En jetant un œil sur les 59 finalistes du prix Archibald de cette année, la commissaire Beatrice Gralton constate l’absence flagrante des « hommes en costumes marron ».
Mis à part le dramatique lauréat du Packing Room Prize de Sean Layh – un double portrait shakespearien de l’acteur Jacob Collins dans le rôle d’Hamlet tourmenté – les modèles se définissent par des touches de couleur et un défi au genre, certains renonçant même à un cadre photo à l’ancienne.
La cohorte va du portrait moderne et immédiat du portrait d’Andy Collis de l’amie de la famille Sophia Begg (alias l’influenceuse des médias sociaux Sopha Dopha), capturé sur un iPhone fait à la main, peint et recouvert de résine, au portrait de Guy McEwan du révérend Jon Owen de Wayside Chapel, révélé au sens figuré et littéral dans le style d’une épître du Moyen Âge, en utilisant une police gothique, du vélin moderne et des aquarelles japonaises Gansai.
« Si vous regardez ce qu’était l’Archibald il y a 60 ans, vous auriez vu des hommes en costumes marron », explique Gralton. «Nous constatons désormais un véritable ‘changement de garde’ en ce qui concerne la représentation et les personnes représentées dans ces portraits.»
Le dynamisme de 2026 est un véritable relief pour le premier lauréat de 1921, l’artiste de Melbourne WB McInnes, qui a remporté le prix pour un portrait sobre de l’architecte Harold Desbrowe-Annear, assis raide à côté d’une table de dessins architecturaux et d’objets d’art.
McInnes a dominé la première décennie, gagnant quatre fois avec des portraits qui incarnent le summum de la respectabilité : avocats, généraux et juges avec perruques. Ce n’est qu’après le pic de la Grande Dépression, en 1934, que les administrateurs ont décerné le premier autoportrait.
Les candidatures du Prix Archibald de l’année dernière portaient sur la tristesse, la joie et le quotidien. Cette année, Gralton observe une légère hausse sur scène, à l’écran et dans les défenseurs, avec « des artistes utilisant la plateforme dont ils disposent grâce à une autre profession ».
Même s’il n’est pas dénué d’humour, Gralton a trouvé la cohorte de cette année plus sérieuse et pensive. Juan Ford a peint la militante des droits des personnes handicapées Chloé Hayden, tandis que Stephanie Galloway Brown a peint le septuple champion du monde de surf Layne Beachley.
Lorraine Kypiotis, responsable des études de premier cycle à l’École nationale d’art, affirme qu’un bon portrait doit nous révéler des vérités fondamentales sur l’humanité et l’identité.
« De très bons portraits nous permettent de mieux comprendre les mœurs sociales, culturelles et politiques de notre époque », dit-elle. «Cela offre l’opportunité de se connecter avec les individus et, dans le meilleur des cas, révèle un peu de leur moi intérieur.»
Kypiotis considère le portrait de l’artiste Loribelle Spirovski réalisé par Tsering Hannaford comme un excellent exemple.
« Choisir de peindre Spirovski, une artiste à part entière, dans la pose d’Albrecht Dürer dans son célèbre autoportrait de 1500 en dit long sur sa place au panthéon des artistes notables », dit-elle.
« Ce n’est pas un gadget, ce n’est pas un kitsch – c’est une œuvre solide qui reflète l’engagement artistique du peintre avec le modèle. L’image de Spirovski est, pour reprendre les mots de Vasari lorsqu’il décrivait la Joconde, « aussi vivante que l’originale ».
Le professeur agrégé Peter Edwell, dont le livre détaille le scandale de 1944 sur la question de savoir si la victoire de William Dobell était une caricature ou un portrait, note que, même si l’Archibald est allé bien au-delà de « l’art étouffant des salles de réunion », le public et Packing Room privilégient toujours le haut réalisme.
Edwell, directeur du Centre australien d’études numismatiques anciennes à l’Université Macquarie, montre le portrait réaliste de l’artiste Christophe Domergue intitulé Un peeling aux dieuxle plus grand des finalistes de cette année. Domergue est peint d’en haut à un moment où « l’artiste cherche l’inspiration et la validation au milieu des longues heures et du dévouement qu’exige l’art urbain – et tout – ».
Le testament d’Archibald stipulait que le sujet du portrait devait être de préférence une personne distinguée dans les domaines des arts, des lettres, des sciences ou de la politique, et que le portrait était peint d’après nature.
« Parce que la participation dans tous ces domaines avait tendance à être dominée par les hommes entre les années 1920 et les années 1970, les hommes étaient plus souvent les sujets. L’une des raisons pour lesquelles tant d’entrées d’Archibald au fil des ans concernaient des collègues artistes ou des autoportraits est qu’elles entrent clairement dans la catégorie « arts ». Lorsque les sujets de ces années-là étaient des femmes, il s’agissait souvent d’artistes », explique Edwell.
Les artistes et sujets féminins et masculins sont répartis à parts égales parmi les finalistes Archibald, Wynne et Sulman de cette année. La directrice de l’Art Gallery of NSW, Maud Page, a choisi de ne pas souligner ce moment lors de l’annonce du Packing Room Prize. « Je ne veux pas continuer à attirer l’attention sur ce sujet parce que c’est comme ça que ça devrait être », dit-elle.
Elle est frappée par trois matriarches comme sujets : la productrice Margaret Fink, l’artiste Elisabeth Cummings et l’artiste Anangu Iluganti Ken.
En fin de compte, Gralton considère l’Archibald comme un rassemblement « bruyant et légèrement chaotique ». « Les artistes sont ceux qui utilisent le chaos comme espace de créativité et le distillent », dit-elle.
« C’est un super pouvoir, et c’est ce qu’ils font si bien. »
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