Simone Young dirige Le Chant de la Terre de Mahler
MUSIQUE
Orchestre Symphonique de Sydney, 25 février
Évalué par PETER McCALLUM
★★★★★
de Mahler Chanson de la Terre commence par des phrases sauvages et escarpées du ténor, et se termine par la mezzo-soprano qui s’apaise dans de doux pas d’acceptation transcendante – ewig… ewig… (éternel… éternel…)
Je ne suis pas sûr que vous entendrez cela mieux chanté de ce côté de l’éternité.
À l’ouverture Chanson à boire du chagrin de la terrele ténor Simon O’Neill a mixé son splendide wagnérien détenunor un son aux couleurs du doute de soi, tandis que la chef d’orchestre Simone Young mesurait les rythmes déferlants et les hurlements rauques des cors et des bois du SSO comme s’il contrôlait un coursier irritable.
C’est devenu une chanson où la vigueur vigoureuse entrevoit sa propre illusion mais continue malgré tout, comme si le Siegfried de Wagner avait vécu jusqu’à l’âge mûr, s’était mis à boire et commençait à se demander de quoi il s’agissait.
Dans un contraste absolu, la mezzo Alexandra Ionis a chanté les lignes descendantes de la deuxième chanson, L’homme solitaire en automneavec un ton de tristesse veloutée et d’éclat tranquille tandis que les cordes enfilaient une ligne de croches murmurantes en arrière-plan comme la mesure du temps profond.
Les chansons ont continué à alterner entre vigueur futile et stase éclatante jusqu’au dernier, L’adieudans lequel Ionis, chantant avec une maîtrise immaculée et une chaleur enveloppante, et les bois SSO, jouant avec une retenue finement façonnée (Shefali Pryor, Emma Sholl, Olli Leppaniemi et Todd Gibson-Cornish), ont évoqué des textures lumineuses et épurées dans une ligne vers l’infini.
L’inspiration initiale de Mahler pour cette œuvre était un ensemble de poèmes de Hans Bethge paraphrasant des textes chinois sur la fragilité de la vie, et une pensée similaire semble avoir inspiré l’inclusion du concerto pour piano de Qigang Chen, Er Huangen première mi-temps. Le titre fait référence à un type mélodique trouvé dans l’opéra traditionnel de Pékin consacré à la réflexion lyrique.
Après un Reconnaissance rythmique du pays par Adam Manning pour lancer officiellement la saison 2026 du SSO, Jean-Yves Thibaudet a commencé le solo d’ouverture à la Debussy de cette œuvre avec un ton de douceur et de profondeur subtilement nuancées, progressant vers une figuration rapide bien mise en valeur à mesure que la mélodie se déplace autour de l’orchestre.
L’ambiance est à la nostalgie de quelque chose de perdu, et le raffinement et le savoir-faire de l’orchestration donnent à l’ambiance sentimentale un ton d’une authenticité convaincante et l’éloignent de la prévisibilité et des clichés. Dans un changement d’humeur complet, en guise de rappel généreux, Thibaudet, Young et le SSO ont donné une interprétation superbement piquante et savamment accentuée du film de Gershwin. Variations pour piano et orchestre sur « I got rythme ».
Thibaudet en a eu en abondance.
L’insoutenable tristesse d’être
MUSIQUE
Martin Hayes
Salle de concert Chatswood Concourse, 25 février
Évalué par JOHN SHAND
★★★★½
Martin Hayes excelle à exprimer la tristesse exquise de l’être. Comme le jeu de trompette de Miles Davis ou les voix de Billie Holiday et Jose Carreras, il est toujours présent dans le son et le phrasé du grand violoniste irlandais.
Au-delà des airs et des lamentations dans lesquels on l’attend, il imprègne même les jigs et reels – pièces conçues pour danser – d’une nostalgie ineffable. C’est comme si, pour Hayes, l’expérience humaine, malgré toute sa joie et certainement tout son humour, était enveloppée de chagrin et de nostalgie.
Lors de ses précédentes visites, Hayes avait avec lui le regretté guitariste américain Dennis Cahill, d’abord en duo, puis en tant que deux cinquièmes de The Gloaming, qui a donné l’un des plus beaux concerts que j’ai jamais entendu, dont leurs albums témoignent amplement.
Depuis lors, Hayes a formé un autre groupe qui élargit les périmètres de la musique traditionnelle irlandaise, The Common Ground Ensemble, et il tourne cette fois en Australie avec le guitariste de ce groupe, Kyle Sanna.
