DANSE
Horizon, Théâtre de danse de Bangarra ★★★★
Arts Centre Melbourne, jusqu'au 7 septembre
Ce triple programme de nouvelles œuvres est une tournée d'horizon en horizon, des îles du détroit de Torres au lac Taupo en Nouvelle-Zélande, avec des commandes de Sani Townson, Deborah Brown et de l'artiste maori Moss Te Ururangi Patterson.
La chorégraphe Deborah Brown avec les danseuses Amber Gordan, à gauche, et Courtney Radford, à droite, lors d'une répétition générale avant Horizon.
La soirée commence avec Kulka de Townson, une œuvre qui reflète la tradition totémique et l'héritage culturel de l'île de Saibai. Elle a un rythme aérobique chargé, avec de fréquents passages à l'unisson en groupe où de simples portés avec des jupes bleues traînantes rappellent les vagues déferlantes.
La chorégraphie de Townson est complétée – et parfois en concurrence – par des vidéos élaborées projetées au sol et reflétées dans un immense miroir. C'est un dispositif qui fonctionne le mieux dans la section consacrée à Koedalaw Awgadh, le dieu crocodile.
Brown relie également sa pièce, Eau saléeavec la culture insulaire du détroit de Torres. Elle se concentre particulièrement sur l'île occidentale de Badu et l'île orientale de Mer, d'où elle retrace sa lignée ancestrale.
Comme l'œuvre de Townson, Eau salée L'énergie est constante et bouillonnante. Son point fort est l'évocation d'un récif submergé. Des corps contorsionnés créent une vue sous-marine, tandis que de petits mouvements saccadés des mains suggèrent la fragilité des squelettes de corail.
Une scène de The Light Inside dans le cadre d'Horizon.
La dernière section est un solo vif-argent de Lillian Banks dans un costume pailleté accrocheur conçu par Jennifer Irwin : des pulsations rapides dans les bras et les épaules, des flexions et des déplacements, évoquent le scintillement et le scintillement d'une étoile particulièrement brillante.
La contribution de Moss Te Ururangi Patterson, qui s'inspire des traditions spirituelles maories, s'intitule Eau douce:une pièce complémentaire à celle de Brown Eau salée et fait partie d'un projet collaboratif plus vaste appelé La lumière à l'intérieur.
Patterson, qui est le directeur artistique de la New Zealand Dance Company, crée un certain nombre de défis spéciaux pour l'ensemble Bangarra, en plaçant un haka traditionnel dans l'une des sections et en déployant des mouvements puissants du haut du corps tout au long.
La chorégraphie de Patterson exige un niveau de concentration et d'intensité que l'ensemble – à l'exception notable de Kallum Goolagong – n'atteint pas toujours. Et pourtant Eau douce est toujours la plus excitante des trois pièces en raison de son atmosphère sombre et de son utilisation innovante des tableaux.
Emily Flannery, Jye Uren et Chantelle Lee Lockhart dans une fable sur les cheveux magiques.
L’apparition d’Emily Flannery, Chantelle Lee Lockhart et Jye Uren en tant que présences féminines sacrées dans une représentation d’une fable sur les cheveux magiques est particulièrement mémorable.
Alors que Horizon Bien qu'elle ne soit pas aussi immersive ou aussi émouvante que d'autres productions de Bangarra, en tant qu'expression de solidarité avec les Premiers Peuples de la région d'Océanie, elle représente néanmoins un élargissement important de la mission principale de la compagnie – et une nouvelle frontière artistique.
Révisé par Andrew Fuhrmann
MUSIQUE
Quatuor Orava ★★★★
Centre de récital de Melbourne, 30 août
Le groupe de musique de chambre australien le plus proche d'un boys band est probablement le Orava Quartet, basé à Brisbane. Arborant leurs chaussettes colorées emblématiques, les violonistes Daniel Kowalik et David Dalseno, l'altiste Thomas Chawner et le violoncelliste Karol Kowalik ont continué de défendre avec conviction la nouvelle musique australienne en donnant la première mondiale de Paul Dean Quatuor à cordes n° 2.
