Continuum de la Sydney Dance Company, Fly Girl, Shirley Valentine, Bill Frisell

La soirée culmine avec une méditation envolée des Premières Nations sur l'esprit de la respiration de la création : , une collaboration multidisciplinaire entre le chorégraphe Stephen Page et le principal joueur de yidaki (ou didgeridoo) William Barton, qui a composé la musique et se produit sur le devant de la scène aux côtés des nouveaux artistes de musique classique de l'Ensemble Omega.

La musicalité et la simple présence scénique de Barton sont tout simplement magnétiques. Personnage imposant vêtu d'un manteau de plumes (le magnifique costume de Jennifer Irwin), son jeu de didgeridoo parle avec la maîtrise d'une voix ancienne et évocatrice parlant depuis les confins du monde humain. Et lorsqu'il chante, il semble faire naître la danse elle-même. La combinaison – sur une seule scène – de la présence de Barton, des instincts chorégraphiques magistral de Page et de l'excellence artistique des danseurs du SDC et de l'Omega Ensemble est presque un embarras de richesse.

THÉÂTRE
Fille volante
Théâtre Ensemble, du 22 octobre au 22 novembre
Évalué par HARRIET CUNNINGHAM
★★★★½

Deux hôtesses de l'air, vêtues d'un pantalon orange et de chapeaux assortis, déroulent une ligne de ruban adhésif sur la scène du Théâtre Ensemble. C'est la ligne qui marque les limites du droit d'une femme dans l'Australie des années 1970.

Fille volante est l'histoire de Deborah Lawrie, la première femme australienne à devenir pilote de ligne commerciale. Il s'agit d'une histoire tentaculaire, en partie mémoire, en partie drame judiciaire, sur la bataille rangée entre un pilote talentueux de 25 ans qui se trouve être une femme et les préjugés rouillés de l'homme d'affaires pionnier Sir Reg Ansett.

En 1976, Lawrie, qui prend sa première leçon de pilotage à 15 ans et compte 1 600 heures de vol à son actif, postule pour rejoindre le programme de formation de pilote à Ansett. Malgré avoir impressionné les sélectionneurs lors de deux entretiens et réussi le test psychologique avec brio, Lawrie est rejeté. En 1978, elle porte son cas devant le nouveau Conseil de l'égalité des chances de Victoria et devient la plaignante dans la première affaire de discrimination sexuelle dans l'emploi en Australie.

Alerte spoiler : elle gagne. Mais pas sans un vilain combat.

Les dramaturges Geneviève Hegney et Catherine Moore présentent ce récit épique sur la scène de l'Ensemble avec humour, joie et juste ce qu'il faut de mordant. L'action se déroule rapidement, dans de courtes scènes, coupant de manière cinématographique entre la maison et la famille de Lawrie, la tour de contrôle, l'école de pilotage, la salle d'audience et la cabine économique d'un vol intérieur. Un panneau scintillant d'aéroport suspendu au-dessus de la scène indique où et quand nous nous trouvons.

Tout le reste – y compris plus de 50 personnages – dépend d'un casting de cinq personnes, réalisé avec ingéniosité par Janine Watson, aidé par une bande originale émouvante (Daniel Herten) et un trésor de costumes des années 1970 (Grace Deacon).

Le sexe n'a délicieusement aucune importance : Alex Kirwan joue également le rôle du père de Lawrie, puis du mari de Lawrie, mais enfile également une perruque rouge et un pantalon orange pour devenir Helen, l'hostie d'Ansett, 27 ans en larmes, lors de son dernier vol avant de perdre son emploi.

Pendant ce temps, et avec une délicieuse ironie, Geneviève Hegney alterne entre un Reg Ansett qui se pavane, un avocat enceinte et donc au chômage, et la journaliste de télévision Pamela Graham. Catherine Moore jongle avec aplomb avec les chapeaux, les moustaches et les plateaux-repas et Emma Palmer est richement comique dans le rôle de l'avocat John Dwyer. À travers tout cela, la nouvelle venue Cleo Meinck dresse un portrait touchant du jeune Lawrie, passionné de vol et secoué par les préjugés.