Tout comme Miles cherchait sans cesse à recontextualiser sa trompette, Hayes fait son violon, Sanna n’est en aucun cas un remplaçant à part entière de Cahill. Personne ne pourrait l’être. Là où la guitare acoustique de Cahill conduisait les morceaux up-tempo jusqu’à l’excitation explosive, Sanna a utilisé une palette plus large d’harmonie et de texture sur une guitare semi-acoustique, comprenant toujours combien il y a peu à faire pour encadrer la maîtrise de Hayes.
Un jour, il joua l’ostinato le plus simple, à partir duquel la ligne de violon prenait peu à peu forme comme si elle surgissait d’une brume. Plus tard, lorsqu’ils revinrent pour deux rappels très demandés, Sanna ajouta quelques effets de pédale pour créer une piscine liquide dans laquelle les notes du violon ondulaient.
Une merveille de cet idiome est qu’il efface les siècles, faisant s’évaporer le temps comme un phénomène linéaire. Les airs anciens, interprétés par Hayes et Sanna, peuvent encore brûler les âmes des vivants, tandis que les nouveaux airs de Peadar O’Riada (sur lesquels Trathan un taoïde les notes tombaient comme des feuilles pirouettant lentement dans les airs) garantissent que la tradition ne s’abrutit jamais.
Les moments forts abondaient. Les adieux à la musique d’O’Carolan avait Hayes à son plus viscéral, commençant par un effet de bourdonnement de Sanna, avec le violon passant de son diaphane habituel à un son plus grossier, presque braillant, puis s’estompant progressivement à nouveau, avec Sanna hachurant simplement les ombres des notes de Hayes.
Sur tant de pièces, dont La route vers Cashel et La bobine d’O’Rourkela sensibilité rythmique de Hayes était incroyablement sophistiquée, car il cadrait la mélodie avec le temps pour qu’elle paraisse incroyablement légère, tout en comportant une myriade de petites piqûres syncopées dans le phrasé.
Et toujours, dès qu’un morceau développait le moindre élément de dynamisme, sa jambe droite se levait et son pied droit pompait des noires sur scène, immobilisant la beauté – et usant probablement sa chaussure droite un peu plus vite que sa gauche.
Bien – mais pas génial – Charlotte
MUSIQUE
Bonne Charlotte
Qudos Bank Arena, 25 février
Évalué par ROD YATES
★★★
Les groupes pop-punk ne meurent pas, ils ajoutent simplement plus de pyrotechnie à leur spectacle live.
C’est peut-être une façon de compenser le fait qu’après 30 ans, Good Charlotte n’est plus aussi fougueuse sur scène qu’elle l’était autrefois.
Heureusement, ils disposent d’un catalogue de chansons pop-punk qui ont non seulement contribué à définir la scène au début des années 2000, mais qui jouissent d’une seconde vie en tant que bande originale pour une génération déterminée à revivre les jours de gloire de leur jeunesse.
Sur ce front, le groupe oblige avec un set rempli de tubes, du joyeux final de à l’appel aux armes teinté de new wave et d’outsider du premier single .
Il faut reconnaître que le groupe ne s’appuie pas uniquement sur la nostalgie, diffusant du matériel tiré de toute sa carrière caméléonique, y compris son huitième album, le très agréable 2025.
Les nouvelles chansons sont accueillies poliment, ce qui est probablement le mieux qu’un groupe puisse espérer à ce stade de sa carrière.
Le point culminant de l’album est aussi accrocheur que n’importe quoi dans le canon de Good Charlotte.
L’association avec un bémol du disque crée cependant une accalmie à mi-set dont le spectacle prend quelques chansons pour se remettre.
Il est difficile de déceler des problèmes flagrants dans la performance du groupe, et le chanteur Joel Madden et son frère jumeau guitariste Benji émettent une note bienvenue de sincérité en reconnaissant que l’Australie a été le premier pays à les adopter.
Et pourtant, quelque chose semble plat.
Dans ses meilleurs moments, comme le rauque et le public, le groupe et le public se réunissent dans une vague d’énergie joyeuse et combustible qui, bien que née de la nostalgie, semble très vivante et actuelle.
Trop souvent, cependant, le spectacle a l’impression d’arriver à sa conclusion, le groupe parcourant les chansons d’une manière professionnelle qui, en fin de compte, est correcte.
Cela donne un spectacle respectable plutôt que spectaculaire, solide plutôt que planant.
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John Shand écrit sur la musique et le théâtre depuis 1981 dans plus de 30 publications, notamment pour Fairfax Media depuis 1993. Il est également dramaturge, auteur, poète, librettiste, batteur et lauréat du Walkley Arts Journalism Award 2017.Connectez-vous via X.