Le Quatuor Orava est probablement ce qui se rapproche le plus d'un boys band dans la musique de chambre australienne.
Basé sur le court poème d'Edgar Allan Poe Un rêve dans un rêvel’œuvre est divisée en trois mouvements. Le premier, intitulé « rapide, trouble et troublé », s’ouvre sur des cordes aiguës chimériques percées d’éclats sonores avant de projeter des textures plus cohérentes mais turbulentes.
Tirant son nom du poème de Poe, le deuxième mouvement se composait de quatre courtes scènes, dont l'une comprenait un soliloque sincère de l'alto de Chawner, suivi d'une « prière » réfléchie dans laquelle la fusion des voix basses et douces du quatuor était particulièrement émouvante.
Après avoir travaillé sur les références à la « vague impitoyable » et au « rugissement » du « rivage tourmenté par les vagues » de Poe, le troisième mouvement « à travers mes doigts jusqu'aux profondeurs » est apparu comme une méditation sur la nature éphémère du temps et de l'existence exprimée dans le poème, se terminant par des respirations courtes et douces qui confirmaient les sentiments du poète.
Une exploration efficace et bien structurée du thème de Poe, la musique aurait eu un contexte plus large si le poème avait été lu au préalable.
Apparemment enflammé par la lumière vive du soleil méditerranéen, le célèbre opéra de Claude Debussy Quatuor à cordes en sol mineur Le troisième mouvement, luxueusement langoureux, est un parfait contraste avec le royaume des rêves. L'œuvre vibre d'une énergie bouillonnante, à l'exception du troisième mouvement, luxueusement langoureux. Prenant de la vitesse et se dirigeant vers sa fin tranchante, le finale devient une force musicale viscérale qui ne peut être générée que par un ensemble ayant développé un rapport intérieur profond.
Un arrangement décontracté d'une mélodie folklorique danoise a renvoyé les fans de ce boys band chez eux heureux et satisfaits.
Révisé par Tony Way
MUSIQUE
Wuigada – Gagada (Chanter fort) | Festival Now or Never ★★★★
Kutcha Edwards et l'Australian Art Orchestra, Capitol Theatre, vendredi 30 août
Wuigada-Gagadale titre de la collaboration de Kutcha Edwards avec l'Australian Art Orchestra, est une expression de la langue Mutti Mutti des ancêtres d'Edwards – une langue que Edwards n'avait pas le droit d'utiliser après avoir été arraché à sa famille alors qu'il était enfant. Plus tard dans sa vie, il a récupéré cette langue comme partie de son identité, et quand il chante en Mutti Mutti, il a le sentiment d'être en contact avec quelque chose d'intensément personnel et profond.
Kutcha Edwards avec le directeur artistique de l'AAO, Aaron Choulai.
Bien sûr, ses paroles en anglais peuvent avoir un effet tout aussi puissant, comme ce fut le cas lors du superbe concert d'Edwards avec l'Australian Art Orchestra vendredi soir. Le directeur artistique Aaron Choulai (aux claviers) et le trompettiste-arrangeur Eugene Ball avaient déjà travaillé avec Edwards au sein du Black Arm Band, et le chanteur était visiblement ravi de les retrouver pour ce projet.
Les arrangements magistraux de Ball, associés à la sensibilité infaillible du groupe, ont souligné la poésie et le pathétique des chansons d'Edwards.
Des associations instrumentales inhabituelles (Rhodes et vibraphone, trompette et flûte à bec contrebasse) et des dynamiques changeantes ont créé des toiles de fond allant du épuré et discret au dramatique et anguleux.
Chanter en country s'est ouvert dans un champ d'improvisation ondulante et roulante avant de s'installer dans un shuffle langoureux. Mme Edwards (qui raconte la rencontre douloureuse d'Edwards avec sa mère biologique après de nombreuses années de séparation) présentait un tourbillon de guitare électrique gémissante, reflétant le trouble intérieur d'Edwards alors qu'il se souvenait du « chagrin et de la tristesse… si difficiles à ignorer ».
