Le ténor sud-coréen Won Whi Choi joue son amant Ruggero, et bien que le personnage soit un peu niais, Choi possède un vrai son de ténor à la Puccini (pensez à Pavarotti et al.). Avec une voix aiguë et une couleur brillante tout au long du morceau, il est vocalement impeccable.
Dans les seconds rôles de Prunier et Lisette, les Queenslandais Douglas Kelly et Nina Korbe sont parfaits. Ils ont vraiment une alchimie ! Kelly est charmant – un acteur naturel – et possède une excellente uniformité de tessiture et de ton. C'est un jeune ténor à suivre de près. Korbe est époustouflante, sa voix de soprano est glorieuse au sommet et sa caractérisation est délicieuse.
Le duo Howarth/Choi est moins réussi que Kelly/Korbe, mais il est difficile de dire à quoi il faut en attribuer la faute. Choi semble-t-il raide ou le personnage est-il un simplet ? La Magda de Howarth est-elle unidimensionnelle ou le personnage est-il simplement antipathique ? Quoi qu'il en soit, personne ne tire profit de cette intrigue inégale. Il s'agit néanmoins d'un choix apprécié par l'opéra victorien, dans une année par ailleurs remplie de favoris de Puccini.
Révisé par Bridget Davies
MUSICAL
Six ★★★★
Par Toby Marlow et Lucy Moss, Comedy Theatre, jusqu'au 20 octobre
Les comédies musicales pop et l'Angleterre des Tudors ont le vent en poupe. La tragédie des amants maudits de Shakespeare a été réécrite avec succès dans la récente comédie musicale Jukebox & Juliette. Il n'y a sûrement pas d'adaptation plus pop que Juliette se réveillant à côté du cadavre de Roméo et chantant la chanson de Britney Spears. Bébé encore une fois?
Seul un casting de véritables triples menaces pourrait réussir Six, et ils y parviennent avec exubérance.
Eh bien, après avoir vu maintenant Six – une comédie musicale qui réincarne les six épouses d'Henri VIII en divas de la pop – je dirais & Juliette a été devancé pour le spectacle le plus pop jamais inspiré du XVIe siècle.
C'est une sorte de leçon d'histoire enveloppée dans un concert en direct.
Les six épouses arrivent sur scène avec la fougue d'un groupe de filles devant leur public. Elles sont toutes parées de magnifiques costumes d'époque, scintillants et anachroniques, comme si Gabriella Slade avait agité une baguette magique élisabéthaine au-dessus de la garde-robe d'une pop star.
Elles se sont réunies, comme toujours, pour se disputer la reine la plus tragique. Et c'est hilarant de voir les six reines des abeilles à cette fête de pitié se moquer les unes des autres, ou se lancer des coups brutaux, Les filles méchantes-des dénigrements de style avant d'exploser dans des chansons originales accrocheuses dans une gamme de styles pop.
On y retrouve du R&B façon Beyoncé, avec chœurs et mouvements de danse percutants, jusqu'aux ballades puissantes qui mettent à nu les amygdales. Un morceau transforme même Greensleeves en hymne turbo-folk.
Deidre Khoo (au centre) dans le rôle d'Anne Boleyn
Les paroles et les dialogues adoptent le registre de la jeunesse performative. Anne Boleyn (Diedre Khoo) rappe ainsi sur son mariage qui a provoqué la Réforme anglaise :
« a essayé de s'enfuir
mais le pape a dit non…
les règles étaient tellement obsolètes
nous deux voulions être classés X
bientôt, excommunié
tout le monde se détend, c'est totalement la volonté de Dieu »
C'est très drôle, cependant, lorsque le concours se transforme en Jeux olympiques du traumatisme (et que les reines commencent à comparer le nombre de leurs fausses couches pour gagner), la seule survivante, la dernière épouse d'Henri, Catherine Parr (Giorgia Kennedy), lance un « historemix » féministe, les libérant toutes de l'ombre du roi Henri.
Il n’y a pas de maillon faible parmi les reines restantes. Kimberley Hodgson dans le rôle de Catherine d’Aragon, Loren Hunter dans le rôle de Jane Seymour, Zelia Rose Kitoko dans le rôle d’Anna de Clèves et Chelsea Dawson dans le rôle de Katherine Howard apportent chacune une étincelle vitale aux moments forts individuels, avec suffisamment de réserve pour un travail d’ensemble à haute énergie – des chœurs fluides, une chorégraphie parfaitement synchronisée, des répliques comiques rapides – qui, avec un décor numérique et des éclairages de rockstar, font vraiment monter l’atmosphère du concert.
Seul un casting de véritables triples menaces pourrait réussir Six et ils y parviennent avec une telle exubérance que je ne serais pas surpris si (tout comme lors des concerts pop) les fans fidèles revenaient encore et encore.
Révisé par Cameron Woodhead
THÉÂTRE
Apologie ★★★
Nicola Gunn, Malthouse Theatre, jusqu'au 18 août
C'est merveilleux de voir Nicola Gunn faire du théâtre à Melbourne. L'artiste de performance vit en Europe depuis des années, mais a développé son style inimitable ici, dans des œuvres telles que Malgré moi, Bonjour, je m'appelle et Pièce pour personne avec Ghetto-Blaster.
Apologia est la deuxième partie d’une trilogie explorant la traduction et l’interprétation.
Le théâtre surréaliste et la comédie physique façonnent ce style et ont prédominé pendant la première phase de la carrière de Gunn. Ce n'est que lorsqu'elle a intégré l'art dans la vie et commencé à créer l'équivalent vivant de l'autofiction – l'« autothéâtre », si vous voulez – que son génie distinctif s'est transformé en (pardonnez mon français) une œuvre.
