Nous savons ce que vous penserez dès que vos yeux auront fini de parcourir cette liste dans son intégralité : aucun album de Taylor Swift n'a été retenu. Pas un seul ! Expliquons-nous : c’est tout le problème de demander aux gens de sélectionner leurs 10 meilleurs albums sur 25 ans. C'est une longue période et tout le monde avait une époque Taylor Swift préférée différente, divisant ainsi le vote et signifiant qu'elle a raté. C'est une parodie, mais c'est ainsi que le cookie s'effondre. Plus important encore, les albums de cette liste – choisis par nos critiques en fonction de leur qualité, de leur influence et de leur héritage – offrent un aperçu intéressant des développements pop de ce millénaire à ce jour : la mort du rock, l'influence toujours croissante de la danse et de la musique électronique. , et le culte de Lin-Manuel Miranda. Laissez vos commentaires furieux ci-dessous.
Depuis que je t'ai quitté, les Avalanches (2000)
est un pur bonheur. Les débuts des savants de l'électro de Melbourne, The Avalanches, sont une célébration pétillante de la musique elle-même – une saturnale sonore dédiée aux délices infinis de la musique. Les Avalanches ont commencé en tant que fans obsessionnels de musique, passant d'innombrables heures à fouiller les bacs de disques des magasins d'opérations et à découper des milliers de sons, les stockant sur un fouillis de disquettes. Ils ont cousu ensemble la belle courtepointe qui est devenue à la volée, des génies fous réinventant la musique avec un abandon imprudent et désinvolte. Ils ont échantillonné la pop des années 80, le hip-hop old-school, les westerns spaghetti, les sketches comiques oubliés, les enregistrements animaliers et même, et les ont transformés d'une manière ou d'une autre en une pièce cohérente de surréalisme maniaque. La chanson titre merveilleusement bizarre et rêveuse est devenue des succès improbables, mais il est préférable de consommer l’album comme un long voyage errant – une odyssée fantastique vers nulle part en particulier. Incroyablement superposé mais éminemment accessible, complexe mais libre et un peu déséquilibré. C'est fait par des fanatiques, mais c'est pour tout le monde. Tom W. Clarke
C'est ça, les coups (2001)
New York était sur le point de changer en 2001. Deux avions ont percuté les tours jumelles, modifiant à jamais l'horizon et le psychisme de la ville. Et les Strokes ont sorti leur premier album, enflammant la scène musicale de la ville d'une manière qui ne s'était pas produite depuis les jours grisants des CBGB dans les années 70. Ils avaient l'air super cool, tous en forme de bonhomme allumette, vêtus de jeans serrés, de vestes en cuir et de baskets, comme les Ramones avant eux. Les guitares entrelacées et en duel de Nick Valensi et Albert Hammond Jr. ont fourni le fondement de la voix déformée et nerveuse de Julian Casablancas, racontant des histoires aux yeux larmoyants sur la ville qui ne dort jamais. Ces cris de clairon venus des rues du centre-ville de Manhattan se sont répercutés dans le monde entier, annonçant le retour du rock. La drogue, l'alcool et la dérive musicale allaient bientôt changer The Strokes, mais ils restent à jamais préservés en tant que groupe qui a remis les projecteurs sur New York et a ouvert la porte à d'autres groupes maniant la guitare pour faire irruption dans les années 2000. Barry Divola
Découverte, Daft Punk (2001)
Gun to head (1997) est un meilleur album que , mais Daft Punk se moque toujours du « syndrome du deuxième album » avec son disque d'inspiration disco qui a donné naissance à d'énormes succès et , et quelques-uns de leurs plus beaux moments downtempo dans et . Même les soi-disant morceaux d'album de Daft Punk sont des exemples incomparables de leur talent artistique éblouissant, de la poussée d'énergie de au dance-funk contagieux en passant par la disco house soul de , avec la voix indélébile de Romanthony (il a également chanté sur ). Sur , Thomas Bangalter et Guy-Manuel de Homem-Christo ont changé le paysage de la musique électronique pour la deuxième fois en quatre ans, incorporant des échantillons de manière ingénieusement inventive et troquant la house brute et granuleuse d'inspiration Chicago pour une disco-pop euphorique qui évoquait à la fois le merveille nostalgique de l’enfance et aventures romantiques dans l’espace. Annabel Ross
