« Il y a des danseurs à la maison ce soir ? » demande-t-il en commençant à jouer un morceau optimiste Vous ne savez pas de son deuxième album, Bonne chose. Son corps bouge au rythme alors qu'il tient le micro, les pompons frangés de sa veste bougeant avec lui.
Parfois, Bridges passe d'une chanson à une autre sans s'arrêter. Il passe harmonieusement de l'ambiance country de Marielleun morceau avec de fréquents collaborateurs et son compatriote texan Khruangbin, sur les tons R'n'B de Vapeur hors troisième album Le son des chercheurs d’or.
Un point culminant équivoque est son interprétation de Rivièreune chanson présentée dans la bande originale de la série télévisée à succès De gros petits mensonges. Il ralentit encore plus la ballade gospel, créant du calme en faisant ressortir chaque note. Les harmonies des chœurs élèvent les foules vers les cieux, les hypnotisent.
Romançant la foule pendant près d'une heure et demie, Bridges constitue l'antidote parfait pour réchauffer une nuit d'été froide et morne à Melbourne.
Évalué par Vyshnavee Wijekumar
THÉÂTRE | MOYEN SOMME
Trente-six ★★★★
Par Jo Clifford et Bayley Turner, quarante-cinqescaliers, jusqu'au 2 février
Les inégalités crient à nos yeux sur le chemin de la vie. Ils semblent bien plus absurdes quand on considère la destination. Dans la mort, tous sont égaux, et même si trente-six Contient un memento mori élaboré, c'est aussi un témoignage puissant de l'expérience vécue de deux artistes trans, transfigurée par l'art théâtral en une pièce éclairante et profondément émouvante de performance personnelle, philosophique et politique.
Bayley Turner dans une scène de Trente-Six.Crédit: James Reiser
Bayley Turner s'est associée à Jo Clifford – l'artiste trans pionnière du Royaume-Uni, aujourd'hui âgée de 70 ans, qui a audacieusement réinventé le Messie en tant que femme trans dans L'Évangile selon Jésus, Reine du Ciel.
Celui-ci est une performance autobiographique – avec Turner sur scène et Clifford en voix off – agrémentée de méditations sur le deuil et le vieillissement ; éloges pour les perdus; une exploration sans peur des complexités de la transition ; et une incarnation de force et de solidarité face à la transphobie.
Si les personnes trans ont été particulièrement secouées par les récentes « guerres culturelles », cette émission vient d’un lieu de tranquillité méritée. Il est délivré de l'œil du cyclone.
Les réflexions de Turner partent du postulat morbide mais invérifiable selon lequel l'espérance de vie moyenne des femmes trans est de 36 ans. À 35 ans, sa relation à la mort et ses implications pour vivre une bonne vie semblent pressantes.

Certains éléments de conception brillants ajoutent un langage visuel et sonore sophistiqué au script.Crédit: James Reiser
La mort apparaît sous des formes fascinantes. Les parents qui pensent que leur fils ou leur fille est « décédé » lors de la transition. Ou Turner et Clifford fantasmant sur leurs propres funérailles lorsqu'ils étaient adolescents – l'un sans faste et cérémonie, l'autre avec toutes les cloches et les sifflets – devinant une vérité émotionnelle réalisée bien plus tard : « Si vous ne pouvez pas être celui que vous savez être, autant le faire. être mort.
Il y a des histoires sur la façon dont les gens qu'ils ont connus font face à la mort : sans surprise, les bigots et les effrayés vivent des moments pires que ceux qui acceptent et sont pleins d'amour.
Turner livre des observations émotionnellement intelligentes avec du charisme, de l'irrévérence et une sorte d'intensité sereine qui peut se transformer en turbulence face à des souvenirs conflictuels ou en rage face à l'injustice.
Le réalisateur Kitan Petkovski guide avec sensibilité la qualité incarnée et essayiste de la pièce.
Certains éléments de conception brillants ajoutent un langage visuel et sonore sophistiqué au scénario, de la vidéo en gros plan (célébrant de près un corps vieillissant, entre autres choses) à la présence spectrale de la chanteuse Alexandra Amerides derrière un canevas translucide. Amerides a une voix obsédante, élevée en élégie, et à certains moments, le spectacle brouille le timbre vocal, grâce à la manipulation électronique, à travers tout binaire de genre préconçu.
On nous le rappelle trente-six que les personnes de genre divers ont été considérées dans certaines cultures et périodes historiques comme sacrées – parfois dotées de pouvoirs de perspicacité que d’autres ne possédaient pas. Ce qui s'est passé? Comment pouvons-nous passer à un monde plus juste ? Vous confronterez ces deux questions dans cette pièce magnifique et éclairante.
Évalué par Cameron Woodhead
DANSE
Codé : Une nuit de narration queer ★★
Couvent d'Abbotsford, jusqu'au 25 janvier
La narration queer prospère en brisant les codes : en piratant des systèmes de sens rigides et en ouvrant de nouvelles possibilités narratives pour l'exploration de l'identité et du désir et de tout ce qui est non conventionnel et fluide.

Coded rassemble trois courtes œuvres dans le cadre du Midsumma Festival.Crédit: Joseph Mayers Photographie
Le risque, bien sûr, est l’informe, un manque de structure qui aliène plutôt qu’intrigue. Subvertir les conventions narratives peut être libérateur, mais les résultats peuvent aussi être assez lourds.
Ce programme de trois courtes pièces de la chorégraphe Amelia Jean O'Leary, présenté dans le cadre du Midsumma Festival, n'échappe pas totalement au piège du flou. Son style abstrait et pensif est difficile à engager malgré des images fortes.
Le premier morceau, cependant, en duo, est relativement efficace, avec une ligne narrative forte et un style distinctif. Les costumes noirs d'inspiration vintage établissent une esthétique pointue, tandis que des gestes clairs et communicatifs fondent la performance et retiennent notre attention.
Une note détaillée dans le programme révèle cette vignette comme une histoire Gamilaroi de deux sœurs émeu. L'une est rejetée par sa communauté et se venge en allumant des feux. La clé d'interprétation ajoute de la profondeur aux mouvements les plus évocateurs de la pièce, comme l'image finale des sœurs ensemble, les bras levés, baignés d'une lueur rouge.
Le deuxième morceau, un trio en blanc, est plus obscur. Il a un thème aquatique mais souffre, peut-être, de trop de flux et de reflux, de trop de dérives et de flottements. Et les trois interprètes semblent trop souvent se trouver dans des mondes séparés.
La dernière pièce de groupe, mettant en vedette six cowgirls sensuelles en T-shirts et sous-vêtements, explore le désir et le découragement mais lutte également pour la cohérence. Même avec les notes de programme, ces deux derniers morceaux sont difficiles à suivre et encore plus difficiles à apprécier, laissant le public à la dérive.
Le travail d'O'Leary s'efforce de créer un espace entre les subjectivités personnelles et oppositionnelles, entre son identité d'artiste queer et de conteuse des Premières Nations. Ici, alors qu’elle vise à provoquer et à contester, le caractère insaisissable de l’œuvre s’avère trop difficile.
Évalué par Andrew Fuhrmann