Des expositions sur les expériences de la maternité à la précarité mondiale, en passant par une exposition qui plonge dans l’esprit de nos amis félins, voici les expositions à ne pas manquer en 2026.
TARRAWARRA INTERNATIONAL 2026 : LIBÉRATION DU SYSTÈME
Les Désastres de Marco Fusinato, 2024.Crédit: Marco Fusinato
L’art est souvent une structure permettant de donner un sens – ou du moins de tenter d’exprimer – l’insensible. Dans un monde précaire, complexe et changeant, les artistes sont invités non seulement à créer de nouvelles œuvres, mais aussi de nouveaux « systèmes d’ordre ». La mission de la série internationale est de refléter des perspectives mondiales, en intégrant des artistes internationaux et australiens – et cette exposition dispose déjà d’une liste d’expositions palpable et inventive. Il y a Marco Fusinato, qui a récemment représenté l’Australie à la Biennale de Venise, et l’artiste Quandamooka Megan Cope, surtout connue pour ses 85 000 coquilles d’huîtres recyclées empilées devant l’Opéra de Sydney en 2023. Parmi les artistes internationaux figurent l’artiste maori Nikau Hindin et l’artiste mexicain José Dávila.
Musée d’art TarraWarra, du 21 mars au 5 juillet
UNE FOURMI DE VELOURS, UNE FLEUR ET UN OISEAU
Le travail de Derek Tumala Kayamanan ng Pilipinas, 2020-21.
Avec un titre aussi gracieux, cette exposition fait déjà allusion à des formes et des idées discrètement lourdes, avec pour objectif central de repenser les notions typiques d’intelligence (un exercice intéressant pour une galerie universitaire, inévitablement liée à une institution qui standardise l’intelligence). Organisée par le célèbre conservateur et historien de l’art espagnol Chus Martínez, l’exposition est structurée comme un jardin de la connaissance, s’inspirant de trois éléments : une fourmi, une fleur et un oiseau. Ici, la sagesse animale règne ; la nature est dotée d’une intelligence habituellement réservée aux humains. Des œuvres des collections classiques et de biologie de l’Université de Melbourne seront présentées aux côtés de la collection de la galerie, ainsi que de nouvelles œuvres d’artistes locaux et internationaux, offrant toutes différents types de connaissances. Musée d’art Potter, du 19 février au 6 juin
ÊTES-VOUS SEUL CE SOIR ? Je suis si seule que je pourrais pleurer.
Le spectacle de l’ACCA sera un reflet vulnérable – ou peut-être une consolation – de la solitude.
« La solitude est personnelle, mais elle est aussi politique », écrit Olivia Laing dans . « Quant à la façon de l’habiter, il n’y a pas de règles et il n’y a pas non plus besoin d’éprouver de la honte… » Laing est un communicateur génial du point de rencontre entre l’art, le sentiment et le désir – que l’ACCA s’efforcera de faire correspondre dans sa nouvelle série Art et Émotion. L’émotion de la galerie en 2026, la solitude, ne pourrait être plus urgente, ce sentiment étant un problème de société concret. Le spectacle, dont le titre est tiré d’une parole d’Elvis Presley, comprendra des œuvres de Polly Borland, Seth Brown, Lucy Liu, Kayla Mattes et Martine Syms. Couvrant de multiples formes, ce sera un reflet vulnérable – ou peut-être une consolation – de la solitude.
Centre australien d’art contemporain, du 3 juillet au 30 août
MÈRE
L’œuvre Baby de Davida Allen, 1989.Crédit: GNV Australie
Le discours critique, littéraire et visuel sur la maternité ne cesse de croître. Cette exposition rappelle une fois de plus que la maternité, sujet qui préoccupe depuis longtemps les artistes, mérite toute l’attention qui lui est accordée. présente plus de 200 œuvres historiques et contemporaines de la collection NGV. Explorant le fait d’être et d’avoir une mère, la liste des artistes exposés comprend des noms tels que Louise Bourgeois, Tracey Emin, David Hockney, Karla Dickens, Judith Wright, Tracey Moffat, Iluwanti Ken, Hayley Millar Baker et Patricia Piccinini, parmi bien d’autres. Sur le plan thématique, l’exposition examinera la joie, les attentes, le travail et la mythologie de la maternité, ainsi qu’un lien avec la nature et le pays pour les artistes des Premières Nations. Passant de la création aux soins, en passant par la tragédie et la perte, cela couvrira toute une vie. Le Centre Ian Potter : NGV Australie, du 27 mars au 12 juillet
ÎLE AUX CHATS
Un chat regardant une vidéo de lui-même fait partie de Cat Island de Jen Valender, qui sera présentée à la Science Gallery de Melbourne.Crédit: Jen Valender
Avez-vous déjà tenu l’écran de votre téléphone près du visage de votre chat, reflétant son image comme un selfie, pour voir s’il remarque que le chat le regarde ? Eh bien, si c’est le cas, cela pourrait vous intéresser. Créée par l’artiste Jen Valender – qui teste les intersections entre l’art et la nature – l’œuvre relie les nouvelles technologies aux recherches sur la perception des couleurs animales du Stuart-Fox Lab de l’Université de Melbourne. Présentant des images de chats de l’île d’Ainoshima, une célèbre « île paradisiaque des chats » au Japon, Valender s’interroge sur la façon dont les chats réagissent aux images numériques – et à leur propre image. Les spectateurs peuvent regarder le film de Valender sur les interactions ludiques avec les chats à travers une installation interactive, qui peut être modifiée pour refléter la « vision du chat ».
