Pourtant, cette virtuosité visuelle et performative, comme la virtuosité débridée en musique, suscite une sorte d'avidité chez le public. Après avoir été stupéfaits, si ce n'est encore plus stupéfaits, nous sommes déçus. Il est intéressant de constater qu'au milieu de cette extravagance technologique, un souvenir durable restera en fait la voix de Newman – toujours un instrument somptueux – et la façon dont elle délimite les personnages avec beaucoup plus de clarté que les changements de costume et de perruque.
Le noyau de l'équipe de conception (Clements, Marg Horwell et Nick Schlieper) reste intact, et les nouveaux membres sont d'une expertise phénoménale. Douze techniciens suivent Newman sur scène, et Williams accélère et fait muter la fin – à ce moment-là, je commençais à perdre le fil.
Genèse Owusu
The Tank, Galerie d'art de Nouvelle-Galles du Sud
Festival du Volume, 5 juillet
Révisé par MICHAEL RUFFLES
★★★
L'idée était trop belle pour être parfaite. L'une des stars les plus audacieuses et les plus intéressantes du hip-hop/R&B/alternatif du pays, un homme qui évoque Kafka et les cafards et qui prospère dans des endroits sombres, est descendu dans les entrailles d'un bunker souterrain de carburant de la Seconde Guerre mondiale pour faire la une d'un festival de musique.
Le seul problème est que, comme Genesis Owusu l'a découvert lors de sa première visite au Tank à la Art Gallery of NSW, on peut taper des mains et entendre l'écho quelques minutes plus tard. L'espace caverneux et ses 125 piliers ont obligé le lauréat de l'Aria à adopter une approche différente pour chacune des chansons qu'il avait par ailleurs finement peaufinées après une tournée dans six pays.
Le spectacle de Genesis Owusu comprenait des boîtes à rythmes, des violons et des chanteurs de gorge.
La « nuit d'expérimentation et d'improvisation » d'Owusu comprenait des boîtes à rythmes, des violons et des chanteurs de gorge. Il nous tourna le dos pendant les cinq premières minutes, tandis que l'introduction gutturale, presque menaçante, résonnait.
Le premier chant proprement dit, , est un hymne de défi du point de vue d'un fléau échappant à un dieu vengeur, et il crépitait dans l'espace tandis qu'Owusu se tenait impérieux dans son armure. S'il n'était pas le seigneur de ce monde souterrain, il était l'une de ses furies.
cependant, est apparu quelque peu atténué par rapport à sa version studio malgré les rythmes staccato de la mitrailleuse ; pour le plaintif, la voix d'Owusu s'est envolée mais s'est positionné de manière à ce que peu de gens puissent le voir.
Le rappeur et chanteur ghanéen-australien originaire de Canberra a parfois laissé échapper un cri de type kookaburra, et a clairement beaucoup réfléchi à la meilleure façon d'exploiter un espace plus adapté à une installation artistique. Se promener dans la foule a aidé, et les morceaux les plus lents ont pris le dessus, ce qui a bien fonctionné, tandis que les bangers et les beats ont eu du mal.
L'amertume amusante a faibli sous le poids de la basse réverbérante, mais le spectacle s'est terminé sur une note aiguë mais abrupte avec le entraînant .
L'artiste et l'espace sont tous deux impressionnants, et il est excitant de penser à ce qu'ils feront ensuite. Mais lors du premier rendez-vous, ils ne semblaient pas être faits l'un pour l'autre.
Papa hockeyeur
Pavillon Hordern, 7 juillet
Révisé par SHAMIM RAZAVI
★★★★
Les Hockey Dad ont un sens aigu de l'histoire. On le sent dans les réflexions du batteur et co-leader Billy Fleming, qui se souvient qu'il n'y a pas si longtemps, il était au Hordern pour regarder ses propres héros. On le sent aussi dans leur respect pour les groupes – Iggy Pop, The Cure, Pavement, les Arctic Monkeys – qui influencent leur art sans jamais le submerger. Ces références musicales offrent des œufs de Pâques aux musiciens présents dans la foule, mais surtout localisent et enrichissent le son qui plonge un public en mode fête.

Les papas de hockey connaissent bien leurs fans et ne les décevent pas.
C'est un son qui leur est propre, typiquement australien. Venant de la rue de Windang, les paroles du groupe traduisent cet héritage musical en sentiments à la fois directs et modernes. C'est peut-être la proximité temporelle et géographique qui nous sépare d'eux qui rend la relation entre ce groupe et son public si passionnante.
Inutile de demander ce que ce public a écouté au cours des trois semaines qui ont suivi la sortie du nouvel album du groupe : dans un set qui s'ouvre avec des extraits de cet album et comprend six autres de ses chansons, le public chante chaque mot. Et ce qui manque à ces dernières chansons en termes de familiarité, elles le compensent par une maturité qui n'a rien à envier aux anciennes favorites.
Les morceaux bien connus ponctuent la soirée, rassemblant le spectacle juste au moment où les choses commencent à déraper. L'effet est mieux démontré lors du passage du son assourdi – avec guitare acoustique et divagations poétiques sur les arbres mourants et les feuilles pourries – au son de clochettes, dont les notes d'ouverture servent d'appel de ralliement à tous ceux qui s'étaient égarés au bar. Ce groupe non seulement connaît, mais sert aussi, ses fans.
Aussi excellent que soit leur nouveau travail, ils savent que des chansons comme set-closer plaisent au public sans égal, et qu'elles plaisent au public. L'effet global est celui d'un groupe en pleine ascension, qui commence à maîtriser ses pouvoirs à la fois en matière de sonorité et de son interprétation. Le meilleur groupe de Windang est peut-être aussi celui d'Australie.