Énergie joyeuse et humour rauque se rencontrent dans ce concert cinq étoiles

MUSIQUE
Belle et Sébastien ★★★★★
Théâtre du Palais, 12 septembre

« Bienvenue dans la deuxième session d’enregistrement de ce groupe encore tout nouveau », dit Stuart Murdoch avec un sourire. Sa langue est ferme : Belle and Sebastian, le groupe indie-pop qu’il a dirigé pendant plus de la moitié de sa vie, est en tournée pour célébrer son 30e anniversaire. En 1996, les Écossais livresques font leurs débuts avec deux albums : Lait de Tigre et Si vous vous sentez sinistre. Lors de cette tournée anniversaire, ils jouent en alternance ces disques en intégralité. Melbourne obtient le Sinistre traitement.

Jouer des albums en live peut être une vache à lait cynique à l’ère de la nostalgie marchande, mais on ne peut nier le pur plaisir d’entendre un album bien-aimé comme celui-ci dans toute sa splendeur. Enregistré, Sinistreles arrangements sont délicats; en live, on leur injecte une dose d’énergie joyeuse, avec un synthé bourdonnant pour démarrer.

Beaucoup de ces chansons commencent avec Murdoch seul, chantant avec cette voix douce et immédiatement reconnaissable, avant que les huit autres musiciens sur scène ne s’épanouissent lentement pour créer la lumière du soleil sous forme musicale. Le guitariste principal Stevie Jackson s’attaque bruyamment à l’harmonica pour Moi et le majorses mouvements sont flous et chaotiques.

Alors que l’album arrive à mi-chemin, une projection derrière le groupe montre le LP retourné sur une platine – « une attention un peu désuète aux détails », dit Murdoch. Les fans enthousiastes dansent dans les allées depuis le début, mais quand le groupe joue Éloigne-moi, je meurstoute la salle est debout. Le magnifique Éphémère est un autre moment fort de cette moitié, mais en réalité, c’est de la joie, notamment parce que Murdoch et ses collègues s’amusent clairement aussi.

L’humour caractéristique de Murdoch est présent toute la nuit alors qu’il entrecoupe la musique de plaisanteries, y compris un baratin sur les slogans de Victoria tels qu’ils apparaissent sur les plaques d’immatriculation et une blague sur le Viagra alors qu’il prend ses médicaments sur scène. « Retour à la douceur et à la lumière ! » dit-il, et ils repartent.

Une guitare lourde je suis un coucou donne le coup d’envoi du deuxième set, comprenant des chansons du reste de la longue carrière du groupe. Belle et Sebastian ont une discographie tellement variée que c’est un sac à main tous les soirs. Il y a des réductions plus importantes ici, comme celles de 2010 Petit Lou, Ugly Jack, Prophète Jeanenregistré avec Norah Jones ; ici, c’est la chanteuse de longue date Sarah Martin qui fait les honneurs, toujours aussi belle. 2006 Drôle de petite grenouille est un régal charmant et nostalgique.

Le groupe sort des chansons à la volée vers la fin, avec Une autre journée ensoleillée fermer la nuit. C’est tout à fait approprié : avec 30 ans de jours ensoleillés dans leurs manches, Belle et Sebastian continuent de tenir leurs promesses.
Évalué par Giselle Au-Nhien Nguyen

OPÉRA
Sersé ★★
Théâtre Gasworks, jusqu’au 13 septembre

Nous devenons tous agités. Vingt minutes après le lever de rideau du spectacle d’ouverture du Lyric Opera Serséon attend toujours que le chef d’orchestre lève son bâton. Finalement, le directeur artistique et chef d’orchestre de la compagnie, Patrick Burns, s’adresse au public, expliquant que même s’ils ont essayé de résoudre le problème, ils n’ont pas réussi.

Les deux projecteurs sont morts. Pour l’opéra italien de près de trois heures auquel nous allons assister, il n’y aura pas de surtitres. Aucune traduction. Oh cher.

Il s’avère que s’il était chanté en anglais, ce serait de toute façon difficile à suivre. L’opéra de Haendel de 1738 sur le roi de Perse est l’un de ces opéras remplis de couples se poursuivant, se trompant, se rejetant et se réunissant, ainsi que des déguisements et des identités erronées, bien sûr.

