marcello, du musicien Schaunard et du philosophe Colline, qui partagent un grenier glacial adjacent à l’amante malheureuse de Rodolfo, Mimi, une couturière. Costi envisageait un monde exalté, faisant référence à des artistes célèbres, avec des fonds peints et des surfaces tactiles étant sa riposte à la technologie et aux projections stériles.
Étant donné que les bohèmes étaient jeunes, Costi a constitué une équipe créative dans la trentaine, comme lui. Parmi eux figuraient le célèbre scénographe Dann Barber et la costumière Sabina Myers, avec qui il avait étudié à l’Institut national d’art dramatique de nombreuses années auparavant. Ils partageaient la passion de Costi pour l’utilisation de l’hyper-théâtralité pour transporter le public au-delà de la banalité quotidienne.
« Réaliser quelque chose de divin, de beau et d’extatique est le monde qui nous intéresse », s’enthousiasme Costi. « Je ne vois pas le monde comme un espace de type deux plus deux égale quatre. Je vois le monde comme quelque chose de plein d’imagination, de mystère et de subjectivité. C’est quelque chose que l’art – et l’opéra peut faire – particulièrement bien : élever l’expérience vécue pour trouver quelque chose d’émotionnel profond et de vrai. Avec la présence de la musique également, l’opéra élèvera toujours les choses au-delà du naturalisme. «
Au moment où nous parlons, Costi se trouve devant le siège d’Opera Australia, à Surry Hills à Sydney, où il a été attaqué par un pigeon belliqueux, comme s’il s’agissait d’un reproche pour notre utilisation de Zoom tout en dénonçant la technologie. Il a regardé les décors, les accessoires et les costumes du spectacle prendre vie, et rit de cette soudaine attaque de pigeon avec la bonne humeur qui doit être vitale pour diriger une production qui, au cours des saisons de Melbourne et de Sydney, implique un nombre impressionnant de 378 personnes sur scène, dans les coulisses, dans la fosse d’orchestre ou dans la fabrication et le transport.
Pour commencer, Costi a étudié le contexte dans lequel Puccini a écrit l’opéra dans les années 1890, lorsque l’expérimentation de la nouvelle approche plus naturaliste du « vérisme » était monnaie courante. « Bohème « J’ai un pied dans le vérisme, où ce sont des personnes réelles avec des préoccupations immédiates », observe-t-il. « Mais ce que fait Puccini pour élever cette pièce au-delà du travail de ses contemporains, c’est que l’on obtient ces immenses séquences poétiques, presque oniriques, qui découlent de ce monde réaliste.
« L’histoire d’amour entre Mimi et Rodolfo est irréaliste, même selon les normes de l’opéra, mais si vous la regardez du point de vue d’artistes passionnés qui quittent le monde réel et se rendent dans un lieu de rêves picturaux, alors elle prend tout son sens. C’est quelque chose que nous essayons de capturer dans notre mise en scène. »
L’un des attraits majeurs de l’œuvre réside dans la représentation de jeunes artistes avec leurs cycles d’optimisme et de déception.
« Il y a quelque chose de si fantastique », dit Costi, « que leurs personnalités se reflètent aussi dans leur art : que Marcello le peintre est immédiat et physique, et on pense presque à Jackson Pollock, la façon dont il attaquait ses toiles ; Rodolfo dans ce monde de poésie, le grand rêveur ; Colline, le philosophe nihiliste mécontent ; et Schaunard, le grand interprète, dandy et musicien. C’est si joliment essentialisé par Puccini que leurs métiers sont leur personnalités, et il y a cette belle interaction entre ces deux choses.
Néanmoins, comme tant d’artistes, ils ne font en réalité que gagner leur vie grâce à des versions subalternes de leurs vocations, ou, comme le dit Costi : « Quand vous êtes jeune, vous voulez changer le monde avec votre talent artistique, mais l’économie des petits boulots a toujours existé. Nous sommes assez jeunes pour que le fait d’être un artiste en difficulté soit dans notre mémoire récente – et dans notre expérience vécue actuelle également ! Il y a donc un peu de nous dans cette pièce, et il est vraiment important que nous voulions insuffler nos personnalités dans cette chose comme autant que possible. »
Dans une interview séparée avec Barber et Myers, cette dernière me raconte que, tout comme les protagonistes, elle partage une maison avec d’autres artistes : la réalité de poursuivre un rêve artistique dans une grande ville. « Vous prenez un risque en choisissant une carrière dans les arts », dit-elle, « et vous feriez mieux de l’aimer, d’en chérir chaque instant et de romancer le tout, sinon vous seriez tellement déprimé que vous ne seriez pas capable de fonctionner. »
À propos de leur vision des bohèmes, Myers dit : « Ils sont excentriques de bout en bout, ils sont sales et ils vivent ensemble dans cet appartement sordide. Ce n’est pas une représentation glamour du métier d’artiste, mais une représentation romantique. Les bohèmes ont une romance avec l’art qu’ils créent, mais ils ont aussi une romance avec l’idée du style de vie bohème, ou de la présentation de soi en tant qu’artiste, et du statut étrange qui en découle d’être un étranger – et la liberté de cela.