Kutcha Edwards se produit avec l'AAO en Tasmanie début 2024.
Pour Langue maternelleEdwards s'est levé et a chanté Mutti Mutti à chaque musicien à tour de rôle – puis à nous directement, depuis le devant de la scène – dans un geste qui était en partie une bénédiction, en partie une invocation.
La chanson finale (Continuez à chanter) évoquait à la fois tristesse et réconfort, la basse arco d'Helen Svoboda enroulant ses vrilles autour des paroles d'Edwards tandis que sa voix riche et souple tremblait d'émotion. Le chanteur a essuyé ses larmes, et il n'était pas le seul. Cela a donné une fin profondément émouvante à un spectacle convaincant et stimulant.
Révisé par Jessica Nicholas
MUSIQUE
Requiem de Fauré ★★★★
Orchestre symphonique de Melbourne, Hamer Hall, 29 août
L'Orchestre Symphonique de Melbourne a mis de côté les difficultés managériales des quinze derniers jours, culminant avec le départ cette semaine de la directrice générale Sophie Galaise, avec une somptueuse interprétation de Gabriel Faure Requiem au Hamer Hall jeudi.
Le chef d’orchestre Lawrence Renes a clairement travaillé dur pour équilibrer toutes les forces au sein de l’orchestre et du chœur.
Contrairement au drame de Mozart Requiem ou la version virtuose et opératique de Verdi, celle de Fauré Requiem est sobre, calme et sereinement beau, et a reçu une interprétation profondément émouvante.
C'est une belle vitrine pour l'excellent chœur du MSO sous la direction de Warren Trevelyan-Jones, tandis que le chef d'orchestre Lawrence Renes a clairement travaillé dur pour équilibrer toutes les forces au sein de l'orchestre et du chœur.
Il y a deux solistes, une soprano et un baryton, mais ils chantent pendant environ quatre minutes chacun au total, c'était donc un casting de luxe à l'extrême d'avoir Siobhan Stagg et Roderick Williams sur scène.
Stagg, originaire de Melbourne, qui se lance dans une carrière internationale spectaculaire, a chanté Pie Jésusle mouvement le plus souvent extrait de l'œuvre pour les récitals. Fermez les yeux – ou, en fait, ouvrez-les – et vous auriez pu voir un ange, tant sa tendre pureté était grande. Williams avait un ton doux et héroïque.
Contrairement au Requiem dramatique de Mozart ou à la version opératique de Verdi, le Requiem de Fauré est sobre, calme et sereinement beau.
Le concert a été gâché, comme c'est le cas chaque fois qu'un orgue est requis, par le petit « grille-pain escamotable » (vaillamment joué par Andrew Bainbridge) qui est la seule option, au lieu du majestueux instrument intégré qu'exigent un orchestre comme le MSO et la principale salle de concert de la ville. La direction du Centre des arts a retiré l'orgue lors de la rénovation de la salle il y a dix ans et refuse tout simplement de le remplacer.
Une particularité de l'œuvre de Fauré était la disposition de l'orchestre, qui était nouvelle pour moi : les altos à gauche, alternant avec les premiers violons, les violoncelles au milieu et les contrebasses réparties entre les deux ailes. La raison en est, selon l'OSM, que les violons jouent un rôle mineur dans cette œuvre : il y a deux sections d'altos et deux sections de violoncelles, mais une seule section de violons. L'altiste principal Christopher Moore était donc premier violon de cette œuvre.
Avant l'entracte, il y avait la mystérieuse et élémentaire septième symphonie de Sibelius – sa dernière, bien qu'il ait vécu encore 33 ans – et Mythique par la compositrice australienne très appréciée Elena Kats-Chernin. Mythiqueune œuvre subtile et d'une certaine substance, est décrite par le compositeur comme « une sorte d'hymne avec variations ». Scott Kinmont a brillé dans l'exigeant trombone obligé de Sibelius, où Renes a de nouveau montré son sens aigu de la forme et de l'architecture.
Révisé par Barney Zwartz
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