Fièvre, KYlie Minogue (2001)
est notre plus grand artefact pop et l'incarnation de Kylie en tant que reine de la réinvention. Après le swing incompris de ce fut (1997), un pivot de l'alt-pop si désastreusement reçu qu'elle fut exclue de son label, Kylie s'était déjà lancée dans la dance-pop aux influences européennes en (2000), produisant les improbables succès de retour et . Mais il a augmenté la sophistication, en évitant les clins d’œil campagnards (on t’aime encore parfois, ′ ) et en livrant un chef-d’œuvre d’euphorie sensuelle, slinky et romantique sur le dancefloor. Au-delà de la tracklist à ne pas manquer – y compris , et – c'est ridicule à quel point l'album résiste bien près de 25 ans plus tard : avec , Kylie a pris la température des deux décennies suivantes de la musique pop, devançant une vague de stars centrées sur les clubs, de Robyn à Carly Rae Jepsen à Dua Lipa. Je pense que c'est ce que les gens veulent dire lorsqu'ils appellent leur pop star préférée. Robert Moran
Retour au noir, Amy Winehouse (2006)
Le deuxième et dernier album d'Amy Winehouse est une véritable capsule temporelle et un puissant rappel d'un talent et d'une vie disparus trop tôt. Sa voix était unique dans une génération et rappelait les clubs de jazz enfumés des années 1960, démentie par son jeune âge – 22 ans lors de la sortie de cet album – et la vie personnelle tumultueuse dont la presse s'est nourrie jusqu'à (et au-delà) mort tragique en 2011. Produit par Mark Ronson, contient certaines des plus belles chansons de Winehouse, comme la triomphante et la tristement ironique. Le tout est soutenu par un accompagnement musical brillant et coloré qui s'inspire de tous les genres et de toutes les époques – du doo-wop et des groupes de filles des années 60 à la soul et au R&B. Mais c'est la chanson titre qui définit le son de ce moment particulier de l'histoire des années 2000 – une performance déchirante et brisée qui est simultanément imprégnée d'une force et d'une fureur tranquilles. Giselle Au-Nhien Nguyen
Mon beau fantasme sombre et tordu, Kanye West (2010)
Réalisé pendant une période d'exil imposé à (l'artiste anciennement connu sous le nom de) Kanye West suite à son bombardement sur scène d'une jeune Taylor Swift aux VMA, capture une célébrité en guerre contre la célébrité, un génie torturé par sa vision singulière, croyant qu'il ' Je ne serai jamais vraiment compris ou apprécié. Cet album a tout changé. C’est un maximalisme populiste, totalement hors de propos et profondément humain. Les touches allumées, les sketches de Chris Rock et le sample de Bon Iver, la prise d'assaut de la grange de Nicki Minaj. Et plus proche, la voix de Gil Scott-Heron demandant, dès 1970 : « Qui survivra en Amérique ? Vous n’avez plus les réponses ni même l’hypothèse. Sa relation avec la célébrité et la réalité est devenue plus longue et plus bouleversante ces dernières années. Mais pendant un moment en 2010, il est allé en enfer et en est revenu, a trouvé le courage dans sa bravade, a volé le feu aux dieux et l'a remis au monde. Brodie Lancaster
Émotion, Carly Rae Jepsen (2015)
Dans une interview accordée en 2019 à , Carly Rae Jepsen a haussé les épaules et a déclaré : « Je pense que c'est très cool de ne pas être cool et de tout ressentir sans vergogne ». Ressentir sans vergogne tout cela a été le MO de la popstar canadienne, dès son succès révolutionnaire de 2012. Le single était si incroyablement énorme que de nombreuses personnes (pas injustement) l’ont classé dans le fichier des « merveilles à succès ». Mais Jepsen est revenu en 2015 avec , un album qui débordait de désir, de luxure, d'amour et de confusion et de tous les autres sentiments humains que Jepsen pouvait évoquer. Sa production synthpop luxuriante et immaculée des années 80 a souligné l’écriture exceptionnelle de Jepsen, avec des couplets précipités et pleins de gorge et des refrains qui se soulevaient comme un A380. , avec son riff de saxophone désormais emblématique et son refrain criard « emmenez-moi au sentiment », ainsi que la chanson titre douloureuse, sont des points forts d'un album sans points faibles. L’un des disques pop les plus acclamés de la décennie, c’est un album qui a contribué à inaugurer l’ère du « poptimisme » et a consolidé de manière inattendue Jepsen en tant que héros pop culte. Jules LeFèvre