C’est le premier opéra que le trio réalise en équipe, et l’enthousiasme de la collaboration rappelle à Barber leur passage au NIDA. Les premiers points de référence sur lesquels ils se sont mis d’accord comprenaient les films de Federico Fellini et Terry Gilliam, ainsi que les peintures de James Ensor et Marc Chagall, alors qu’ils cherchaient à créer un monde exalté, poétique et parfois surréaliste. Pour y parvenir, ils ont déplacé le décor parisien des années 1830 aux années 1900, que Costi considère comme « le symbole ultime de la liberté artistique, de la passion et du libertinage ».
Les changements de style entre les influences ne sont pas camouflés. «C’est un mélange chaotique de tous les bohèmes et de leurs formes d’art individuelles représentées sur scène», explique Myers. « Dans ma vision romancée de ce qu’aurait pu être le Paris des années 1910, à quel point je suis jaloux de ne pas être là à cette époque et dans ce cercle de bohèmes. J’espère que le public le ressentira aussi. »
Le brouillage des frontières entre les bohèmes fictifs, les créatifs de la vie réelle et la production qui en résulte inclut les décors de Barber. « Marcello étant à la fois peintre scénique et peintre, c’était une rampe de lancement », dit-il. « La première fois que nous voyons Rodolfo et lui, ils sont sur le berceau d’un peintre, et il peint un ciel avec Rodolfo assis à côté de lui en train d’écrire des poèmes. Cela nous a donné l’idée que s’ils peignent une toile de théâtre, cette toile peut à un moment donné devenir le ciel.
« Con adore le tableau de Chagall Au-dessus de la ville», poursuit-il, « où deux amoureux s’enlacent en volant. C’est là que nous voulions en arriver pour l’air que chantent Rodolfo et Mimi qui termine le premier acte. Il y avait donc ces pièces de puzzle que nous avions toujours, et nous avions juste besoin de combler les lacunes.
« Et dans l’ensemble », ajoute Myers, « ces pièces de puzzle d’ancrage étaient des peintures, qui, je pense, ont ensuite influencé tout ce que nous avons fait. »
En effet, ce ne sont pas seulement les créateurs principaux qui ont une équivalence avec les bohèmes, mais tous les artisans d’Opera Australia impliqués. « Il y a beaucoup d’amour pour l’artisanat analogique auquel nous avons pu donner de la place dans cette conception de production », explique Myers. « Nous essayons de faire en sorte que l’art soit sur scène autant que l’histoire elle-même. »
Selon elle, cela contraste avec une notion romantique et en voie de disparition de la création théâtrale et même de la bohème dans notre monde actuel froidement technologique. « Nous essayons de célébrer la forme la plus pure de tous ces vieux métiers », poursuit-elle, « et ce rêve de ce que l’opéra pourrait – ou devrait être ! – sur scène. »
Cela se reflète dans les techniques de création de décors et de costumes. Avec Mimi non seulement une couturière en difficulté, mais une artiste à part entière, ses costumes et leurs textiles font référence au travail de Sonia Delaunay, qui a expérimenté la couleur et les textiles à Paris dans les années 1910, élevant l’artisanat féminin contemporain comme le patchwork au rang des beaux-arts. « L’une des principales pièces du costume de Mimi est donc ce manteau en patchwork », explique Myers.
« À côté de chez moi en ce moment (au moment où nous parlons), il y a quelqu’un qui coud minutieusement les plus belles pièces antiques de velours coloré pour mettre ce manteau sur scène. L’ensemble de notre offre n’est pas une imposture d’art ou d’artisanat. C’est vraiment le sujet du spectacle. »
De même, Barber détaille comment le tissu du ciel nocturne susmentionné intègre une variété de techniques de peinture et de texture afin de pouvoir être éclairé par derrière. « Je suppose que tout au théâtre est un truc », dit-il, « mais quelle belle astuce que d’essayer d’imiter la lumière comme le fait Van Gogh ! »
Costi, devenu directeur d’Opera Australia en tant que stagiaire puis assistant réalisateur, a désormais mis en scène La Traviata (sur le port de Sydney) et Le Tabarro. Il est conscient de la riche histoire de l’entreprise en matière de Bohème productions (y compris de Baz Luhrmann) et, comme Myers et Barber, chérit l’opportunité de rejoindre cette tradition, ainsi que d’avoir la chance de diriger une œuvre qui, selon lui, peut jouer son rôle dans l’élévation de nos âmes face à l’assaut technologique.
« La créature humaine est ce petit animal mystérieux, spirituel et poétique, capable de grandes souffrances, de grandes joies, de grands bonheurs et de grandes tristesses », dit-il. « J’ai l’impression qu’il y a quelque chose qui nous relie vraiment tous au médium (opératique), et je crois que ces expériences communes qui nous unissent sont plus importantes que jamais. »
Il est arrivé à l’opéra après avoir été un musicien qui mettait en scène des pièces de théâtre pour le plaisir. Lorsqu’il a assisté pour la première fois à une répétition d’opéra alors qu’il était étudiant, il a eu la chair de poule. «À partir de ce moment-là, je suis devenu accro», dit-il, «et je n’ai pas regardé en arrière.»
La Bohème se déroulera au Regent Theatre de Melbourne, du 7 au 18 novembre, et à l’Opéra de Sydney, du 2 janvier au 17 mars.