Conclusion de la revue de Melbourne : Le tour de vis du Victorian Opera ; Koreaboo à la Malterie ; Lady Blackbird au Melbourne Recital Centre

OPÉRA
Le tour de vis ★★★
Théâtre du Palais, jusqu’au 1er octobre

L’opéra revêt une dimension surnaturelle à travers les siècles, mais aucune œuvre moderne n’est plus vénérée et redoutée que celle de Benjamin Britten. Le tour de vis. L’opéra de 1954 suit une gouvernante qui s’installe dans une maison de campagne anglaise, pour découvrir que les esprits de deux domestiques décédés hantent les enfants dont elle a désormais la garde.

Enfin, un opéra où les cris étouffés provenant du Luna Park voisin ajoutent au drame plutôt que de le nuire !

C’est une pièce qui a le potentiel d’être Le brillant-niveau déconcertant. Lorsqu’il est mis en scène de près et de manière effrayante, le chant étrange et le spectacle sinistre peuvent captiver comme un esprit démoniaque lui-même. Ici, le décor immense et la vaste scène éclipsent le drame : dans les moments cruciaux, les chanteurs sont éloignés les uns des autres ; nous sommes loin d’eux. Le détachement crée une déconnexion qui ne sert pas certaines excellentes performances.

Après tout, c’est un opéra de chambre. Britten l’a composé pour seulement 13 instruments. Peut-être qu’aucun chef d’orchestre australien n’en sait plus sur le compositeur anglais que Paul Kildea, et l’Orchestra Victoria réduit a été superbement guidé par lui.

Rachelle Durkin (gouvernante) était plus maternelle qu’hystérique, avec une performance vocale sûre et impressionnante à la hauteur. Sa voix aiguë et froide, Kanen Breen utilise sa souplesse physique pour intensifier la menace de Peter Quint, malgré le fait qu’il porte la perruque la plus peu flatteuse que quiconque ait jamais été maudit de porter (c’est un choix déroutant, quand il est clairement mentionné à quel point Quint est beau).

Une découverte exceptionnelle issue de cette production est la soprano Geneviève Gray (actuellement étudiante à l’université), qui chante l’aînée, Flora. Gray possède une uniformité vocale et une gamme de couleurs qui démentent sa jeunesse.

Ni un frayeur ni un ronflement, mais avec des moments de satisfaction, cette production ressemble à une occasion manquée d’envoûter davantage de gens avec le mystère et la magie du récit lyrique.
Évalué parBridget Davies

THÉÂTRE
Coréeboo ★★★
Malterie, jusqu’au 10 octobre

Inspiré par les propres expériences de la dramaturge Michelle Lim Davidson et mis en scène par Jessica Arthur, Coréeboo est un film à deux qui examine les questions controversées de race, de diaspora et d’appartenance, avec une touche légère.

Davidson elle-même incarne Hannah, une jeune Australienne qui se rend à Séoul pour tenter de renouer avec son ex-mère biologique, Umma (Heather Jeong). Ce n’est que leur deuxième rencontre. On apprend que bien qu’elle soit née en Corée, Hannah a été adoptée alors qu’elle était bébé et a grandi à Newcastle, en Nouvelle-Galles du Sud.

Au début, la communication entre les deux femmes échoue et s’ébranle. Hannah s’attendait à un séjour d’un long été – une période suffisamment longue, peut-être, pour renouer des liens significatifs ; Umma (mère en coréen), cependant, pensait que ce ne seraient que de courtes vacances.

Son comportement envers sa fille est empreint de méfiance, comme si l’on saluait un étranger. Peut-être, suggère-t-elle, qu’Hannah devrait plutôt visiter les lieux touristiques de Séoul.

L’ensemble du spectacle est mis en scène dans un petit dépanneur géré par Umma, joliment décoré de toutes sortes de collations aux couleurs vives et doté d’un éclairage fluorescent intense grâce au designer Mel Page. Les deux femmes se déplacent dans l’espace tout en interrogeant, parant et déviant.

Davidson explore une série de questions, dont la question de l’identité. L’origine à trait d’union d’Hannah (coréenne-australienne) signifie qu’elle fait partie des deux cultures et totalement d’aucune d’entre elles, et au début, la critique brusque d’Umma à l’égard des compétences linguistiques d’Hannah ressemble à un rejet total de la « coréenne » de sa fille. En quête d’acceptation à la fois maternelle et culturelle, Hannah se sent écrasée de ne recevoir ni l’une ni l’autre.

Leur langage commun – et celui qui les aide à progresser vers la connexion et la distance, s’avère-t-il – est la K-pop. Le titre fait en fait référence à quelqu’un qui n’est pas d’origine coréenne mais qui est obsédé par la culture pop coréenne.

