Jules LeFèvre, Tom W. Clarke, Ben Madden et Ify Obiegbu
Phoebe Bridgers, Week-end perdu
★★★★
Sur le morceau d’ouverture de Phoebe Bridgers Week-end perdunous sommes arrachés à notre corps. Dans L’extérieurla voix de Bridgers, glaciale et obscurcie par un effet vocodeur dur, raconte la scène funèbre : on pleure en costume-cravate, on regarde quelqu’un s’emporter, on jette le poing à travers une cloison sèche.
Le couplet suivant nous emmène ailleurs : Bridgers se tient en l’air pendant qu’il surfe sur la foule lors d’un concert, flottant au-dessus des corps, le poing levé en l’air. Les scènes contrastées et parallèles se dissolvent toutes deux de la même manière, avec le vocodeur qui s’estompe et la voix haute et claire de Bridgers, soudainement soulevée par le piano et la guitare doux, engloutie. Nous ne sommes pas dans ces moments-là, nous flottons au-dessus. Déconnecté, non amarré.
C’est une introduction appropriée pour Week-end perdudans lequel l’auteure-compositrice indépendante californienne tente de se frayer un chemin à travers des vagues de chagrin et d’amour retrouvé. Il arrive six ans après son deuxième disque, vif et sensible de 2020. Punisseur. Elle n’est certainement pas restée inactive entre-temps, effectuant de nombreuses tournées pendant Punisseur qui comprenait un passage sur la tournée Eras de Taylor Swift.
Elle s’est également jointe à ses camarades du supergroupe Boygenius, Lucy Dacus et Julien Baker, pour réaliser l’album primé aux Grammy Awards, Le dossier. De nombreuses autres tournées ont suivi, et beaucoup de vie s’est également produite. Son père, avec qui elle entretenait une relation tendue, est décédé en 2023 et ses fiançailles très médiatisées avec l’acteur irlandais Paul Mescal ont pris fin.
Tout cela se retrouve sur Week-end perduqui est l’une des plus belles représentations du désordre du chagrin que vous puissiez trouver. L’écriture visuelle hyperspécifique et visuelle emblématique de Bridgers se déchaîne avec une puissance féroce à travers ses 16 titres.
Il y a des moments déchirants : « Je l’ai trouvée en train de saigner au-dessus de l’évier/Mais quand tu as dit désolé, tu me regardais », chante-t-elle. Toujours deboutà propos de son père. Plus tard, lorsqu’un message vocal de sa part demandant un appel dérive dans une image Je n’y retournerai jamais !ça coupe comme un couteau. Le démantèlement progressif d’une relation est retracé sur La valse du gouverneur (qui peut également contenir une critique de la nouvelle partenaire de Mescal, la chanteuse Gracie Abrams : « Et elle peut faire semblant d’être moi/Depuis qu’elle a pris ma place et mon lit sur cette scène/Je n’ai rien perdu »).
Il y a beaucoup de belle mélancolie sur écran large, mais Bridgers prend également soin de suivre les fils de l’optimisme pour vous donner un sursis. Les pistes Policier et Arbre de la Liberté sont des virages précipités dans le country alternatif dans lesquels Bridgers trouve un nouvel amour : « Tu as été créé à l’image de Dieu/Mais tu ressembles à ta mère », chante-t-elle sur Arbre de la Liberté.
Comme nous l’avons entendu sur L’extérieurune grande partie de Week-end perdu (produit avec une équipe comprenant Jack Antonoff, Alex G, Tony Berg et Ethan Gruska) est filtré à travers un sentiment de dislocation et de suspension. Bridgers a toujours aimé mettre le feu aux chansons et les faire s’effondrer autour d’elle – voir Punisseurc’est spectaculaire de plus près Je connais la fin. Week-end perdu est un exemple magistral de forme qui suit le sentiment : la voix de Bridgers est souvent étouffée par les effets, l’instrumentation éclate et change dans des moments étranges et inquiétants.
La piste Tue-moi (avec peut-être la voix gutturale de Cameron Winter de Geese ?) se termine si brusquement que j’ai vérifié (plus d’une fois) que le stream n’avait pas mal fonctionné. La chanson titre crache avec une respiration rauque avant de s’ouvrir avec des coups de cordes et de guitares. Il rend les moments les plus lumineux plus percutants, comme le pâturin clair de Hanté.