Galerie des sciences, du 18 février au 1er mai
GÉORGIE ESPAGNE
« Rouler pour le sentiment », par Georgia Espagne, 2025.
Chaque fois que Georgia Spain dévoile ses dernières peintures aux galeries Tolarno, c’est le moment de reconnaître le don durable de cette forme d’art. Représentée par la prestigieuse galerie avant ses 30 ans (et organisant une exposition à guichets fermés le jour de son 30e anniversaire), l’Espagne peint avec un style, une gravité et un sujet qui révèle un mélange d’intensité et d’expérimentation. Ses peintures ressentent profondément. Ils contiennent souvent des personnages projetés au hasard avec des coups de pinceau, ses œuvres ultérieures devenant plus abstraites, se livrant au pouvoir de la peinture et des images à transmettre – pas toujours pour transmettre un message particulier, mais simplement pour transmettre. Cette exposition fait suite à sa récente résidence à la Cité Internationale des Arts de Paris et présentera de nouvelles peintures.
Galeries Tolarno, septembre
LA POÉSIE NE VA PAS PLUS LOIN QUE LA LANGUE
Les membres du collectif New Measurement Group de Pékin au travail.
L’évolution vers l’art analytique et conceptuel en Chine dans les années 1980 et 1990 a été une période négligée – ce que cette exposition cherche à rectifier. En revisitant la conscience critique de cette période qui a défié toutes sortes de bureaucraties, l’exposition reviendra notamment sur les œuvres expérimentales du collectif pékinois New Measurement Group. Évitant tout sentiment de paternité individuelle, le collectif a créé des œuvres conceptuelles privilégiant les processus mécanistes et minimalistes. À côté, des œuvres de Qian Weikang, M Art Group, Xiamen Dada, Southern Artists Salon et Cao Youlian, toutes tissées ensemble par une nouvelle installation de l’artiste Darcey Bella Arnold, basée à Melbourne, renforçant les préoccupations de l’exposition en matière de langage et de conceptualisme. En regardant le passé, on peut tirer des leçons pour le présent.
Buxton Contemporary, du 1er mai au 10 octobre
NAMINAPU MAYMURU-BLANC
Milŋiyawuy River of Stars, peinture sur écorce de Naminapu Maymuru-White, 2025Crédit: Aaron Anderson
À l’âge de 73 ans, Naminapu Maymuru-White est devenue célèbre à juste titre pour ses œuvres en noir et blanc reflétant la cosmologie Yolngu, où le terrestre rencontre le céleste. Il y a quelques années, l’une de ses peintures sur écorce a été transformée en une installation monumentale à la National Gallery of Victoria – s’appuyant sur l’expérience déjà bouleversante de son art. Maymuru-White a commencé à peindre à 12 ans, enseignée par son oncle Narritjin Maymuru, ainsi que par son père, Nänyin Maymuru, tous deux artistes bien connus. Elle est devenue l’une des premières femmes Yolngu à apprendre à peindre des miny’tji (dessins sacrés du clan), avec l’introduction éventuelle de la gravure dans sa pratique, élevant encore davantage ses œuvres. Son exposition personnelle contiendra de nouvelles pièces à travers des peintures sur écorce, des larrakitj et des œuvres à bord.
Sullivan+Strumpf, du 30 juillet au 22 août
LE TEMPS PASSE À TRAVERS CES MURS ET MAREE CLARKE
Long voyage à la maison, par Maree Clarke.
Linden New Art commence l’année avec deux expositions distinctes mais significatives ; l’une, intitulée , célèbre le 40e anniversaire de la galerie et l’autre est une exposition personnelle de l’inimitable artiste Boonwurrung Maree Clarke. Depuis quatre décennies, Linden offre un espace d’exposition aux artistes émergents et en milieu de carrière. L’exposition anniversaire examinera l’histoire et l’architecture du bâtiment de St Kilda, avec de nouvelles œuvres d’Ernie Althoff, Carolyn Eskdale, Raafat Ishak, Callum Morton, Rose Nolan, Robbie Rowlands, Mitch Mahoney, Fiona Abicare et Ry Haskings. Pendant ce temps, Clarke créera une installation photographique sur la façade du bâtiment, reconnaissant le site de Linden pour le peuple Boonwurrung, et examinera l’histoire coloniale du site.
Linden Nouvel Art, 21 février – 17 mai
MON SANG CHANTE DE VIEUX CHANSONS
Leyla Stevens, image tirée de Kidung, 2019, film trois canaux, son stéréo.
Organisée par Maya Hodge, une jeune conservatrice et écrivaine de Lardil qui a présenté des expositions étonnantes au cours des dernières années (notamment une exposition sur les femmes autochtones et la résistance à la Incinerator Gallery), cette exposition collective présente des œuvres photographiques et d’images animées existantes et nouvelles. Les projets de Hodge mettent en avant les voix et les récits des Premières Nations, centrés sur la communauté et les soins – et cette exposition étend ces valeurs en considérant la mémoire. Avec des œuvres d’Atong Atem, Sonja Hodge, Jahkarli Felicitas Romanis, Leyla Stevens, wani toaishara et d’autres à annoncer, il retrace comment les souvenirs persistent dans nos corps et les images de nos corps. En cimentant l’importance inhérente de l’ascendance et de l’héritage culturel, il se tourne vers les histoires personnelles et collectives véhiculées à travers les lignées.
La Trobe Art Institute, du 20 mai au 9 août