Studio, Opéra, 16 septembre. Jusqu’au 19 septembre
Dans la biographie de danse moderne la plus authentique que vous ayez jamais lue, Lewis Major se décrit comme un tondeur de moutons entreprenant devenu chorégraphe primé. « Il est le seul artiste de danse dont il ait jamais entendu parler », plaisante sa biographie, « qui peut garer un tracteur en parallèle en marche arrière ».
J’étais un peu découragé qu’il n’y ait ni moutons ni tracteurs pour la saison de l’Opéra de Lewis Major Projects. Malgré son nom, il contient quatre segments de trois œuvres primées, aux noms taquins et interprétés par quatre danseurs sculpturaux.
Major a été encadré par le chorégraphe britannique Russell Maliphant et le concepteur d’éclairage Michael Hulls. Ici, il rend la lumière fantastique en s’associant au concepteur d’éclairage primé Fausto Brusamolino pour et – l’éclairage devenant un joyau cinq étoiles.
Des faisceaux lumineux pivotants, des pyramides brillantes, des particules oscillantes et des lasers oscillants constituent tous une boîte à outils de conception d’éclairage magique : enfermant les danseurs, fendant l’air et pulsant sur le sol. Le temps est ralenti et accéléré à mesure que la lumière traverse l’espace de représentation, avant que cet espace ne se fonde dans une course effrénée sur un tapis roulant vertigineux de rayons lumineux au sol. Il ne s’agit pas d’un festival laser criard – l’éclairage est principalement blanc sur fond noir – mais si vif qu’il expose sa propre personnalité espiègle, s’annonçant comme la cinquième présence scénique aux côtés des danseurs de Major.
La chorégraphie elle-même s’appuie fortement sur la lumière pour créer de la complexité et sculpter les corps des danseurs. est la plus réussie : trois danseurs en tenue noire prennent des poses tandis que des prismes lumineux futuristes montent et descendent autour d’eux. L’ambiance est austère, comme un panthéon de dieux de marbre.
L’éclairage de est encore plus cinétique – dans une scène, un danseur semble en équilibre comme un gymnaste sur un faisceau de lumière en rotation – mais la chorégraphie est gonflée. Une vignette de clôture intime, avec les danseurs se déshabillant jusqu’à leurs sous-vêtements, tend vers une vulnérabilité qu’elle ne mérite jamais.
commence par une peinture corporelle énigmatique avant de passer à un duo. La partition est une lamentation musicale sacrée enthousiasmante de , le groupe entièrement masculin spécialisé dans la polyphonie corse, une tradition chantée du XVe siècle presque perdue de manière irrécupérable dans les années 1970, pour ressusciter comme une marque du mouvement séparatiste corse. La profondeur de la musique ancienne dépasse le duo qui, gêné par des prises incertaines et des transferts de poids laborieux, semble immature en comparaison. C’est comme si la chorégraphie tentait un raccourci en empruntant la gravité numineuse de la musique, mais sans trouver un langage gestuel à la hauteur du poids historique et spirituel de la musique.
s’appuie sur l’utilisation théâtrale de poudre de couleur ocre pour donner un intérêt visuel à une lente série de pirouettes. Cela peut évoquer du déjà-vu pour les observateurs de danse de Sydney familiers avec le Bangarra Dance Theatre : l’effet semble familier plutôt que révélateur.
Bien que les danseurs soient forts et les formes belles, – avec son rythme majestueux et ses poses répétées et persistantes – n’atteint jamais vraiment une profondeur chorégraphique mature. En fin de compte, c’est son éclairage qui fait le gros du travail.