Cette pièce britannique est féroce, drôle et inconfortablement familière. Quelqu’un a-t-il dit « Hanson »

THÉÂTRE
Jusqu’à ce que les étoiles descendent
KXT à Broadway, Ultimo
Du 1er avril au 11 avril
Évalué par JOYCE MORGAN
★★★★½

Trois sœurs se réunissent pour le mariage de la plus jeune. Ajoutez une tante potiche, des discours maladroits et un dysfonctionnement de garde-robe, puis faites mariner dans de la vodka.

Le décor semble familier, mais ce qui le mène bien au-delà du prévisible, c’est la façon dont il entrelace de manière hilarante – mais douce – la vie des gens ordinaires avec les lignes de fracture de classe, de famille, de politique, d’immigration et de changement climatique. Et tout cela sans une once de didactisme.

Un drame centré sur trois sœurs évoque inévitablement celui de Tchekhov. Trois sœurs. Mais il ne s’agit pas d’un trio de nobles terriens sophistiqués vivant dans un isolement languissant et provincial, mais de trois femmes blanches passionnées de la classe ouvrière vivant dans une ancienne ville minière évidée dans les Midlands de l’Est de l’Angleterre.

Là, ils rient, dansent, se battent, s’enivrent, s’excitent, se déchirent et dansent encore. Le titre est tiré d’un vers du poème de WH Auden L’écho de la mort.

C’est bruyant, désordonné et brillamment conçu par la dramaturge britannique Beth Steel.

Steel s’est inspirée de la région défavorisée où elle a grandi, fille de mineur. Sa ville natale a été frappée par la fermeture de mines au milieu des années 1980 et a voté massivement pour le Brexit il y a dix ans.

Pourtant, tout cela bouillonne en arrière-plan. Alors que cette pièce de 2024 s’ouvre au milieu de bigoudis, de laque et de tasses de thé, la future mariée Sylvia (Imogen Sage) se prépare avec l’aide des frères et sœurs Hazel (Ainslie McGlynn) et Maggie (Jane Angharad).

Sylvia est mariée à Marek (Zoran Jevtic), un immigrant polonais autrefois sans le sou, désormais prospère.

Hazel plaisante : « Le polonais… ce n’est pas une langue, c’est un mot de passe Wi-Fi. Ce sont juste des Z et des W. » Son racisme occasionnel devient bientôt plus manifeste.

Le premier acte de cette pièce d’ensemble présente les sœurs et leur fabuleusement salée tante Carol (Jo Briant).

Les hommes sont loin du Marek autodidacte. Le père des sœurs, Tony (Peter Eyers), son ex-frère Pete (Brendan Miles) et le mari de Hazel, John (James Smithers) sont tous à la ferraille.

Certains s’accrochent avec ténacité au passé. Au lieu de porter un toast aux jeunes mariés, Pete récite les noms de fosses fermées depuis longtemps comme une incantation des morts.

Le ressentiment croissant de Hazel vise les immigrants qu’elle accuse d’avoir accepté des emplois.

Si le décor de la pièce est aussi précis que les accents (qui avaient tendance à glisser), les problèmes qui assaillent cette famille ne le sont pas. Une communauté où les emplois ont disparu et où le ressentiment envers les immigrants s’exacerbe – nous pourrions être au pays de Hanson.

Fortement dirigée par Anthony Skuse, la production bénéficie de solides performances de la part de ses femmes centrales. En tant qu’épouse Sylvia, Sage tient tête tardivement à Hazel, fanatique et amère de McGlynn. Angharad est remarquable dans le rôle de Maggie en conflit, la sœur avec quatre mariages derrière elle.

Avec la part du lion des répliques, Aunty Carol de Briant chronomètre astucieusement son mélange d’observations pleines d’esprit et astucieuses.

Marek de Jevtic a tiré le meilleur parti de son rôle de garant. Tony de Peter Eyers a fait preuve d’une grande tendresse dans sa scène touchante avec sa petite-fille.

Mi-feuilleton, mi-tragédie, cette production vivante est remplie de personnages en chair et en os luttant de manière comique et douloureuse pour un avenir dans un monde en évolution rapide.

MUSIQUE
Derrière moi c’est l’obscurité
Ensemble Apex
ACO sur la jetée, le 1er avril
Évalué par PETER McCALLUM
★★★★

La musique de Gyorgy Ligeti est devenue célèbre grâce aux sections éthérées et en apesanteur de la bande originale du film de Stanley Kubrick. 2001 : une odyssée de l’espace (1968). Les auditeurs qui s’étaient grattés la tête devant une musique atonale sans mélodie ni rythme palpitant lorsqu’ils l’entendaient dans la salle de concert, l’ont soudainement compris lorsqu’ils l’ont expérimenté dans le froid de l’espace interstellaire.

C’était deux ans avant son Concerto de chambre (1970), qui constituait le point culminant des innovations qu’il avait développées dans les années 1960 après avoir fui la Hongrie et rencontré le modernisme européen. En tant qu’œuvre finale du concert de paysages sonores variés et intrigants de l’Ensemble Apex sous la direction de Sam Weller, elle fut, à certains égards, à la fois le point culminant et l’ancêtre.

Frissons de vitesse de la compositrice germano-autrichienne Brigitta Muntendorf traitait d’impulsions fragmentées imprévisibles et de répétitions frémissantes à travers un ensemble de six instruments, alternant entre murmures hésitants et bruits sourds éclatants qui devenaient parfois effrayants et frénétiques.

En revanche, Janvier, de Lisa Illean, née en Australie et basée au Royaume-Uni, a exploré des sons ensoleillés, secs, intenses et sobres. Évoquant des souvenirs d’étés d’enfance dans le Queensland, il a commencé par une silhouette ondulante et gémissante, et a gardé le sentiment et la douceur à distance pour créer un sentiment de présence animé par des moments scintillants.

Hrim de la compositrice islandaise Anna Thorvaldsdottir a frappé un ton différent, commençant par des bois doucement hurlants et des trémelos brumeux et agités. Des passages de notes hautes et basses soutenues produisaient une sensation de profondeur et de couleur sombre interrompue par des sons forts et soudains et une décoloration.

Le Concerto de chambre de Ligeti a commencé avec des textures caillées aux bois, s’épaississant rapidement en des bruissements aux cordes. Il y a une brève explosion de mélodie à l’unisson emphatique qui disparaît aussi vite qu’elle est apparue. Le deuxième mouvement s’attardait sur des sons plus soutenus, introduisant la chaleur des cuivres et des accords aux octaves proéminentes qui évoquaient une stase tranquille. Le troisième mouvement, remarquablement contrôlé par Weller et l’ensemble, explorait la fascination de Ligeti pour les textures mécaniques de tic-tac (célèbrement exploitées dans Poème symphonique pour 100 métronomes).

Dans le dernier mouvement, une partie de l’esprit et de l’humour de Ligeti éclate brièvement alors que les membres de l’ensemble entament de brèves cadences, qui s’élancent avec exubérance comme des chiens déchaînés. Le mouvement se terminait par un regard ironique de côté.

Il s’agissait d’un programme de concentration dévoué de l’Ensemble Apex, qui a établi des liens réfléchis entre les pays et les générations, comme si les promesses de l’avant-garde d’après-guerre étaient enfin rachetées par les compositeurs prometteurs de notre époque.