Fille volante est une commande du directeur artistique de l'Ensemble Theatre, Mark Kilmurry, qui, après le succès de Comment tracer un hit en deux jours, continue d’exploiter la riche veine de la nostalgie des moments culturels emblématiques.

Le scénario s’appuie sur le sexisme glorieusement altruiste de l’Australie des années 1970, où les femmes deviennent de « vieilles chaudières » après 21 ans et où les menstruations sont une maladie mentale. Mais les observations d'époque ne sont pas que pour rire : la production gagne en puissance tout au long du deuxième acte, et alors que le combat de Lawrie se déroule devant le tribunal, nous voyons des vagues de changement se produire pour les rôles féminins traditionnels.

THÉÂTRE
SHIRLEY VALENTIN
Théâtre Royal, du 22 octobre au 26 octobre
★★★

Shirley Valentine est dans une ornière. Elle ne grimpe pas tant aux murs que leur parle.

Sa cuisine claustrophobe avec son papier peint fleuri peut à peine contenir la grande personnalité qu'est Shirley Valentine de Natalie Bassingthwaighte, une femme qui s'efforce de se libérer.

Dans ses limites exiguës et lubrifiée par un verre ou trois de riesling, la femme au foyer d'âge moyen de Liverpool partage et plaisante sur sa vie, son mariage, ses enfants et son clitoris.

Qu'est-il arrivé à l'aventureuse Shirley Valentine qu'elle était avant de devenir Mme Joe Bradshaw ? Aura-t-elle le courage de partir en vacances en Grèce avec l'amie qui lui a acheté un billet ? Les réponses sont probablement mieux connues du public grâce à l’adaptation cinématographique populaire de 1989 avec Pauline Collins.

Bassingthwaighte est un pétard de Shirley dans ce spectacle solo en tournée. Elle est drôle, capricieuse et perspicace alors qu'elle navigue dans la transformation de son personnage et les passages de l'humour au pathétique et vice-versa.

J'ai vu la première saison londonienne de la pièce de Willy Russell en 1988. C'était passionnant de voir une histoire enracinée dans ma ville natale qui mettait sur le devant de la scène les espoirs et les rêves d'une femme mûre de la classe ouvrière. Elle se sentait comme nos mères, tantes, voisines.

La franchise et l'esprit de Shirley semblaient alors aussi innovants que ceux de Phoebe Waller-Bridge. Sac à puces (qui a commencé sa vie comme une pièce de théâtre) l'a fait plus récemment.

Ce qui me frappe en revoyant la pièce après si longtemps, c'est comment, sous les rires – et ils sont nombreux – se trouvent les fragments d'une histoire de contrôle coercitif plus sombre que celle dont je me souviens.

C'est cet aspect que la réalisatrice Lee Lewis a mis en avant dans sa production réfléchie. Nous voyons l'attitude plaisante de Shirley devenir nerveuse et anxieuse lorsqu'elle entend Joe arriver à la maison. Sa phrase sur le fait d'être battue et battue est livrée avec suffisamment d'ambiguïté pour vous laisser vous demander si elle ne parle pas simplement de manière métaphorique. Et quand Shirley dit qu'elle sait qu'elle paiera pour s'enfuir en Grèce à son retour, le sentiment de menace est inévitable.

Il est clair que la perte de confiance de Shirley n'a pas commencé – ni pris fin – avec son mariage avec son mari dominateur, qui attend son œuf et ses chips dans une assiette dès qu'il franchit la porte.

Il y avait la directrice qui avait prédit que Shirley n’irait jamais loin. Il y a la fille adulte qui rentre à la maison en s'attendant à ce que Shirley s'occupe à nouveau de tous ses besoins.

Les chances sont depuis longtemps contre Shirley.

Le mathématicien Russell (il est également musicien, peintre et ancien coiffeur) raconte des histoires animées sur d'autres femmes de la vie de Shirley, y compris sur sa voisine Gillian, l'un des nombreux personnages mineurs créés de manière convaincante par Bassingthwaighte.

L'accent de Liverpool vacille et, après plus de deux heures, les morceaux s'affaissent à l'approche de l'intervalle.

