Ce qui rend une œuvre d’art scandaleuse change avec le temps. Jackson Pollock Poteaux bleus a provoqué un tollé lorsqu’il a été acheté par la National Gallery Australia pour 1,3 million de dollars en 1973, le montant le plus élevé jamais payé à l’époque pour un tableau américain. En 2023, la NGA l’a évalué à plus de 500 millions de dollars, mais pour l’Australie, c’est un trésor inestimable.
Pour notre série d’été, nous avons demandé à des galeries de tout l’État de désigner les objets les plus controversés de leurs collections, dénichant ainsi un éventail d’étranges et de merveilleux.
Lauren Ellis, responsable de la conservation, Bendigo Art Gallery
La jeune famille (2002-03) a été créée par Patricia Piccinini pour sa présentation solo au pavillon australien de la 50e Biennale de Venise en 2003. L’œuvre représente une mère chimère homme-cochon épuisée allaitant ses bébés espiègles, des créatures conçues par des humains pour cultiver des organes destinés à des greffes humaines. C’est cette œuvre qui a rehaussé le profil international de Piccinini, alors que le public était aux prises non seulement avec les questions éthiques qu’elle soulevait, mais aussi avec les réactions viscérales qu’elle déclenchait.
La Jeune Famille de Patricia Piccinini (2002-03).Crédit: Galerie d’art de Bendigo
Lors de son acquisition par Bendigo Art Gallery, une lettre de plainte adressée à la directrice de l’époque, Karen Quinlan, l’a décrit comme une « monstruosité ». Ces créatures étranges sont certainement source de division : déconcertantes pour certains, adorables et identifiables pour d’autres. Les attitudes sociales à l’égard du corps ont radicalement changé depuis la création de l’œuvre. Divers mouvements militants ont contesté la diffamation des organismes non normatifs. D’un autre côté, les détails réalistes des taches de rousseur, des rides, des pores et des poils provoquent des réactions physiques encore plus fortes dans le monde actuel du botox et du dermaplaning.
Au moment de sa création, beaucoup de relégués La jeune famille au domaine de la science-fiction. Moins de deux décennies plus tard, en 2017, les premiers embryons humains-porcs ont été créés en Californie, rendant le dilemme moral au cœur de ce travail plus pertinent que jamais.
Suzette Wearne, conservatrice principale, McClelland Sculpture Park + Gallery
En 2015, un énorme nain scintillant en acier inoxydable a été installé sur un site bien en vue à côté de l’autoroute Peninsula Link à Frankston, dans le sud-est de Melbourne.
Les premières réactions de la communauté allaient de l’admiration et de l’émerveillement à la confusion et à l’aversion intense. Les pages Facebook publiques couvrant tout ce qui concerne Frankston sont devenues un espace sûr permettant aux résidents de faire des commentaires curieusement mesquins sur les travaux. Beaucoup étaient exaspérés par ce qu’ils considéraient comme une dépense extravagante et inutile.
par Gregor Kregar.Crédit: Marc Ashkanasy
Berceuse réfléchissante de l’artiste néo-zélandais d’origine slovène Gregor Kregar a été la première des commandes Southern Way McClelland, un programme qui a positionné la péninsule de Mornington sur la carte de l’art public et de la sculpture contemporaine au niveau international. McClelland a pu commander six sculptures emblématiques grâce à ce programme, qui se poursuivra jusqu’en 2037.
Au moment où l’œuvre de Kregar a été transférée dans sa demeure permanente du parc de sculptures McClelland en 2023, elle s’était forgée une place indélébile dans le cœur et l’esprit de la communauté locale et portait le surnom de « Frankie ». Les pages Facebook sont devenues un espace sûr où les gens peuvent pleurer ensemble la perte d’un personnage qui était devenu un point de repère dans leur trajet et, pour certains, synonyme de chez-soi. Certains ont été indignés par le « vol » effronté de l’icône populaire par McClelland.
À McClelland, lorsque le temps le permet, Frankie se camoufle paradoxalement : sa surface semblable à un miroir ne reflète que les eucalyptus qui l’entourent. C’est, comme l’artiste l’a voulu, à la fois ridicule et sublime.
Danny Lacy, directeur artistique, Shepparton Art Museum
Il y a une certaine mystique dans les anges de John Perceval, y compris mon choix, Ange délinquant. Nous en avons trois dans la collection et ce sont en quelque sorte des petites créatures assez laides, un goût presque acquis car elles sont étonnamment crues, chacune avec sa propre personnalité ; tous sont très différents, étranges et obscurs. En fait, je les aime, mais chacun a une réaction différente – notre responsable des expositions n’aime pas beaucoup l’un d’entre eux, donc même au sein du personnel de la galerie, nous y réagissons tous de manière très différente.
Détail de Delinquent Angel (1961) de John Perceval. Crédit: Musée d’art de Shepparton
Nous avions Ange délinquant a été à nouveau exposé récemment et les gens en ont été très fascinés. Il a été réalisé au début des années 60, donc beaucoup de temps s’est écoulé depuis. Ce sont de très beaux objets avec cette mystique qui les entoure.
C’est ça la beauté des sculptures, elles sont assez diaboliques d’une certaine manière – surtout Ange délinquantil a cette étonnante glaçure rouge et cuivre, ce n’est pas votre vision traditionnelle de ce que pourrait être un ange. Je pense que tous ceux qui ont des enfants en bas âge y réagissent probablement très bien ! Ils ont une vraie personnalité, même s’ils sont de taille modeste, et occupent plus d’espace visuel et de tête que leur taille. Nous les montrons toujours avec beaucoup d’espace physique autour d’eux.