L’opéra baroque a un public restreint mais fidèle à Melbourne, mais pour une compagnie qui a programmé de manière louable des opéras contemporains au cours des saisons précédentes, Sersé est franchement un choix étrange.

La production, du réalisateur Beng Oh et de la designer Christina Logan-Bell, est certainement intelligente, mise à jour à l’époque de la Régence où elle s’intègre assez bien, avec toutes les lettres écrites et l’amour dans la tourmente. Mais même en mettant de côté les problèmes techniques, des défauts demeurent. Les exigences en matière d’ornementation étaient trop lourdes pour certains, et l’approche (bien qu’il s’agisse d’un style baroque correct) consistant à laisser de côté le vibrato a abouti à des zones vocales sans énergie.

Certains ont brillé, comme la mezzo Naomi Flatman, qui, avec un son mielleux et résonnant, a livré la performance phare de la soirée. La soprano Rebecca Rashleigh a également donné une performance toujours vibrante, avec des notes de tête passionnantes. En tant que Serse, cela témoigne du talent comique de Sally-Anne Russell que, même si nous n’avions pour la plupart aucune idée de ce qui se passait, les gens riaient quand ils étaient censés le faire.

Bien que ce soit le problème initial, l’intrigue alambiquée, le style musical répétitif et le chant inégal qui en ont résulté ont prouvé qu’être chanté dans une langue étrangère n’est pas la meilleure mesure de l’accessibilité d’un opéra.
Évalué parBridget Davies

DANSE
7 danses pour 7 personnes ★★★
Hôtel de ville de Northcote, jusqu’au 19 septembre

Oui, il y a bien sept danses – ou sections – dans la dernière œuvre du chorégraphe Trá Mi Dinh, mais seule la première d’entre elles est sans ambiguïté réussie. J’aurais volontiers regardé ce jeu étrange et brillant pendant une heure entière, soit prolongé, soit simplement répété.

Deux danseurs émergent de nuages ​​de fumée, comme des figures de rêve, au milieu d’une étrange tintinnabulation. Des pas délicats à l’unisson confèrent à leur progression vers le public une grâce semblable à celle d’un insecte ; les bras levés et les mains jointes renforcent encore leur apparence surnaturelle.

La position inconfortable des bras, qui restreint les mouvements du haut du corps, crée un sentiment de fragilité et de risque. C’est comme si leur emprise l’un sur l’autre était tout ce qui les empêchait de retomber dans le nuage de fumée. Cela donne à l’ensemble de la scène une sorte d’éphémère chatoyante et glissante.

Après la première danse, le mouvement devient plus éclectique. Les isolations douces, avec leur tension et leur relâchement, cèdent la place à des figures tournantes plus lâches. Des poses vaguement ballettiques contrastent avec des gestes de danse modernes et poussés. Et tout tourbillonne dans la fumée.

Les combinaisons ne sont pas toujours convaincantes, mais quelque chose de l’atmosphère mystérieuse du premier volet persiste. Et des détails intéressants s’inscrivent tout au long, en particulier dans la façon dont les sept danseurs se déplacent entre les paires et les trios, avec un nouvel arrangement se matérialisant dans l’obscurité.

Ce spectacle est basé sur une commande plus courte pour Lucy Guerin Pièces en 2024, et il conserve la même équipe de production, dont la conceptrice d’éclairage Rachel Rui Qian Lee et le costumier Geoffrey Watson, qui propose de magnifiques blouses filmeuses.

La partition de Tilman Robinson semble un peu trop insistante. La section d’ouverture avec ses cloches a une étrangeté attrayante, mais je pense que les rythmes plus lourds utilisés par la suite imposent trop de choses à la chorégraphie et qu’un paysage sonore plus ambiant aurait pu être plus efficace.

Le travail est apparemment basé sur la signification du chiffre sept dans les religions et les traditions culturelles. Pourtant, elle est plus forte lorsqu’il n’y a pas de thème : juste des relations passagères entre les corps – répétitions et dédoublements, divergences et singularités – dans un monde avant que le nombre ne s’installe dans le sens.
Évalué par Andrew Fuhrmann