La seconde moitié, plus courte, se déroule en Grèce, dans laquelle le décor de Simone Romaniuk utilise toute la scène et est plus ensoleillé dans le ton et l'apparence.

Près de quatre décennies plus tard, une femme au foyer au foyer est une figure moins courante qu’elle ne l’était autrefois, et s’envoler pour la Grèce est beaucoup moins audacieux. Néanmoins, il est impossible de ne pas se réjouir alors que cette fougueuse Shirley découvre le monde au-delà de ses murs.

MUSIQUE
TRIO DE BILL FRISELL
Récital à la salle municipale, le 22 octobre
Évalué par JOHN SHAND
★★★★½

Il y a des nuits dans les Montagnes Bleues où vous contemplez le ciel nocturne avec toute l'émerveillement des yeux d'un enfant. Entendre le Bill Frisell Trio, c’est comme ça.

Un profond sentiment de mystère imprègne la musique, avec des notes de la guitare de Frisell qui s'enflamment, scintillent puis s'estompent, pour être remplacées par de nouvelles invraisemblances.

La batterie de Rudy Royston n'est pas moins mystérieuse. Peu de gens ont joué de l'instrument avec une musicalité si complète qu'il pouvait jouer en solo avec des pinceaux sur une ballade lente, et avoir au moins autant de substance et de pertinence à dire que Frisell ou ce maître de la sous-estimation, le bassiste Thomas Morgan.

Beaucoup d’autres, de Pharoah Sanders à Arvo Part, ont créé une musique mystérieuse, mais peu, à l’exception du regretté trompettiste Lester Bowie, ont combiné cette qualité avec un côté aussi ludique et loufoque. Il y avait des moments pendant ce concert où c'était comme regarder trois enfants complètement absorbés dans le même bac à sable.

C'est l'un des grands groupes de jazz dans sa combinaison de personnalités, de sons, d'idées et d'interactions. Ils se remettent en question et se surprennent à parts égales, tout en jouant souvent avec l'intimité aux chandelles, comme si on écoutait des conversations qui n'en sont pas moins privées pour être musicales.

Il y a des détails étonnants dans la création des sons et une précision dans leur mélange. Alors que la dernière fois qu'ils étaient ici, en 2019, ils ont joué des chansons du cinéma orientées musique Quand tu souhaites une étoile (qui avait tendance à être plus tapageur et plus grand que nature), ici, en se concentrant sur le matériel du Valentin album, ils étaient plus proches de l'art du miniaturiste, et le mixage sonore exceptionnel permettait de saisir les infinies subtilités émanant des trois instruments.

Ils s'ouvraient sur des rafales de notes arythmiques qui, comme des notes aléatoires soudainement attirées par un aimant, se solidifiaient en un blues : la chanson titre de Frisell, influencée par Thelonious Monk, de Valentin. Son jeu était typiquement idiosyncratique dans ses harmonies aigre-douces, tandis que Royston faisait chanter les tambours et les cymbales, et Morgan grognait et rôdait autour du groove oscillant et oscillant avec le minimum de notes.

Les compositions se sont enchaînées les unes aux autres, qu'elles soient floues là où l'une s'arrêtait et où l'autre commençait, ou avec des sauts de contraste audacieux. Le point commun était des options apparemment infinies, de la douceur et de la naïveté d’une comptine aux hurlements de guitare sur un rythme cahoteux. La musique était toujours en évolution – allant jusqu'à celle de Johnny Mercer Je suis un vieux vacher (du Rio Grande)auquel ils ont joué avec un plaisir contagieux. Mais, comme pour Burt Bacharach Ce dont le monde a besoin maintenant, c'est d'amouril n’y avait aucune trace de satire ; il s'agit plutôt d'une célébration de la beauté innée de ces chansons, qui, d'une manière ou d'une autre, est devenue plus nette sans la distraction des paroles.

Les constantes étaient le mariage de Frisell entre l'innocence enfantine et la sophistication sonore, la maîtrise exceptionnelle du timbre et de la dynamique de Royston, et la capacité de Morgans à rendre chaque note précieuse et révélatrice. Un concert de rêve.