Gunn Apologie est la deuxième partie d'une trilogie explorant la traduction et l'interprétation, et naît de son fantasme de devenir une actrice française.
L'absurdité se cache dans le postulat – Gunn n'est pas française et ne parle pas la langue – même si elle a une entrée en matière dans la voix de Séverine Magois, une traductrice française aux opinions vivifiantes.
Nous ne rencontrons pas Magois en chair et en os. Elle est d'abord présente à travers des bruits de vapotage émanant d'un haut-parleur. Puis Gunn arrive, réprimande son interlocuteur invisible pour avoir vapoté à l'intérieur et entame une conversation de grande envergure avec la voix enregistrée de Magois sur la réalisation de ses ambitions.
Taka Takiguchi et Yumi Umiumare dans une scène d'Apologia au Malthouse Theatre.
L’humour décalé se répercute dans ce qui devient une défense – une apologie – de la subjectivité et de l’authenticité, et une interrogation sur la façon dont le langage façonne ces idées.
Les complexités s'accentuent lorsque la scène se déplace vers deux touristes japonais déçus par Paris (Yumi Umiumare et Taka Takiguchi), interprétés en japonais avec des sous-titres anglais.
Le « syndrome de Paris » est un phénomène psychologique documenté pour la première fois au Japon : il décrit la dépression et la désillusion ressenties lorsque la ville de l'amour ne correspond pas à l'idée romantique que les touristes s'en font.
Le désir fou de Gunn de devenir une actrice française représente-t-il une version théâtrale du syndrome de Paris ? Il y a certes de la frustration et du désespoir face à la disparité entre les attentes et la réalité, mais elle parvient à vivre des fragments de son rêve.
Les scènes où elle apparaît dans un film français (en tant que femme accablée de chagrin en apprenant la mort de sa mère) possèdent un équilibre, une élégance visuelle et une intensité émotionnelle qui suggèrent la réalité, avant que la pièce n'abandonne le langage verbal pour le langage visuel dans une conclusion charmante et entièrement silencieuse.
Si Apologie Bien que cette pièce ne soit pas entièrement satisfaisante et complète en tant que pièce autonome, elle constitue un théâtre remarquablement original qui stimulera la réflexion sur la philosophie qui sous-tend la performance et la traduction. Comment traduit-on son « moi » (ou celui de quelqu'un d'autre) dans une autre langue ? Comment le langage lui-même influence-t-il notre expérience de la réalité, de l'art ?
Ces questions sont sondées à travers un mélange tragi-comique d’intimité et d’artifice, dans une production animée par une talentueuse équipe internationale de collaborateurs de conception, dont Emma Valente et Kate Davis de The Rabble.
Espérons qu'un festival artistique programme la trilogie une fois terminée. Apologie Cela nous montre à maintes reprises que le contexte est crucial pour l'acte d'interprétation, et je ne suis pas sûr que la véritable valeur de la série puisse être appréciée sans lui.
Révisé par Cameron Woodhead
MUSIQUE
Maxim Vengerov en récital ★★★★★
Salle Hamer, 7 août
Si j'avais pensé à tout cela à l'avance, j'aurais pu prédire que le récital de Maxim Vengerov serait une affaire cinq étoiles. Après tout, Vengerov fait partie des rares candidats au titre de meilleur violoniste du monde et, à 49 ans, il est absolument au sommet de sa forme. Et c'est ce qui s'est passé : Vengerov et son accompagnatrice Polina Osetinskaya ont été sublimes et ont été récompensés par une ovation debout.
Maxim Vengerov se produit au Hamer Hall le 8 août 2024.
C'était la quatrième fois que j'entendais Vengerov à Melbourne, et ce fut la meilleure, deux heures de bonheur. Le programme était partagé entre la Russie et la France, avec deux œuvres de Prokofiev en première partie, et Franck et Ravel en seconde.
Le Cinq mélodies La première Sonate pour violon de Prokofiev, sombre mais captivante, offrait une ouverture langoureuse et lyrique avant que les rythmes et harmonies hérissés de Prokofiev n'apparaissent dans la sombre mais captivante première Sonate pour violon. Puis vint un contraste complet dans la sonate poétique de Franck, une œuvre d'une beauté douce livrée avec élégance et un raffinement subtil.
Vengerov a fait si peu de cas des difficultés techniques, si discrètement, qu’on pourrait douter qu’elles aient existé. Pourtant, elles étaient bien là – par exemple, des doubles cordes féroces et parfaites, des harmoniques merveilleusement pures et précises, des passages de bravoure palpitants, une dynamique délicate, une projection sans effort et des pianissimos ravissants qui flottaient jusqu’à remplir la salle. Il a mis l’accent sur l’art plutôt que sur la pyrotechnie – mais ensuite est venu le vigoureux virtuose de Ravel Tzigane et toute la touche dramatique qu'on pourrait souhaiter.
Osetinskaya, manifestement une merveilleuse musicienne à part entière, était une accompagnatrice délicate et sensible, même si une ou deux fois j'ai eu l'impression qu'elle était trop discrète.
Le duo a honoré le public de quatre rappels : la marche de Prokofiev L'amour des trois orangesdeux bonbons somptueusement romantiques chez Kreisler Amour et Liebesfreudet le grand thème de Rachmaninov Rhapsodie sur un thème de Paganini.
Révisé par Barney Zwartz
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