Lorsque Kate Just a rencontré son fils Harper, âgé de deux ans, il s’est présenté à la porte de la maison d’accueil, lui a serré la main et lui a dit : « Salut maman ».
À ce moment-là, elle eut une vision saisissante de lui portant une armure souple. « Je pouvais voir en lui qu’il avait déjà vécu toutes ces choses qui sont presque trop dures à vivre pour un enfant de deux ans. Toute cette perte de sa famille biologique, et le placement en famille d’accueil, et les déplacements… qui vous rendent blindé », dit-elle. « Mais il était aussi si doux et ouvert. Alors je l’ai vu comme une image quand je l’ai rencontré, et c’était vraiment comme ça qu’il était. Il avait cette couche protectrice mais il était ensuite ouvert et si réceptif à l’amour et à l’attention. »
Deux ans plus tard, je viens de tricoter ce costume et je l’ai appelé Une armure d’espoir (2012). Il s’agit de l’une des plus de 200 pièces de , une nouvelle exposition qui s’ouvre ce mois-ci au Ian Potter Center du NGV.
Organisée par Katharina Prugger, conservatrice de l’art contemporain, et Sophie Gerhard, conservatrice de l’art australien et des Premières Nations au NGV, l’exposition présente des œuvres de toute la collection, de toutes époques et disciplines.
C’est un terrain fertile à exploiter et qui touchera certainement une corde sensible, dit Prugger, tout comme les autres expositions thématiques récentes de la galerie, Chats et chiens en 2024 et Bizarre en 2022.
Les deux conservateurs ont des filles de trois ans et Prugger attend son deuxième enfant, tandis que Gerhard a un garçon de quatre mois. «Nous sommes au plus profond des tranchées de la maternité», dit Prugger.
Leur expérience de devenir mère a éclairé leur approche de l’exposition, explique Prugger. «Nous avons vraiment essayé de mettre en avant les femmes artistes autant que possible et de mères les artistes elles-mêmes.»
Le spectacle, qui a duré des années, est délibérément vaste et global. Il y a la joie et la douleur de la maternité, depuis la tentative de concevoir jusqu’à l’accouchement et l’adoption ; des idées sur la perte et le deuil, y compris la fausse couche et la séparation ; la politique et l’évolution des attentes sociétales autour de ce rôle, ainsi que l’influence de l’imagerie historique et bien plus encore sont explorées.
Certaines œuvres sont festives, d’autres domestiques ; certains se confrontent, d’autres approfondissent les complexités du rôle.
« Nous espérons que cela parlera à tous les visiteurs », déclare Prugger. « Tout le monde est né et a une sorte de relation avec l’idée de la maternité. »
Pour commencer, les conservateurs ont tracé le voyage à partir de leur esprit, traduisant cette vision dans le plan des galeries de l’exposition. Trois thèmes se sont clairement dégagés : Créer, donner et partir. « Plus nous y avons travaillé, plus nous avons compris qu’il s’agissait d’un cycle de vie », explique Prugger.
Le spectacle commence par l’idée de la naissance d’une mère et présente différents types d’histoires de conception. Une belle série de photographies d’un accouchement à domicile, documentées par Christine Godden aux États-Unis dans les années 1970, rappelle à quel point le processus d’accouchement est caché, même aujourd’hui. Dieu Sans titre (mère allaitant sur une couverture) 1974 est une autre offre merveilleuse, le photographe capturant l’une des tâches domestiques les plus anciennes et les plus simples.
Les œuvres des Premières Nations constituent une partie importante de l’exposition, notamment Gunditjmara, Djabwurrung et l’installation vidéo de 11 minutes de l’artiste anglo-indienne Hayley Millar Baker, 2023, un commentaire social puissant sur les attentes placées à l’égard des femmes.
La vidéo de Tracy Moffatt MÈRE 2009 utilise du matériel mettant en vedette des mères emblématiques d’Hollywood. Réalisé en collaboration avec le monteur Gary Hillberg, il reflète la fascination constante de Moffatt pour les femmes, ainsi que la vision cinématographique qui sous-tend son travail.
Il existe également une installation massive appelée ŒIL ENTENDRE U MAGIK de Hannah Bronte, qui montre comment l’intuition ancestrale s’est transmise à travers les générations d’Autochtones. «C’est une représentation tellement forte de mères, de grands-mères, de filles et d’une magnifique narration matrilinéaire», dit Prugger.