Hamilton, enregistrement original du casting de Broadway (2015)
Après avoir lancé sa révolution hip-hop du théâtre musical avec , Lin-Manuel Miranda a osé rêver plus haut encore. Quel meilleur sujet pour une comédie musicale transformationnelle que ce révolutionnaire clé, Alexander Hamilton ? Miranda utilise le rap pour résoudre un problème rencontré depuis que le récitatif a disparu de la mode lyrique : communiquer rapidement des pans d'une histoire, sans recourir au dialogue (étant donné que les chansons communiquent plus efficacement les émotions). Le rap n'accélère pas seulement la diffusion, il donne un élan à l'ensemble du spectacle, et avec Miranda jouant brillamment Hamilton, la performance correspond à l'écriture. Ses chansons font honte à beaucoup de compositions musicales du nouveau siècle. a l’hymne « Rise up ! » s'abstenir, est un classique du R&B, est terriblement viscéral et terriblement accrocheur. Le grand art rencontre une musique palpitante tandis que les rimes, parmi les plus éblouissantes depuis Byron, volent vers vous à la vitesse de la mitraille d'un canon. John Shand
Limonade, Beyoncé (2016)
Regarder l'album visuel de Beyoncé pour la première fois, c'était comme assister à un changement crucial dans la carrière de l'auteur-compositeur-interprète. La musique de Beyoncé dépeint souvent l'autonomisation des femmes, mais avec elle elle devient personnelle et politique, exploitant des émotions plus sombres alimentées par la trahison et la survie et explorant les thèmes de la féminité, de la noirceur en Amérique et de ses racines méridionales. Il a montré sa capacité à transcender les genres, en incorporant une intro gospel, un hommage au mouvement Black Lives Matter ; apporter des tons country à , une chanson sur sa relation avec son père ; et l'intégration de rythmes électro dans , qui détaillait un incident d'infidélité et faisait connaître l'expression « Becky aux beaux cheveux ». Sans surprise, ce fut un succès commercial et critique, remportant neuf nominations aux Grammy Awards (il a raté le titre d'album de l'année au profit d'Adele) et devenant l'album le plus vendu au monde en 2016. Les fans ont même coopté l'emoji citron pour montrer leur appréciation. Vyshnavee Wijekumar
Gosse, Charli XCX (2024)
Le sixième album studio de Charli XCX, , est le point culminant d'une artiste dont le refus d'arrêter de fumer a fait d'elle la pop star la plus risquée de sa génération. Contrairement à ses contemporains révisionnistes, la discographie de Charli XCX est entièrement ancrée dans le 21ème siècle. reflète l'air du temps culturel des clubs du troisième millénaire, avec le producteur exécutif AG Cook mixant malicieusement les styles de musique dance dominants de ce siècle (électro house, techno et EDM) en bangers de trois minutes. Contrairement à la plupart des pop stars, qui s'enveloppent dans une aura intouchable, Charli donne l'impression que sa vie ridicule est accessible, comme si vous aviez été invité dans son Hummer allongé pour faire éclater des bouteilles avec Lorde, Billie Eilish et Troye Sivan (dont les apparitions définitives de remix ont supplanté le versions d'albums). La philosophie dit que le simple fait d'exister vous mérite de vous amuser dans cette vie – et cela ne fait pas de vous une personne moins réfléchie, attentionnée et intelligente. Nick Buckley
Mentions honorables
StanconieOutkast (2000)
1989Taylor Swift (2014)
Pimper un papillonKendrick Lamar (2015)
MélodrameLorde (2017)
Norman F—ing Rockwell !Lana Del Rey (2019)
Selon vous, quels albums méritent une place sur la liste ? Dites-le-nous dans les commentaires.