«Alors que Hogan semblait être en mesure d’obtenir n’importe quel projet favori qu’il aimait, refusant volontiers les autres», écrit-il, «les écrivains, acteurs et réalisateurs des Premières Nations en Australie ont eu du mal à faire décoller même les plus petites productions à grande échelle… La rareté de Les films australiens du XXe siècle peuvent faire passer l’Australie pour une victime – blessée par les impositions d’Hollywood – mais c’était aussi un auteur.
Cependant, son aversion palpable pour Errol Flynn submerge son profil d’acteur, suintant à travers chaque adjectif qu’il déploie. Comme la plupart des récits l’indiquent, Flynn n’était pas un saint et Twyford-Moore se concentre sur son abus d’alcool, sa notoriété de coureur de jupons et son implication présumée dans la traite des esclaves pendant son séjour en Papouasie-Nouvelle-Guinée. Son objectif est d’établir comment les « excès et droits de Flynn racontent une partie d’une plus grande histoire de l’Australie au XXe siècle et ce que nous nous sommes permis de nous en sortir ».
Cependant, il semble déterminé à ne pas prendre au sérieux les aspirations de Flynn ou sa place culturelle, motivé autant par une hostilité envers le refus perçu de l’acteur de reconnaître son pays d’origine – son «Australie ignorée» – que l’un de ses défauts de caractère.
David Gulpilil tel qu’il apparaît dans le film Walkabout. Twford-Moore dit que les limites dans lesquelles il a été contraint d’opérer et sa rencontre avec Paul Hogan ont jeté une ombre sur le traitement réservé aux Australiens autochtones par l’ensemble de l’industrie.Crédit:
Ce qui est ignoré dans le processus, c’est que le personnage d’écran ludique et badin de Flynn et le sourire espiègle qui n’est jamais loin portent avec eux quelque chose d’essentiellement australien. Ils donnent l’impression que beaucoup de ses personnages non seulement se moquent des autres, mais se moquent doucement d’eux-mêmes en même temps. C’est une qualité qui transcende tout accent attaché à ses rôles et, de manière inattendue, le relie à Hogan.
Alors que Twyford-Moore montre une tendance consternante à un désinvolture sarcastique – l’acteur Peter Lawford qui a visité l’Australie pour Kangourou (1952) est réduit au « joli beau-frère de JFK » ; La dernière vague (1977) est rejeté comme « le deuxième effort de (Peter) Weir » – il est beaucoup plus respectueux de Finch et Kidman que de Flynn. Les conclusions auxquelles il parvient sur ce que leurs carrières suggèrent sur l’Australie sont un peu trop faciles, fondées sur de larges généralisations plutôt que sur des considérations détaillées. Mais ils offrent également des contextes utiles pour y réfléchir.
Peter Finch comme Alec Windom et Mary Ure comme Lee Windom dans Windom’s Way. L’arc de la carrière de Finch était-il une conséquence du fait d’être australien à un moment donné ?Crédit:
Situant les débuts de Finch à une époque d’activité artistique fébrile impliquant des gens comme le romancier Patrick White, l’architecte Harry Seidler et l’artiste William Dobell, il se demande si l’arc de sa carrière « pourrait avoir à voir avec le fait qu’il soit australien ; regardant, comme cette nation nerveuse l’a souvent fait, vers l’Amérique et la Grande-Bretagne pour guider et accorder l’estime de soi ».
Kidman ressemble plus au petit nouveau du quartier qu’au vétéran énervé d’une génération précédente. Son arrivée sur la scène, nous rappelle Twyford-Moore, s’est produite à une époque où les films individuels étaient écartés des projecteurs alors que « les célébrités qu’ils produisaient devenaient la forme de divertissement préférée ».
Et, propose-t-il, son ascension à Hollywood, avec celle de Baz Luhrmann, « était depuis longtemps liée à la confiance croissante de Sydney sur la scène mondiale » après avoir remporté les droits d’accueillir les Jeux olympiques de 2000, suggérant même que Moulin Rouge! (2001) parle « autant de Sydney qui se célèbre en 1999, au tournant du nouveau millénaire, que de Paris en 1899 ».
Les histoires précédentes du cinéma australien et de sa signification culturelle ont été régulièrement construites autour du travail des réalisateurs ou se sont concentrées sur la façon dont Hollywood a fait sortir la vie de l’industrie au cours de la première moitié du 20e siècle. Twyford-Moore se propose d’examiner tout cela à travers un filtre différent. Dans sa manière délabrée, son livre est aventureux, éminemment lisible et souvent perspicace, mais il n’est jamais vraiment cohérent dans son ensemble.
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