Les artistes internationaux côtoient les locaux. L’œuvre saisissante de l’artiste chinois contemporain Sheng Qi Souvenirs (Mère) 2000 parle de la perte d’une mère patrie et de sa propre mère. La photographie graphique montre la main de l’artiste – sans son petit doigt qu’il a coupé en signe de protestation après les manifestations de la place Tiananmen – tenant une photo de sa mère qu’il a dû laisser derrière lui lorsqu’il a fui la Chine pour l’Europe après les manifestations de juin 1989.
Qi s’est coupé le doigt dans un acte de désespoir et l’a enterré dans un pot de fleurs rempli de terre chinoise. Il reste en exil à Londres jusqu’en 1998, date à laquelle il retourne à Pékin.
Pendant un certain temps en Europe, les images de la Vierge Marie ont dominé les idées sur la maternité, avec tous les traits qui en découlent – et contradictoires dans un contexte contemporain – qui lui sont imprégnés : pureté, modestie et domesticité. Cela a encore une influence aujourd’hui, dit Prugger. « Cela pourrait être une exposition à part entière », dit-elle.
L’émission examine l’impact que ce récit aurait pu avoir sur les peuples des Premières Nations d’Australie. Il comprend une robe que l’artiste de Quandamooka, Kyra Mancktelow, a recréée à partir de celle que sa grand-mère a été obligée de porter à Moongalba (mission Myora), appelée . « Nous pensons à toutes les pratiques culturelles qui ont été éradiquées grâce à la visualisation chrétienne, ainsi qu’à l’impact que cela aurait eu sur le corps des femmes et les pratiques d’accouchement », explique Prugger. « Ce sont aussi ces œuvres d’art emblématiques, aimées en elles-mêmes. »
Les idées reflétées dans des œuvres historiques résonnent encore aujourd’hui, notamment une peinture miniature indienne qui raconte l’histoire du bébé Krishna allaité par sa mère adoptive. Un autre est un dessin de la reine Victoria, qui représente sa petite fille, tandis que, cachée à l’arrière-plan, se trouve sa nourrice.
Il y a de la simplicité et de la brillance inhérentes au travail de Ruth O’Leary. Rue Flinders 2017, tournée peu de temps après la naissance de son bébé. Voulant continuer à faire de l’art mais contrainte par le soin de son enfant, O’Leary s’est rendue au photomaton à l’extérieur de la gare de Flinders Street, a enfilé un masque qu’elle avait confectionné et, tenant son bébé dans ses bras, a pris le portrait.
À partir de là, le spectacle évolue vers des dimensions plus politiques, explorant le mythe de la « super-mère » versus la « mauvaise mère ». Il explore la façon dont l’histoire et la mythologie ont souvent interprété les histoires de femmes d’une certaine manière et associe cela au concept de super-mère.
De nombreuses œuvres contemporaines parlent de la lutte pour tenter de tout faire, ainsi que de l’invisibilité de la femme au foyer, dit Prugger, citant un tableau d’Anne Graham, qui rend hommage à une femme au foyer, la posant au centre d’une place de marché. Acquis par le GNV dans les années 1980, il n’a jamais été montré au public auparavant.
Les quatre espaces suivants explorent les soins à apporter à l’enfant et le travail de la mère. Davida Allen Bébé 1989 – une représentation du chaos qu’est l’heure du dîner avec un petit enfant – capture quelque chose du labeur constant qui peut être joyeux et cauchemardesque, passant parfois de l’un à l’autre en quelques minutes.
« Il est probable que l’on puisse se remémorer bon nombre de ces moments, mais sur le moment, il est difficile d’en profiter », déclare Prugger.
L’invisibilité des mères est un autre thème, à la fois historique et contemporain. Aujourd’hui encore, de nombreuses femmes ont tendance à prendre des photos qui y figurent si rarement – et l’exposition enquête sur ce qui s’est passé aux débuts de la photographie. Les « cartes de visite » sont les premières photographies de studio, vaguement connues sous le nom de photographies mères cachées. « Il leur fallait tellement de temps pour développer ou exposer les photographies que les mères se cachaient derrière des vêtements ou des chaises et soulevaient les enfants pour obtenir une image précise », explique Prugger.
