THÉÂTRE
Perdre la face ★★
Melbourne Theatre Company, Southbank Theatre, jusqu’au 25 juillet
Présenté comme « une période de périménopause Week-end chez Bernie», celle de Marieke Hardy Perdre la face devrait être plus drôle et plus édifiant qu’il ne l’est. Et avec le don bien connu de Hardy pour les plaisanteries piquantes, la conception de production intelligente et la richesse du talent comique dans le casting, c’est une déception.
Le scénario initial ressemble à une intrigue secondaire de Le Lotus Blanc plus que Week-end chez Bernie.
L’écrivain de voyage Jo (Michala Banas) fête ses 50 ans.
Pour fêter ça, elle réserve un séjour dans un centre de bien-être exclusif avec ses deux amies les plus âgées – la mère harcelée Lauren (Christie Whelan Browne) et la lesbienne géniale Simone (Madeleine Sami) – et il ne faut pas longtemps avant qu’elles lancent des bombes nostalgiques de la génération X, se régalant des débauches et des aventures de leur jeunesse mal dépensée.
Se régaler se transforme vite en revivre : les femmes abandonnent les traitements de relaxation et les injections de collagène pour une nuit endiablée et droguée en ville.
Mais avant que cela n’arrive, l’aspect effrayant de la station se fait sentir. Il est dirigé par un gourou du biohacking avec un accent idiot (Wil King), aux côtés de son acolyte infirmière juge (Genevieve Morris), et les trois femmes subissent des pressions pour subir une chirurgie esthétique défiant la gravité.
Lorsqu’un désastre survient et qu’un grotesque prolongé et croissant se dévoile, un secret que Jo cachait est révélé, et la pièce tente d’actionner un interrupteur de Week-end chez Bernie à un authentique larmoyant, d’une manière qui semble complètement imméritée.
Les scènes établissant une amitié féminine à travers une conversation intime offrent certains des meilleurs acteurs. Banas, Sami et Whelan Browne apportent tous de la chimie au mélange, mais ils ne peuvent pas faire grand-chose contre la superficialité de la caractérisation, ou la gestion désinvolte de la politique de genre – des questions d’image corporelle aux inégalités liées au vieillissement – que la pièce soulève.
King chorégraphie un narcissisme clownesque dans le méchant pantomime, et Morris passe des moments amusants. Aucun des deux personnages ne fait grand-chose pour faire avancer l’intrigue ou pour créer un véritable conflit dramatique, et bien que le hokum de l’industrie du bien-être soit vaguement moqué, il n’est pas fortement satirisé.
Perdre la face renifle également dans la direction d’une comédie d’horreur (incroyablement ringarde), avant de revenir au sentiment. Ce dernier changement contraste terriblement avec la vision comique essentiellement nihiliste de Hardy et avec l’excitation que les extrusions d’humour les plus scandaleuses et puériles de la pièce semblent conçues pour provoquer.
Je pense Perdre la face pourrait être mieux apprécié par le public de la génération X comme un plaisir coupable. Nous obtenons toutes les pierres de touche et références culturelles, et pourrions être plus indulgents envers une pièce qui, assez souvent, ressemble plus à une crise de la quarantaine en direct qu’à une œuvre d’art dramatique.
Mais dans l’ensemble, c’est une occasion manquée, étant donné que la comédie féministe se cache derrière certains de nos meilleurs théâtres contemporains.
Évalué par Cameron Woodhead
THÉÂTRE
MR BIG alias Tatay, une femme trans et cette mélodie fatigante ! ★★★★
quarante-cinq en bas, jusqu’au 5 juillet
Si M. BIG Le titre complet est une bouchée, c’est au moins une synthèse succincte de tout ce que vous devez savoir sur cette œuvre théâtrale.
Les refrains discordants du tube de Mr Big de 1991 Être avec toi résonnent au hasard alors que deux personnes sont hantées par ses strophes : Tatay (Trevor Santos), un patriarche traditionnel qui tente de donner un sens à sa place dans sa famille nucléaire et aux changements que subit son fils Dion (Ken Paolo) dans les années 1990 à Manille, et Diana (Dax Carnay-Hanrahan), une femme trans philippine en train de planifier les funérailles de son père et sa fête de fiançailles dans l’actuelle Melbourne.
M. GRAND traverse le temps et l’espace pour tisser un lien indéniable entre ces deux personnes, chacune piégée dans son incapacité à affronter la source de sa douleur la plus profonde et à avancer. Un coureur de jupons, Tatay est le lieu du péché originel ; ses faiblesses, ses faiblesses et ses échecs sont hérités par Diana dans un tourbillon de traumatismes intergénérationnels et de douleur non résolue qui transcende les continents, l’éloignement et, finalement, la mort.
Simultanément, le dramaturge et acteur principal Carnay-Hanrahan a conçu une pièce vaste et élégiaque qui évite la linéarité pour explorer l’héritage de la perte, la « dette de Sisyphe » assumée par les migrants et le tribut de la survie. Ce qui ne veut rien dire à quel point c’est drôle.
Joyeusement bilingue puisqu’elle alterne entre l’anglais et le tagalog – les cris du juron putangina sont multiples – la pièce oscille harmonieusement entre des moments d’immense pathos et un humour de potence d’une drôlerie déchirante. La pièce regorge de répliques mémorables, mises notamment en avant par la force comique de la nature Ayril Borce, qui incarne à la fois Tito (le meilleur ami de Tatay) et Alfie (le meilleur ami de Diana) avec le plus grand apparat et la plus grande gaieté.
Le casting entièrement philippin est irréprochable. Santos apporte une vulnérabilité attachante au personnage décrié de Tatay, l’empêchant de se transformer en une caricature crapuleuse. Paolo est touchant en tant que jeune homme queer chargé d’une responsabilité qui dépasse de loin son âge, et Anna Buenaseda brille en tant que Nanay maternelle à travers deux chronologies. Aiden Gale Miranda se penche sur la comédie du petit fiancé de Diana, Jerry, tout en se montrant à la hauteur dans les moments dramatiques, tandis que Carnay-Hanrahan perfectionne l’acte de jonglerie d’une femme au bord de sa fin éternellement heureuse si les tentacules du traumatisme passé ne la renversent pas.
Sous la direction de Beng Oh, les restrictions du temps et de l’espace s’effondrent à mesure que les personnages habitent la même plaine, prouvant que la vie vécue dans nos têtes est aussi réelle que celle qui se déroule à l’extérieur de nous. Dans une scène particulièrement palpitante où Diana recrée les erreurs du passé de Tatay, nous assistons à deux chronologies se déroulant simultanément alors que les personnages se font écho, se projettent et se canalisent à travers des décennies.
Tout se dévoile autour d’une simple table à manger. L’ensemble minimaliste de Christina Logan-Bell est surmonté d’un rideau vaporeux qui imite à la fois les limites du conformisme à travers une image projetée de la banlieue et agit comme un mince placage séparant les vivants des morts.
Si certaines révélations capitales, qui n’ont accordé que peu de temps d’antenne au-delà de leur divulgation, semblent superflues par rapport à l’histoire principale qui se déroule, ce n’est qu’un problème mineur. Que M. GRAND patauger en territoire familier tout en restant embourbé dans les hyper-spécificités de l’expérience trans des migrants philippins et rester fidèle à cette histoire très particulière témoigne de sa singularité en tant que pièce de théâtre.
Évalué par Sonia Nair
Sonia Nair contribue à The Age et Good Food.