Ces pièces soulèvent des questions sur ce qu’est le bon art, quelle valeur lui accordez-vous ? Ange délinquant est l’une des œuvres les plus précieuses de la collection, à tel point qu’elle fut pendant un certain temps le logo de la galerie. La pièce a suscité des réactions mitigées lorsqu’elle a été acquise en 1976 par le réalisateur de l’époque, Peter Timms. Des coupures de presse montrent qu’un conseiller était indigné par le fait que la galerie avait dépensé 2 700 $ pour « un morceau de 10 pouces ».
C’est un signe intéressant des temps. Timms était extrêmement respecté et entretenait d’excellentes relations avec les artistes et les galeries. Il y a eu quelques réticences de la part de la communauté en faveur de l’acquisition.
Stephanie Sacco, conservatrice des collections, Mornington Peninsula Regional Gallery
par D Harding, un artiste Bidjara, Ghungalu et Garingbal, a remporté le prix biennal de la Mornington Peninsula Regional Gallery, en 2024.
L’un des principaux prix d’art du pays et l’une des expositions les plus populaires du calendrier de la galerie célèbre le dynamisme des artistes contemporains australiens travaillant avec le papier comme support de prédilection.
(Potentiellement) assez de peinture corporelle pour trois danseurs, de D Harding, a remporté le prix National Works on Paper en 2024.Crédit: MPRG
L’œuvre gagnante a suscité un débat parmi les visiteurs de la galerie. On peut facilement le percevoir comme une simple peinture blanche sur une grande feuille de papier une fois pliée. Cependant, sa force réside dans sa simplicité.
Comme le titre l’indique, le papier contient une quantité approximative de peinture corporelle que trois danseurs pourraient réhumidifier et utiliser pour peindre leur corps.
Lors de la sélection du gagnant, les juges ont applaudi l’utilisation intelligente du papier par Harding, le rendant actif, porteur du pays, de la culture, des rituels et des gens. est une intersection magistrale entre la richesse et la profondeur de la culture continue la plus ancienne du monde et la relative nouveauté de la culture contemporaine.
fait partie de la Mornington Peninsula Regional Gallery jusqu’au 15 février. Les candidatures pour 2026 ouvrent le 2 février.
Lisa Sullivan, directrice adjointe (conservation), Galerie Geelong
« Je déteste vraiment Collingwood. » « Je voterais pour Trump. »
Controversé? Scandaleux? Sincère? Ou humoristique ? Quelle que soit votre position, ce ne sont là que quelques-unes des 106 révélations qui éclairent celle de Richard Lewer (2024) : une installation à plusieurs panneaux récemment acquise par la Geelong Gallery et actuellement exposée dans l’exposition personnelle de l’artiste, . Le titre de l’exposition est la propre confession de Lewer.
Confessions (2024) de Richard Lewer.Crédit: Andrew Curtis
L’œuvre a été créée dans le cadre d’un projet participatif à la Triennale de la National Gallery of Victoria début 2024, où les confessions personnelles des visiteurs ont été entendues par Lewer puis peintes sur des panneaux perforés : un clin d’œil matériel au stand confessionnel de son église d’enfance à Hamilton, en Nouvelle-Zélande.
Les 104 confessions supplémentaires peuvent être consultées aux côtés d’autres œuvres révélant l’intérêt de Lewer pour la religion, notamment des interprétations de Chemin de Croix, Sept péchés capitaux et Le jugement dernier.
Et bien que l’Église catholique soit en proie à des controverses et à des scandales, ce n’est pas là l’objet de la réponse créative de Lewer au système de foi dans lequel il a été élevé. Comme il l’a dit : « La religion, avec toutes ses histoires et ses rituels, m’a toujours intrigué. Pas tant pour la doctrine, mais pour son potentiel à façonner le comportement humain, offrant une sorte de guide moral, un ensemble de règles sur la façon dont nous pourrions vivre plus consciemment. »
est à la Geelong Gallery jusqu’au 1er mars.
Cressida Goddard, registraire, City of Melbourne Art & Heritage Collection
Pendant la Seconde Guerre mondiale, un grand nombre de soldats américains sont venus à Melbourne et il y a donc eu (vraisemblablement) beaucoup de méchancetés. Au début de 1942, Melbourne était le quartier général initial de l’effort militaire allié dans le sud-ouest du Pacifique et accueillait plus de 30 000 soldats américains.
Cette affiche porte une petite note en haut disant : « Pour exposition dans les bordels uniquement » et était une tentative de réduire les maladies vénériennes. Le visage de la femme ressemble beaucoup à celui de la femme des matchs des Redheads.
L’affiche « Ne prenez pas de risques, abatteur », datant du début des années 1940, fait partie de la collection d’art et de patrimoine de la ville de Melbourne.Crédit: Ville de Melbourne
Nous ne savons rien de l’artiste. Normalement, le nom de l’imprimeur serait inclus au bas de l’affiche, mais il n’y a rien là-bas. Peut-être qu’ils ne voulaient pas être associés à ce genre de contenu.
En 2010, il y a eu une exposition à la City Gallery de l’hôtel de ville de Melbourne, intitulée et l’affiche présentée dans cette exposition.
Il y a 16 salles dans la collection de la ville de Melbourne – dont Moomba, Street Art, Public Art, Photography, Contemporary art, Artworks by Aborigènes – et puis nous avons une salle des marginaux, qui comprend divers objets liés à Melbourne et celle où se trouve l’affiche, derrière la porte. C’est comme si c’était dans le coin des vilains.
Si vous regardez attentivement, vous pouvez voir les plis, comme si quelqu’un l’avait plié et peut-être caché.
Des visites guidées de la boutique Art and Heritage Collection de l’hôtel de ville de Melbourne ont lieu à 14h30 le lundi et du mercredi au vendredi (hors jours fériés). Entrée gratuite mais réservation indispensable. Voir citycollection.melbourne.vic.gov.au