Année du Coq à quarante-cinq ans en bas ; Mary Motorhead/Commerce au Malthouse Theatre

THÉÂTRE
Année du Coq ★★★★
quarante-cinqen bas, jusqu’au 22 mars

Le collectif d’artistes indépendants Spinning Plates Co a fait sensation avec ce qui est désormais connu sous le nom de The Beast Trilogy. La compagnie a débuté avec une adaptation mordante de la satire bureaucratique de Dostoïevski, Le crocodile (2023), et s’est poursuivi à travers une version bouffon du classique du théâtre absurde, Rhinocéros (2024). Maintenant le dernier volet, celui d’Olivia Dufault L’année du Coqmonte sur scène dans un combat de coqs aux proportions épiques.

Vous avez bien lu. C’est une pièce sur les combats de coqs. Le héros, Gil (Jessica Stanley), est une corvée peu aimable dans un McDonald’s d’Oklahoma. Il vit toujours avec sa mère handicapée (Natasha Herbert) et est régulièrement émasculé par une patronne (AYA) obsédée par le cosplay de Disney. Jusqu’ici, tout va bien.

Mais Gil a un plan farfelu pour passer du statut de mâle oméga à celui de mâle alpha. Il élève un coq monstre nommé Odysseus Rex (Zachary Pidd) qu’il a rempli d’roïdes, nourri de nuggets de poulet et transformé en gâteau de bœuf grâce à un entraînement quotidien.

Ulysse est une machine à tuer. Sera-ce suffisant pour vaincre le champion en titre – un assassin aveugle de coq, élevé par le méprisable imprésario des combats de coqs, Dickie Thimble (James Cerché) ? Et Gil sera-t-il enfin respecté s’il possède la plus grosse bite de la ville ?

Eh bien, la pièce pourrait techniquement faire un clin d’œil à l’épopée homérique, mais c’est le ridicule, plutôt que le sublime, qui domine dans cette satire surdimensionnée de la masculinité et de McMisery dans l’Amérique contemporaine.

La réalisatrice Alexandra Aldrich pousse l’action à éclater avec une caricature de genre grotesque, et avec les costumes scandaleux de Dann Barber, le spectacle se pavane et se pavane avec une joie vicieuse dans un camp de démantèlement des manosphères trompeuses qui sous-tendent Trump 2.0.

C’est plus proche de la comédie subversive du dégoût dans Taylor Mac’s Hirou encore l’opéra futuriste russe Victoire sur le soleilque pour tout ce qui se passe chez Homère. La seule chose mythique ici est le niveau de comédie atteint par le casting.

Les performances révèlent avec une hilarité douloureuse le pouvoir déshumanisant du patriarcat : Pidd incarne un poulet tueur tourmenté dans une combinaison musclée hyper musclée, armé de couteaux Rambo, comme s’il s’agissait du rôle de sa vie.

Stanley gagne en tant que malheureux perdant héroïque au centre de la pièce, et Cerché est brillant d’une manière horrible en tant qu’ennemi misogyne visqueux – avec une dent en or, un chapeau de cowboy noir et une énorme braguette ornée de strass. Et AYA et Natasha Herbert se délectent de visions toxiques de la féminité.

Une scène de sexe avec un poulet – mettant en scène AYA comme un spécimen hyper-féminin et criblé d’hormones élevé dans une ferme McDonald’s – est une parodie de genre si absurde qu’il s’est avéré impossible pour quiconque dans la pièce de garder un visage impassible.

C’est un théâtre inoubliable et une conclusion sauvage et hideusement stylée à un projet à juste titre acclamé. J’ai hâte de découvrir ce que fera ensuite cette entreprise.
Évalué par Cameron Woodhead

OPÉRA
Mary Motorhead/Commerce ★★★★
Théâtre de la Malterie, jusqu’au 13 mars

Le matin de la première australienne de Mary Motorhead/TradAujourd’hui, les chanteurs d’opéra du monde entier se sont réveillés avec une discorde inattendue de la part de l’un des plus grands noms d’Hollywood.

Timothée Chalamet, lors d’une conversation avec son collègue acteur Matthew McConaughey, a déclaré qu’il ne voulait pas travailler dans « du ballet ou de l’opéra où l’on se dit : « Hé, garde cette chose en vie, même si personne ne s’en soucie plus ». Attention aux casques à cornes : des chanteurs d’opéra et des compagnies sont sortis en fanfare, des milliers de messages et de vidéos ont rempli les réseaux sociaux montrant des salles combles de protestations dénonçant les commentaires de Chalamet.

Ce double programme irlandais de la compositrice Emma O’Halloran est à peu près aussi loin des perruques poudrées et des sopranos hurlantes de l’imagination de Chalamet que possible.

Tête de moteur est un one-woman show de 30 minutes, qui se déroule dans un endroit que les Dublinois appellent sardoniquement « The Joy », la prison de Mountjoy, où nous entendons la triste histoire d’une jeune femme sur la façon dont elle a fini par poignarder son petit ami à la tête. Commerce se concentre sur une relation transactionnelle entre un homme plus âgé et un homme plus jeune, qui se rencontrent pour des relations sexuelles dans une chambre d’hôtel miteuse. Les deux opéras étaient à l’origine des pièces de l’oncle du compositeur, Mark O’Halloran.

Entre le sujet, la proximité des interprètes et de l’ensemble de chambre amplifié (y compris électronique), l’intensité ne faiblit jamais. Il n’y a aucune tentative de légèreté, chaque personnage traverse un passé profondément troublant, arrivant à un sommet de rage explosive ou de douleur aiguë.

L’Australian Contemporary Opera Company a réuni un trio de chanteurs entièrement australiens pour chacun de ces rôles extrêmement difficiles aux accents irlandais. C’est un texte inconstant à comprendre, avec ses voyelles larges et fines distinctives, et il était incohérent dans tous les domaines.

Emily Edmonds commande dans le rôle de Mary désarticulée. Le moment culminant où elle s’exclame qu’elle « l’a ouvert » est ressenti viscéralement. Malgré la fureur implacable de Mary, le mezzo magnifiquement uniforme et coloré d’Edmonds brillait toujours, bien que dans des explosions sauvages.

Le ténor Callum McGing dans le rôle de Younger Man a beaucoup de lignes d’un seul mot, bien qu’il tire le meilleur parti d’une brillante qualité de contre-ténor qu’il possède lorsqu’on lui en donne l’occasion. Son insécurité et son désarroi étaient tout à fait crédibles.

Le baryton chevronné Christopher Hillier donne la performance de sa carrière dans le rôle d’Older Man. C’est un chanteur avec une maîtrise suprême de sa voix ; tantôt froid et sombre, évoquant alors chez d’autres une mélancolie brunie ou une fragilité désespérée. La scène se déroule d’une manière profondément troublante ; Hillier était visiblement épuisé quand ce fut enfin fini. C’était épuisant rien que de le regarder.

La chef d’orchestre irlandaise Elaine Kelly a maintenant créé ces œuvres sur trois continents, et sa main experte tisse harmonieusement la techno avec un ensemble de chambre, notamment du saxophone et de la guitare électrique. Les partitions d’O’Halloran sont un coup d’éclat pour l’opéra contemporain.

Mozart n’est peut-être pas pour notre acteur motormouth susmentionné, peut-être que quelqu’un pourrait le convaincre d’essayer Marie Motorhead plutôt.
Évalué parBridget Davies