Coréeboo vire à l’inattendu et au surréaliste lorsque les deux interprètes commencent à chanter et à danser. Il y a un spectacle de talents à préparer et une chance pour Hannah de devenir plus coréenne. Il s’agit cependant d’une appropriation culturelle superficielle, de la même manière qu’Umma a appris l’anglais en regardant la télévision, se familiarisant ainsi avec la vie des personnages de Le sexe et la ville qu’elle puisse les citer.

Après des débuts difficiles, Jeong et Davidson deviennent de bons partenaires d’entraînement et amis alors qu’ils naviguent à nouveau dans la relation délicate entre mère et fille après des années de séparation. L’histoire d’Umma est révélée : les raisons de l’adoption d’Hannah et comment ses aspirations à une carrière de chanteuse ont été anéanties en raison de l’obéissance filiale envers sa propre mère. La culture coréenne ne se limite pas aux soins de la peau et à la musique pop, mais, comme dans de nombreux pays asiatiques, on s’attend à se conformer aux exigences parentales.

Coréeboo se rassemble beaucoup pendant son temps d’étape d’une heure et demie – peut-être trop, car il y a beaucoup de sauts pour essayer de couvrir beaucoup de terrain. La configuration initiale prend un certain temps à se développer et peut être renforcée, et la fin semble précipitée.

Et bien que les séquences de chant et de danse soient trop longues et aussi distrayantes que humoristiques, la valeur de la pièce réside dans la mise en évidence des conséquences possibles de l’adoption d’un enfant, de son retrait de sa patrie et de son éducation dans un environnement totalement étranger. Même s’ils acceptent les richesses d’une nouvelle vie dans leur pays d’accueil, il y a toujours des pertes à prévoir.
Évalué par Thuy On

MUSIQUE
Dame Merle ★★★★
Centre de récital de Melbourne, 30 septembre

Cela fait des décennies que Lady Blackbird – élevée dans une famille chrétienne évangélique au Nouveau-Mexique – a abandonné ses racines de musique d’église, ainsi que les doctrines religieuses qui ne la définissaient plus.

De nos jours, le message qui sous-tend sa musique est beaucoup plus personnel, mais non moins chargé spirituellement. La chanteuse américaine (née Marley Munroe) a une voix qui rivalise avec celle de n’importe quelle reine du gospel, mais c’est désormais l’autonomisation et l’acceptation de soi qu’elle défend, plutôt que la soumission à une force extérieure.

Mercredi à Melbourne, dans le cadre de sa première tournée australienne, Lady Blackbird a fait une silhouette saisissante en arrivant sur scène : robe noire qui balaye le sol, canne élégante et afro platine emblématique. Son trio (le guitariste Chris Seefried, le bassiste Jonathan Flaugher et le batteur de Melbourne Felix Bloxsom) a attisé un feu granuleux et tacheté de distorsion autour du chanteur pour le concert de Pink Floyd. Mèrepuis se retira dans l’ombre pendant Merle – la chanson envoûtante de Nina Simone qui a inspiré le surnom de scène de la chanteuse.

Sur Collagele fuzz amplifié de la basse électrique et de la guitare a magnifié le drame mais a presque submergé la voix glorieuse de Blackbird. Puis l’ambiance s’est adoucie – d’abord avec l’ajout d’une basse acoustique, puis d’une guitare acoustique. C’était Blackbird en mode confessionnel sincère, sa voix magnifiquement granuleuse débordante d’émotion sur une pochette d’originaux : le balancement émouvant Perdu et à la recherchele teinté jazz Cinq pieds de haut et le chant, folk Homme sur un bateau.

Seefried est passé au piano pour les nostalgiques Si je te le disais avant d’inaugurer un autre nuage de psychédélisme sur une interprétation enivrante du titre des Beatles Rassemblez-vous. Le monde musical de Blackbird n’est pas limité par les genres, et son engagement émotionnel et son authenticité lui permettent de s’approprier chaque chanson, qu’elle ait été écrite par elle-même ou par d’autres.

Des arrangements et des réharmonisations imaginatifs permettent également au public d’entendre de vieilles chansons avec des oreilles neuves. Entre les mains de Blackbird, Frapper à la porte du paradis est devenu une chanson de flambeau feutrée, d’une délicatesse exquise. Son rappel envoûtant – Je suis ce que je suis – était tout aussi sans fioritures, dépouillé de ses paillettes de Broadway pour devenir une affirmation d’identité discrètement provocante.
Évalué par Jessica Nicolas