La dernière salle explore l’idée du départ et du laisser derrière soi. Une gamme d’images époustouflantes et diversifiées voit divers artistes rendre hommage à leurs mères. L’artiste conceptuelle française Sophie Calle utilise une girafe taxidermie dans son travail pour remplacer sa mère, récemment décédée.
L’artiste britannique David Hockney Ma mère dort 1982 est un collage tendre et poignant de sa mère âgée endormie ; il a été acquis pour ce spectacle.
© David Hockney
Les deux espaces suivants couvrent des idées autour de l’amour et de la perte. « Ce sont vraiment les œuvres les plus émouvantes et déchirantes qui parlent de la perte d’un enfant ou d’une mère, et qui mettent spécifiquement l’accent sur les histoires de la génération volée des Premières Nations », explique Prugger.
Des œuvres historiques sont également présentes partout, notamment Angoisse par August Friedrich Albrecht Schenck c. 1878, une œuvre emblématique et coup de coeur au salon de NGV International.
Bien qu’en Australie, une grossesse sur quatre se termine par une fausse couche, les conservateurs ont constaté qu’il n’y avait aucune œuvre dans la collection NGV illustrant cette expérience. Une série basée sur des collages de l’artiste américaine Joanne Leonard, réalisés à l’époque de sa fausse couche, a été acquise pour cette exposition.
Ces œuvres sont incroyablement viscérales, dit Prugger, qui est ravi de « présenter cette étonnante œuvre féministe, qui a toujours été censurée lors de sa première réalisation ».
Leonard a écrit à propos de son travail en 2008 qu ‘«il pourrait être difficile pour un lecteur contemporain d’apprécier à quel point il était inhabituel à cette époque de créer ou de faire accepter l’art sur un sujet intensément personnel comme la fausse couche». Écrire dans Être en images : un mémoire photo intime, elle a poursuivi : « les précédents artistiques qui existaient étaient largement inconnus ou rarement vus par les artistes de ma génération.
« Peu de temps après avoir terminé le journal des fausses couches, j’ai découvert les peintures de Frida Kahlo de 1934 sur sa propre fausse couche. J’ai ressenti un sentiment de connexion avec ce travail et de gratitude envers le mouvement des femmes nouvellement actif pour ses efforts visant à redonner aux femmes artistes disparues la place qui leur revient dans l’histoire. »
La dernière partie de MÈRE se tourne vers l’avenir : un héritage qui peut être transmis de la mère à l’enfant, qui, selon Prugger, comprend de nombreuses belles œuvres des Premières Nations qui reflètent le transfert de connaissances intergénérationnel. « Ces histoires réfléchissent beaucoup à ce qui s’est passé, à ce qui restera et à ce qui sera porté dans le futur. »
Le chagrin a incité Kate Just à évoluer du statut de peintre à celui de tricoteuse. Six mois après le début de ses cours d’art à Melbourne, son jeune frère est décédé et elle est rentrée chez elle aux États-Unis. Elle a trouvé sa mère assise sur le canapé en train de faire deux choses qu’elle ne l’avait jamais vue faire : fumer et tricoter.
Je me suis assise à côté de sa mère et j’ai appris à tricoter. « Nous étions dans un tel état de chagrin que pendant que j’apprenais, j’avais l’impression que l’on pouvait utiliser le tricot pour raconter toutes les histoires de perte, de douleur et de connexion des femmes. Ce serait le médium parfait parce que vous créez un tout nouveau monde avec ces boucles que vous créez », dit-elle. « C’était comme si nos mondes entiers s’effondraient. Mais boucle après boucle, vous créez cette toute nouvelle chose, donc c’est tout simplement très profond. Et puis je suis retourné à l’école d’art et je n’ai jamais fait une autre peinture. »
Il dit simplement que la façon dont elle a appris de sa mère « est la façon dont vous le feriez ancestralement.
« Dans presque toutes les cultures du monde, les femmes ont appris le métier auprès d’autres femmes, assises à leurs côtés, observant, essayant, se faisant corriger », dit-elle.
« Il n’y a pas nécessairement beaucoup de discussions verbales. Cela vous ancre vraiment dans une sorte de connexion si vous apprenez de cette façon, cela vous connecte simplement à toute cette lignée. »
est au Ian Potter Centre : NGV Australia du 27 mars au 12 juillet.