À juste titre, la dernière chanson du disque, Week-end perdu (Reprise)dans lequel Bridgers dit au revoir à son père et s’adresse à son nouvel amant, est carrément interrompu au milieu d’un bar. Un dernier jet dans l’abîme. Jules LeFèvre
Les coups, La réalité attend
★★★
À Coachella en avril, les Strokes ont fait la une des journaux après avoir diffusé un montage vidéo politiquement chargé de frappes militaires en Iran et à Gaza, tandis que le leader Julian Casablancas scandait : « De quel côté vous tenez-vous ? Quiconque s’attend à ce que leur nouvel album s’appuie sur cette protestation risque d’être déçu.
Après tout, c’est un groupe dont le premier single en 2001 était controversé . Mais il manque cette urgence – les Strokes ne sont pas du tout pressés, parcourant un monde brisé avec des os fatigués et une étrange affection pour AutoTune.
est souvent impénétrable, profondément nostalgique, parfois profond, et parfois grinçant d’une manière que seule la voix la plus charismatique du rock du 21e siècle peut réussir (personne d’autre ne parle de Josh Groban et de John Legend en 2026, ni ne dit encore « YOLO »). L’ouverture de l’album est une construction lente et sinistre (l’une des quatre chansons de plus de cinq minutes de l’album) et notre premier aperçu du gazouillis décalé qui imprègne le disque.
est proche d’un puissant moment de protestation, d’un riff de guitare tonitruant et du chant réverbérant de « I’m a sangsue ». est transportant, chatoyant dans le délicat fausset de Casablancas.
est un retour à leurs racines garage-rock après la nouvelle vague ringarde des années 80 des années 2020. Et c’est le son le plus dynamique et le plus amusant que The Strokes ait jamais entendu depuis des années.
Ailleurs, l’album serpente avec peu de choses à dire – et sonne comme des chutes bourdonnantes d’Arctic Monkeys de la dernière époque, et est une odyssée qui erre trop loin dans l’abîme et oublie de nous emmener avec lui. Tom W. Clarke
Jonny Chopps, Catalyseur
★★★
Depuis son apparition sur la scène rap australienne début 2025, le MC de Sydney Jonny Chopps est devenu une supernova. Co-signé par The Kid Laroi et Ninajirachi, l’artiste adroit a surpassé nombre de ses pairs, créant un son qui s’inspire de sous-genres comme la rage, le trap, le pluggnb et bien d’autres encore – tout en conservant une touche typiquement australienne. C’est aussi une source particulière de fierté pour lui.
Sur sa mixtape de 10 titres, qui suit rapidement la sortie de son EP en février, Jonny s’impose davantage comme un leader de la nouvelle génération de rappeurs australiens.
Courir avec les idées exprimées pour la première fois permet de mieux transmettre sa vision artistique. Ce n’est peut-être pas un exercice de cohésion, avec des morceaux comme l’hyperactif Ordures s’insérant aux côtés de la mélodie Typa Guymais quand il trouve vraiment sa poche, comme de plus près Motorolail rappe comme un possédé.
Il y a de brefs moments où son lyrisme le retient, mais cela ressemble plus à un domaine de croissance qu’à un talon d’Achille. Dans une scène où de nombreux artistes peuvent souvent paraître trop nonchalants, offre une vision de ce qui est possible lorsqu’un rappeur australien se penche à fond. Ben Madden
Yasmina Sadiki, Conçu pour le passé
★★★
Avec son premier EP Conçu pour le passél’artiste d’Eora Yasmina Sadiki n’arrive pas en quête d’identité ; elle arrive en définissant un. À travers huit titres, Sadiki affine l’esprit d’improvisation qui a longtemps rendu ses performances live si convaincantes dans un ensemble d’œuvres délibérées, cohérentes et profondément personnelles.
Plutôt que de rechercher l’immédiateté, le disque s’appuie sur une écriture soignée, une musicalité intuitive et une production spacieuse pour créer un arc émotionnel qui se révèle plus pleinement à chaque écoute. Le piano discret de l’ouverture établit la préférence de Sadiki pour la retenue plutôt que pour le spectacle, tandis que les harmonies luxuriantes et les chœurs superposés mettent en valeur la richesse du monde sonore qu’elle a construit.
est le moment déterminant du disque. Construit autour d’un crescendo lent, il se déroule avec une patience remarquable alors que Sadiki étend le refrain du titre avec un contrôle sans effort, des guitares chatoyantes se rassemblant autour de sa voix qui reste le centre inébranlable de la chanson.
Plus tard, il offre le tournant le plus audacieux de l’EP. Commençant par un élégant mélange de jazz, de textures électroniques et de soul alternative, il se transforme en batterie martelante et en guitares déformées sans jamais paraître brusque. Même si l’arrangement s’étend, Sadiki reste son point d’ancrage émotionnel. Ify Obiegbu
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